24.3.15

+ Blade runner final cut y la nueva de Mad Max

Blade runner no me parece una obra maestra porque varios de sus aspectos fundamentales son flojos: Deckard, el protagonista, es un cliché y está interpretado mediocremente por Harrison Ford así que la peli no tiene solidez suficiente, y Scott no hizo bien su trabajo, no dirigió a los actores y el rodaje fue caótico por la cantidad de disputas que hubo en él (protagonista contra todos, director contra todos...) por lo que la peli titubea y eso, que es lo que ha motivado el que haya sido remontada 2 veces, la hace blanda, PERO es una obra clásica y compleja de modo que siempre es actual e inagotable. Por ello otro nuevo post sobre el film. En el último videado, el 4º o el 5º, he visto cosas que no había visto antes.
En Blade runner no hay buenos ni malos. La peli es moderna, estadounidense y de estudio por lo que se afrontó de manera maniquea: hay un héroe que ha de acabar con la amenaza (cuyo líder es interpretado por un extranjero con acento británico, esto no es un detalle pues es algo habitual en el cine de EE.UU.) a su comunidad, pero a medida que progresa el film eso se va desintegrando de tal modo que o admitimos que en la peli no hay buenos ni malos o que esos papeles al final se invierten. Está claro ahora, que el posmodernismo nos ha librado del maniqueísmo y por eso ya no tenemos ese cristal de lente distorsionador, que en el film no hay nadie bueno pues lo que representa la peli es la Vida. Cada personaje lucha por sus intereses de súbdito como en la realidad. Los nexus 6 no son malos ya que luchan por sobrevivir, Deckard no es malo porque sólo hace su trabajo y Tyrell tampoco es malo porque simplemente es un empresario beneficiándose de satisfacer una necesidad social. Nadie es un villano clásico porque ninguno busca el perjuicio de nadie, el poder omnímodo o promover ideas perversas (desde una óptica cultural concreta). En todo caso serían malos los 2 últimos. El blade runner por traicionarse a sí mismo y ejercer de nuevo como agente opresor de los dominadores, no obstante es un opresor alienado y se enfrenta contra oponentes más fuertes que él, pero desarmados, así que resulta difícil demonizarle, y el rico empresario por transgredir el sentido común por cantidades ingentes de dinero, pero su codicia no resulta antipática ya que no esta asociada al ansia de poder o al egoísmo extremo así que resulta un poco difícil demonizarle.
El tema principal de Blade runner no es la frontera entre la máquina y el hombre, no es qué nos diferencia de una máquina autónoma con forma humana capaz de pensar y sentir, sino la mortalidad. Tanto los nexus como los humanos tienen un problema irresoluble: su período vital es improrrogable. Ninguno puede ir más allá de sus limitaciones físicas por lo que acabará muriendo. Esto se ve magníficamente en la pelea final. Ambos luchan contra la Muerte. La diferencia está en su origen. La Muerte contra la que lucha el nexus 6 es interior, su obsolescencia, mientras que la Muerte contra la que lucha Deckard es exterior, la violencia letal de su oponente, pero ambos luchan por seguir viviendo. Así, la peli habla sobre la fugacidad de la Vida y por eso, aunque no es excelente, es un clásico y propone una idea revolucionaria aún hoy, lo humano no reside en la capacidad de pensar y sentir sino en el miedo a morir. De este modo el film también acaba con la dicotomía o dialéctica con la que comenzó: no hay buenos ni malos, tampoco androides y humanos. Por aquí a un post donde desarrollo esto.


Von Stuck, pintor alemán modernista, a la izda. Pecado I 1893, a la dcha. Sensualidad III 1891
Fui a ver Blade runner con mi novia ya que ella no la había visto nunca en pantalla grande y es una de sus pelis favoritas así que inevitablemente salió el tema de los personajes femeninos. En este visionado caí en que la peli es un tanto machista. No es criticable porque es producto de su época, pero no está de más denunciarlo. Todas las mujeres se presentan como objetos eróticos masculinos: una es una bailarina exótica, otra es una esclava de placer (menos que prostituta porque estas cobran y algún poder de decisión tienen) y la última es el interés romántico del protagonista. Así mismo hay una clara división machista entre ellas: la doncella es buena y las expertas son malas. El interés romántico es virgen y por ello puro-bueno de modo que esta favor del "héroe", el campeón del patriarcalismo, y es un objeto pasivo, la princesa a rescatar, e inofensivo, es la única que no pelea contra el "héroe". Las otras, ya desvirgadas y por tanto sabiendo lo que vale un peine en el patriarcado, son activas, son rebeldes, y peligrosas, ambas están a punto de matar al "héroe". Así, no sorprende que una peli futurista use un símbolo que para la fecha del relato ficticio tiene más de 100 años. El título del espectáculo de la bailarina, "Salomé y la serpiente", nos retrotrae a la época victoriana, cuando el comienzo de la liberación de la mujer aterrorizó tanto a los hombres que crearon la femme fatal, aquella mujer que conjuga en sí misma los opuestos Eros y Tanatos. Son mujeres sexuales, es decir, vitales, y a la vez mortales. Salomé usó su sexualidad para matar al primo del hijo del dios de los cristianos y por ello se convirtió a finales del XIX en advertencia de lo peligrosas que son las mujeres liberadas de las sabias y prudentes cadenas patriarcales. No hace falta hablar de la serpiente y el cristianismo. El último elemento machista del film es la escena de la 1ª vez de Deckard y su nexus 6. Es violenta, que no es lo mismo que sádica. Al final, para follar Deckard se tiene que poner violento de modo que queda a la vista la incapacidad del machista para poner a tono a la mujer, así como la inhibición sexual de la mujer patriarcal ya que obligada a ser casta al sexo sólo puede ir forzada. En la escena ni hay seducción ni deseo sexual femenino y eso hoy queda chungo por muy replicante que sea y muy angustiada que esté la damisela. De todos modos la liberación femenina se cuela en la peli. Virginia Woolf escribió que si un personaje femenino se define sólo por su relación con los hombres entonces su origen es machista. Así, siguiendo esta definición sabia y preclara, tanto la esclava como la damisela lo son. Una es pareja del antagonista y la otra del protagonista. Pero la bailarina es independiente. Por ello es mayor que las otras y más masculina, está entrenada para ser una asesina. Sin embargo sigue inmersa en el patriarcado de modo que ha de satisfacer al hombre. Así, sin ninguna razón, el personaje es una bailarina exótica (eufemismo para erótica). De las 3 actrices es la única que enseña los pechos y es la que va más erótica (eufemismo para más desnuda; el rollo de las lentejuelas y la desnudez de Salomé es invento del Simbolismo). Entre eso y que Deckard la mata de varios disparos por la espalda mientras huye, la peli queda mal porque parece que se ensaña con la única mujer moderna que sale en ella. Por otra parte los personajes femeninos sometidos al hombre tienen sus rebeldía. La esclava se rebela contra su condición de descanso del guerrero volviéndose activa y letal y, sobre todo, libre. La damisela se rebela, pero menos pues sigue siendo el objeto a rescatar, liberándose de todo artificio. Comienza la peli con vestidos caros y peinados de peluquería que delatan su condición artificial, no es un individuo, es una muñeca (cosa que recuerda a la nexus esclava pues su aspecto, aunque moderno, tiene algo de juguete), pero cuando Deckard la libera (follándosela; tradicional forma patriarcal de tomar posesión de una mujer liberándola así de su padre; la esposa-siervo es para quien la desvirgue) su look se torna natural: se libera de la moda patriarcal por lo que va con el pelo suelto y largo (un gran desafío al patriarcalismo como se puede ver hoy en día en el tema del hiyab, el velo, el burka y variantes) y deja de lado la moda que deforma su figura para que sea más deseable para el varón (unas grandes hombreras que acentúan la estrechez de la cintura) para exhibir su cuerpo tal y como es. 

Bonnard, pintor francés modernista, Salomé 1900.
Finalmente me di cuenta de que el malo de Blade runner deja de lado su odio. El nexus 6 al ver que su muerte no tiene remedio siente empatía por su rival, que es su opresor pero también mortal, y le salva. La película le retrata como alguien cruel pero en ese momento crucial en que acepta su mortalidad pierde su crueldad. El rencor y el miedo se van y queda la compasión por la humanidad, por sí mismo porque va a morir y por el otro que lo acabará haciendo y por ello le salva, para que no sea hoy. En ese momento transciende, la materia se convierte en espíritu, y por eso vemos a la paloma, símbolo tradicional del alma, ascender. El androide, tiene alma, es humano. Así, esta escena, uno de los momentos más sublimes del Cine, convierte esta peli en tragedia, si entendemos por tal una obra en que mueren casi todos sus personajes pues han muerto todos los nexus 6 rebeldes contra un sistema injusto y opresor, con lo que la hace perdurable pues todas las obras que han resistido al Tiempo lo son. Sin la gravedad y la solemnidad de la muerte no se puede transcender, eso es en lo que coinciden todas las religiones. Pero aún teniendo esto para ser una obra maestra no lo es por Harrison Ford. La escena de la muerte del líder de los rebeldes es una de las más intensas y conmovedoras que existen, pero el actor sólo fue capaz de poner cara de bruto. Mientras los espectadores oyen como se les rompe el corazón, el carpintero metido a actor se pone romo. Esto sería la prueba definitiva de que Deckard es un nexus pues demuestra una total falta de empatía y simpatía, pero hoy, corregido el fallo (debido al caos del rodaje la peli salió incongruente: se hablaba de 6 nexus cuando sólo salían 5 de tal modo que los conspiparanoicos incapaces de aceptar que puede haber fallos del sistema pretendieron demostrar que el 6º era el susodicho), queda Harrison Ford desnudo. No es que el nexus 6 con su acto salvífico despierte su humanidad, es que al dar al blade runner una 2ª oportunidad hace que se disipen sus últimas dudas sobre la humanidad de un replicante.
En fin, Blade runner dista bastante de ser redonda pero es un espectáculo hermosísimo (por ello sólo se puede ver en pantalla grande), por el diseño de producción de Scott, así como por su manejo pictórico de la luz, la música, que es algo más que BS porque eso es otro nombre para hilo musical, de Vangelis es conmovedora, la interpretación de Rutger Hauer es sublime y los temas del relato son transcendentes. 

Y ahora viene lo de Mad Max. Se proyectó el trailer de la nueva versión así que pudimos comparar lo actual con lo pretérito y ver que de ello lo 2º sale ganando por goleada. Casi todo lo que sale en la peli de Scott es real, el decorado es real, los objetos son reales, las condiciones atmosféricas son "reales", y único, mientras que todo lo que sale en la actual es lo contrario, todo es artificioso, la luz, la arena, las escenas de acción, los vehículos..., y copiado, muchos planos calcan planos de otras pelis, así Blade runner tiene una verosimilitud y un peso que hacen palidecer a la nueva versión. Así que no entiendo como la gente aún va al cine para ver el producto prefabricado de turno porque canta a la lengua que es puro artificio. En fin, vayan a ver Blade runner mientras es única, rápido que la oportunidad se acaba, y si saben inglés no se abandonen a los subtítulos que la cagan en algunos momentos, algunos importantes.

20.3.15

Blade runner final cut


El pasado miércoles se reestrenó mundialmente Blade runner final cut que, aunque parece que nadie lo recuerda, en 2007 se estrenó. Se ha reestrenado porque se están preparando su secuela y una nueva adaptación de la novela que la inspiró. La 1ª tiene pinta de ser una mierda pues quiere al vejestorio y mediocre Harrison Ford en ella, mientras que la 2ª pinta potencialmente interesante pues su director es el de la audaz Enemy. En fin, como ahora nuestras vidas están inmersas en una constante campaña publicitaria, con el fin de empezar a publicitar esas pelis, que aún son proyecto, entre los nacidos después de 1990, el grueso de los espectadores de las salas de cine, se ha reestrenado con cierta ambición, no como en el 2007, el final cut de Blade runner. Claramente porque no pueden vender Blade runner 2 a quienes no conoces Blade runner 1, parece que así acabará llamándose este film con lo que perderá su singularidad para convertirse en un producto industrial más. A veces el éxito resulta contraproducente. Así pues, aunque las noticias son confusas, pues algunas hacen pensar que estamos ante el enésimo remontaje de esta peli, se ha reestrenado el montaje del 2007 que Scott realizó aprovechando la remasterización del film para que no desluciese en las nuevas formas domésticas de ver Cine porque en los tiempos sin imaginación no se puede estar sin sacar el dinero al personal con una nueva vuelta de tuerca a algo que se ha convertido en un objeto de culto para el grupo de desdichados de turno. Lo que se ha remontado es el trailer. Todo esto se lo puedo aseverar porque, a diferencia de muchos blogueros y periodistas, a mi el Sistema no me ha borrado la memoria así que puedo recordar perfectamente el haber ido al estreno de 2007 y por ello doy fe de que lo que se puede ver ahora en los cines (fui al estreno el pasado miércoles) es lo que ya vimos algunos hace casi 8 años. En fin aprovechando su reestrenó reciclo: les invito a leer la critiquita que hice de Blade runner en el lejano ya 2007.

18.3.15

Aaron y Varoufakis, Thor y el Minotauro, Grecia y Marvel


Varoufakis, el actual ministro de Economía de Grecia, que se parece a nuestro político típico en que es licenciado, hombre y cincuentón, pero no en que es doctor, bilingüe, ha hecho su carrera fuera de su país y en distintos sitios y sus bienes no proceden de pertenecer a un partido político, y es blanco de las iras de los biempensantes, conformistas y sumisos por ser un tipo extravagante ya que estos no soportan que uno de los suyos "no se comporte como es debido", publicó en el 2011 un libro que tituló El Minotauro global (controversias económicas). Esta obra debe tener cierto empaque pues, cuando nadie salvo los expertos en Economía sabían de este tipo, se tradujo en menos de un año al alemán y poco más de un año después al castellano y en el 2013 se sacó una segunda edición corregida en inglés, que quizás sea la traducida en español pues aunque es anterior usa el mismo subtítulo que distingue, en el original, la 2ª edición de la 1ª, que no está en la alemana (curiosamente el subtítulo de la edición germana no incluye la palabra Europa y, mientras que en España se ha reeditado la obra este año, en Alemania eso no se ha hecho; no hay edición en griego a pesar de que esa lengua no usa el alfabeto latino). Pues bien, esta obra, que por supuesto no he leído, usa al Minotauro, por lo que dice en la contraportada, para simbolizar la política neoliberal de EE.UU. forjada en los 70 del siglo pasado que llevó al mundo a una crisis al final de la 1ª década del presente siglo. Personalmente no me gusta el símil porque utiliza el símbolo del extranjero (el Minotauro era de Creta, que hoy es parte de Grecia pero en su "época" era un estado diferente e independiente) de modo que la cosa queda como la típica cantinela autoindulgente de siempre que no lleva a nada bueno: la culpa fue de otro, pero eso no es la razón de este post sino que la editorial española que posee los dchos. de la obra de Varoufakis ha inventado esta chula portada:


Lo cual me lleva a Dario Agger, el actual CEO de Roxxon, la petrolera malvada del Universo Marvel creada en los 70 por Englehart inspirándose en Exxon que por aquel entonces, por lo menos, sacrificaba la Naturaleza para obtener más beneficios, un personaje inventado a principios del 2014 por J. Aaron, el actual guionista del Thor marvelita. Este tipo, que sale por 1ª vez en el nº 19 vol. IV EE.UU./37 vol. V español, es una especie de american psycho, un yuppie psicópata que, además, es tremendamente ambicioso por lo que parece inspirado por el cyberpunk ya que aspira a ser el rey del mundo. No le importa la Vida pero aún así es consentido y obedecido porque da beneficios, o sea, contribuye a que la tortilla no sea volteada. Pues bien, en el siguiente nº, 20/38, Aaron nos revela que puede convertirse en un Minotauro. En realidad un androtauro (taurocéfalo sería, si como el mítico, tuviese sólo cola y cabeza de toro) pues Minotauro significa toro de Minos, por eso se escribe con mayúscula. 

Estas 2 cosas permanecieron en mi mente desunidas hasta que en el último nº de Thor publicado aquí, 3 vol. V/47, leo: No eres el Minotauro. No eres el de los tiempos antiguos. Pero hay algo de su poder fluyendo por tus venas. Esto fue lo que hizo que en mi mente ambas ideas conectasen. Me hizo pensar que es posible que haya una conexión entre el personaje y el libro pues eso hace pensar que Dario (un nombre persa por cierto) Agger no es un androtauro por razones genéricas, tenía que ser un monstruo y se eligió uno cualquiera. Aunque es una elección insólita porque la cultura estadounidense, al no ser culta, cita poco a la cultura griega antigua, recurre mucho más al Antiguo Testamento por ejemplo, necesitaba algo más para sospechar una conexión entre elección de ese monstruo por parte de Aaron para caracterizar a un CEO y el libro de Varoufakis: la portada del libro reproducida arriba.


Desgraciadamente para mi la chula portada española es única. La 1º portada del libro de Varoufakis es un laberinto hecho con la bandera estadounidense y las posteriores, como la alemana, integra la silueta de la cabeza de un toro de una raza actual en un fondo inspirado en la bandera estadounidense. Esto indica el poco arraigo que tiene la simbología clásica en el mundo nórdico o germánico, pues el español ha recurrido a la célebre cabeza de toro de origen minoico (palabra que también viene de Minos), con lo que demuestra una mayor cultura e independencia pues la bandera estadounidense no sale por ningún sitio. En fin, que si la imagen de la portada española hubiera sido la original o la inglesa la cosa para mi estaría clara. De todos modos no estoy sugiriendo que Aaron se haya leído el libro, basta con que haya oído el título para que le haya inspirado. Es cierto que lo que le interesa al guionista estadounidense es el tema de la Ecología, es decir, lo que ataca con su historia es a las prácticas contaminantes de las empresas no al neoliberalismo, y que él ha dicho que no es un escritor simbólico, no esconde nada o hay subtexto en sus relatos, pero lo raro que es la condición de androtauro de Dario Agger y la publicidad que ha tenido Varoufakis en los últimos tiempos, si bien seguro que no tanta en EE.UU., pueden indicar que el parecido entre el libro y el personaje no sea casual. Sea como sea, en el nº 6/51 Aaron da detalles sobre el origen de Agger, que resulta parecido al de la Elektra marvelita, poniendo como lugar donde acontece el origen la cueva de una islita griega relacionada con el Minotauro, personaje mítico que existe en el Universo Marvel pues apareció en el nº 17 EE.UU. del vol. I de Los Vengadores

13.3.15

XII Muestra Syfy de Cine Fantástico


Llevaba ya varias ediciones quejándome de que esta muestra se había especializado en el Cine de Terror industrial estadounidense. Pelis de muertes macabras en serie más o menos gore que siguen fielmente una fórmula narrativa elaborada en los 70 de modo que son un poco como las porno, todas iguales excepto por los actores y el decorado por lo que vista una, vistas todas ya que no ofrecen nada nuevo, así que son para "esos" momentos o para los fanáticos. Esta edición parece que me ha hecho caso, es decir, ha vuelto a sus orígenes. No sé el porqué. No sé si la especialización en un cine adolescente, vulgar e industrial ha acabado resintiendo económicamente a la Muestra o es que ha habido un cambio en la alineación de los que seleccionan las pelis. Sea como sea, esta edición ha vuelto a traer animación, cine no estadounidense y cine alternativo. Lo malo es que aunque se ha acercado a mi gusto, en las últimas ediciones iba a 2 o 3 pelis y en esta he ido a 5 (pero una ha sido una concesión a quien me ha acompañado sin rechistar a las que yo había elegido), no me ha dejado más satisfecho que otras ediciones donde el cine que me interesa brillaba por su ausencia. Dicho de otro modo, ninguna de las pelis que he visto en esta XII edición ha sido mejor que Coherence, la mejor peli de la edición anterior, a la que sólo fui a 2, y el mejor film de las últimas 4 ediciones incluida esta. No obstante, sus carteles son muy chulos.

Song of the sea: peli de animación para la familia con críos pequeños que se inspira en leyendas celtas irlandesas para elaborar una ñoña historia sobre la pérdida. Un grafismo mono que evoca al estilo de los 70 (la serie de animación Vickie el vikingo) no puede con la blandenguería del cine infantil actual. Como ya no puede haber violencia ni malos malísimos la cosa queda sin sustancia, o sea, totalmente emasculada de modo que para los que tenemos la testosterona por encima de la media Song of the sea nos aburre mazo. 

Goodnigth mommy: peli austriaca de la que no puedo decir mucho porque todo lo fía a un giro final que es sorprendente porque se basar en despistar y ocultar información al espectador. La idea no está mal y no está mal realizada pero tiene ese ritmo leeeeento típico de las producciones orientales (no importa lo que digan, Oriente empieza al otro lado del Rin y de los Alpes) y esa frialdad típica germánica que hace que el nudo de Goodnight mommy sea lo suficientemente aburrido como para que un buen final no la redima.


LFO: peli sueca desatinada pero que no obstante tiene bastantes cosas interesantes. Su autor es incapaz de desarrollar un largo a partir de su idea por lo que el film se va deteriorando a medida que avanza hasta llegar a desbarrar. Lo salva una muy interesante dirección, sus encuadres insólitos consiguen hacer atractiva una casa sueca vulgar, y un gran sentido del humor que va en aumento a medida que el relato se va descomponiendo. LFO comienza bien pero se atasca cuando su autor no sabe a dónde ir por lo que cuando este opta por desbarrar se convierte en algo divertido que deja buen sabor de boca al ocurrir esto en el cuarto final. No entiendo como un guión tan poco sólido y coherente ha encontrado financiación.


A girl walks home alone at night: opera prima de una joven iraní que ha emigrado a EE.UU. Así, el idioma de la peli es persa y los actores son emigrantes iraníes pero el lugar es aquel estado. Es una versión de la célebre Déjame entrar (vean la original y no la copia estadounidense) que, al igual que su B&N, tiene sus luces y sombras. La dirección es buena y estética, la cosa es multicultural y original, tanto como que una vampira vaya desastrada y con chador y sea skater, y el amor juvenil está magníficamente retratado, pero su orientalismo y feminidad le pasan factura por lo que A girl walks home alone at night acaba aburriendo un poco ya que es lenta e intimista. Es fresca, rebelde y tiene momentos brillantes pero en conjunto, aunque sólida, es pesada.

Under the skin: peli sobre el vacío y por ello vacía. Se nota que sus artífices no tienen nada que demostrar ni dependen de ella para vivir. El director es un reputado director de publicidad y la Johanson vive de los blockbuster por lo que no han dudado en hacer un tombstón. Así se comprende que la Johanson no le haya importado salir totalmente desnuda. Under the skin no es erótica, no hay planos cercanos de su cuerpo y, sobre todo, el espectador típico no va a pasar de los 1º 20 minutos, evidentemente el grueso de los desnudos están al final, como premio para los campeones. Olviden eso de que va de extraterrestres y demás zarandajas porque la peli es prácticamente muda por lo que no da explicaciones. Supongo que eso sale de la novela en que se basa pues el film no dice nada por lo que la Johanson podía ser, perfectamente, un ser fantástico de otro tipo. La peli trata de ser poética, intelectual e intimista, pero obviamente hacer publicidad no faculta a nadie para ponerse filosófico por lo que el film es bello pero plúmbeo y chorra y Johanson, aunque demuestra ser una buena actriz que se siente desaprovechada en Hollywood (reparen en que en Her no sale delante de la cámara, lo que es la antítesis de ser famoso, en esta peli está teñida de negro, lo que es negarse doblemente pues se llama Scarlet y su imagen pública es pelirroja, y además se desnuda, lo que es un acto de naturalidad que al ser imposible en una peli mainstream indica donde se siente cómoda y donde pone de sí misma; está claro que la Johanson quiere huir del cine comercial estadounidense), no puede redimir al guión y a la dirección. La cosa se puede ver pero no tiene nada y es machista por lo que no tiene sentido perder el tiempo con ella.

Así pues esta XII muestra no ha resultado ser tan buena como lo parecía sobre el papel :( No obstante espero que siga apostando por el cine alternativo como en esta edición y en las primigenias. Ser diferente siempre es un riesgo por lo que unas veces se fracasa y en otras se triunfa.

5.3.15

Critiquita 434: Relatos Marvel de Alan Davis, A. Davis, Marvel-Panini 2014


Este cómic se me pasó en su momento porque no sabía que tenía que ver con Clandestine, la creación de A. Davis. Ese título es absolutamente despistante. El tomo en cuestión incluye 3 anuales del 2012, un especial de 1990 y una historia corta de 1989. Los 3 1º están interrelacionados pues forman un relato que continúa las peripecias de los Destine y permanecían inéditos, mientras que el especial, protagonizado por Lobezno, y la historia corta, protagonizada por Hulka y guionizada por Claremont, ya fueron publicados en su momento (de la última estoy absolutamente seguro porque la tengo en una grapa de la cole de la prima de Hulk) y no tienen nada que ver con Clandestine. Por qué la mezcla? Había que engordar el tomo porque por COJONES tenía que editarse en 100% Marvel? La verdad es que es una decisión editorial incomprensible por sí misma. A santo de qué engordar un tomo con material añejo que no tiene nada que ver con la parte del león? En fin.


Leyendo Clandestine es inevitable preguntarse cómo es que Davis no se ha ido con sus juguetes a otra parte ya que en Marvel no cuajan. Quizás sea tema de contratos, aunque a mi me parece que se debe más bien a que el inglés quiere que sus criaturicas formen parte del "inmortal" cosmos de Marvel. Sea como sea, es una pena que Davis no tenga el complejo autoral de Moore o Miller o la ambición y la cara dura de Morrison que le permite ser a la vez hombre de empresa y autor independiente. Está claro que cualquier editorial hubiera recibido los juguetes de Davis encantado, tanto DC como las pálidas imitadoras de las editoriales mainstream. La creación del inglés es interesante y carismática y él es uno de los mejores dibujantes del medio desde hace casi 30 años, pocos se han mantenido en la cumbre durante tiempo y han sabido administrarse tan bien, por lo que ambos son un activo muy goloso en un negocio que tiene muy pocos. Así que es una pena que Davis no tenga ínfulas de autor porque su creación, a pesar de ser interesante y tener mucho potencial, no triunfa en Marvel y por ello la hemos leído a trancas y barrancas, una serie regular truncada en 1994, una miniserie con la Patru en 1998 y otra miniserie en el 2008.

Creo que los Destine no han triunfado en Marvel a pesar de Davis porque lo que tienen de personal no encaja con los gustos de la mayoría de los seguidores de esa editorial. Son ingleses y no son superhéroes, tanto porque se ocultan y no usan sus poderes altruísticamente como porque son seres de Fantasía, el género favorito del inglés, y no de Ciencia Ficción, así que salen un poco de lo que triunfa de Marvel, que son cosas de superhéroes. Que aproximaciones parecidas a ClanDestine como los inhumanos o los eternos, todos alienígenas y no canónicamente superheroicos, tampoco hayan triunfado sugiere que los tiros van por ahí.

Quizás también ha jugado su papel el que Davis sea tan buen autor como convencional y superficial es. Lo que él ofrece siempre es entretenimiento puro y duro. Juega con los argumentos y estereotipos del pop moderno pero sin ofrecer nada nuevo o profundizar. Por tanto, aunque es un gran narrador y tiene algo de humor, sus relatos siempre quedan algo sosos al ser demasiado correctos y convencionales. Así, pudiera ser que los Destine no cuajan en Marvel porque Davis no quiere ir más allá de entretener un rato como los cómics de cuando era niño, cuando la situación no es la de su infancia. Hoy hay demasiada competencia, mucha experiencia y los lectores no son niños, ni siquiera adolescentes. Así, aunque Davis se monta aquí, como siempre, una buena historia que se adapta bien a sus invitados, el rollo temporal para los 4F, la acción para DD y la lucha final para Lobezno, de modo que tiene diferente tonos, por ejemplo el anual de DD tiene menos diálogos que las otros, que juega muy bien con los clichés poperos y que mantiene el misterio recurriendo a los siempre confusos viajes temporales y a una ambigüedad tan calculada que ni los lectores ni los personajes saben a ciencia cierta qué ha ocurrido, la cosa no termina de cuajar por excesivamente correcta. Poca emoción y poca singularidad. No importa saber contar a la perfección si uno cuenta cuentos trillados. No obstante la peor pega de los anuales es que prostituye un poco a los personajes Marvel. El clan Destine es el invitado pero sus anfitriones, La Cosa y la Antorcha Humana, DD y, menos pero sigue contando, Lobezno, son sus comparsas. Incluso Extraño, que ejerce aquí de Virgilio para los lectores y por ello sale en los 3 anuales, es un mero secundario. Un testigo casual de una movida familiar.

Para mi lo importante de esta historia es que parece ser un renovación de Clandestine. La historia cierra un tema que flotaba desde el principio, Vincent, y abre otro tema. Dije arriba que los Destine no son superhéroes y ese es el tema de este relato en 3 partes. Davis enfrenta a seres con poderes que pasan de todo con seres con poderes con complejo de héroes y termina  con que Clandestine acaba cambiándose de acera. Aparentemente ya que el final es bastante sutil: no queda claro pero parece que todo es una movida planeada por Vincent para empujar a sus hermanos al superheroísmo para que contribuyan a arreglar el mundo. Algo sorprendente para quien no concibe el Tiempo, por qué mejorar el presente de sus hermanos y no el pasado cuando la esclavitud, la tiranía del cristianismo y la parca tecnología hacían la vida más dura, violenta e injusta de lo que es ahora? Es el problema de combinar clichés sin pensar demasiado. Así pues aquí Davis aclara el tema de Vincent y para compensarlo crea uno nuevo, que en cierta forma es una evolución, que probablemente significa que los Destine perderán una de sus singularidades, al menos el pasar del mundo pues seguramente sigan queriendo permanecer ocultos. Esto sugiere que Davis tiene más planes para su poco afortunada creación, pero estamos en el 2015 y no se sabe nada. Las aguas están muy revueltas ahora, pero también el inglés no tiene todo el tiempo del mundo y la cosa no parece que se vaya a estabilizar a corto plazo.  

Con estos anuales me hubiera bastado y sobrado pero el tomo incluye, como saben, un especial de Lobezno y una historia-chiste de Claremont y Davis. La gracia de la última surge de enfrentar al superhéroe con el civil y lo superheroico con lo real. Hoy no es gran cosa a pesar de que Davis se luce, pero en su momento era original y es testimonio de una frustrada evolución del género hacia la comedia ligera pues después de Watchmen nadie era capaz de tomarse en serio a los superhéroes. Moore había revelado que ya no había niños leyéndolos y que el orden tradicional había desaparecido. Respecto a la historia de Lobezno decir que se parece a su anual. En ambas Lobezno se enfrenta a una criatura mística de inmenso poder que quiere poseerlo. Parece que Davis ve en Lobezno al hombre olímpico al combinar, no sin tensión, al buen salvaje con el héroe y el mutante, esto último a la postre lo importante: debido a que su capacidad de autocuración lo hace virtualmente inmortal, es el contenedor perfecto para una criatura inmaterial para quien la vejez y la muerte son conceptos incomprensibles y por ello intolerables. 20 años y algo después y Davis sigue siendo el mismo tal y como delata su inalterable maestría narradora y su estilo. Ni un ápice ha cambiado la forma de dibujar del inglés, sólo se ha refinado y aprendido a administrarse. Esta historia especial de Lobezno inspirada en los wendigos y en el Yeti (la raza mística resultante creo que Davis la usó luego en Excalibur) tiene ligeros ecos de Akira y es entretenida y convencional, por ello llena de clichés (lo natural-carne es siempre guay, la comunidad es mejor que el individuo, el canibalismo es malo y al final todo es violencia y asesinato, no importa lo "evolucionado" que se esté), donde como siempre el hábil autor inglés no saca todo el partido posible a la historia por quedarse en lo correcto. Tampoco el rollo místico encaja con Lobezno.

Naturalmente todo el tomo está magníficamente dibujado por Davis con el plus añadido por Panini de poder contrastar el antes con el después. De joven Davis era más realista, se atrevía con todo y su narración era muy clásica, siempre viñetas con forma de polígono regular de 4 lados, y de mayor es apolíneo a pesar de que es uno de los pocos dibujantes del mainstream capaces de dibujar la gordura, la vejez y la mediocridad física, ha reducido su repertorio de poses y gestos a los imprescindibles, que dibuja perfectamente y de memoria, con lo que se pierde espontaneidad y audacia, y su narración se ha enriquecido, sigue siendo clásica pero ahora también usa polígonos irregulares de 4 lados y triángulos además de que recurre mucho más a la diagonal. Así pues tenemos que en lo fundamental Davis se ha mantenido congelado. Siempre la misma excelente calidad, cosa que tiene su reverso tenebroso en que siempre dibuja los mismos rostros y las mismas poses.

Pues eso. Un tomo entretenido, cuyo traductor y rotulista insisten en escribir armonía con h, y muy bien dibujado que por desgracia no explota. Un autor sobresaliente y un concepto original y con potencial se apoltronan ofreciendo lo mismo de siempre. Ojalá a Davis le diese por salir de su zona de confort. Qué pena que teniendo suficiente talento para superar lo burgués no haya querido hacerlo. 
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