27.3.14

Critiquita 409: Nemo: Corazón de hielo, A. Moore y K. O´Neill, Planeta DeAgostini 2014


Ahora está de moda despreciar a Moore y, por ende, su actual producción comiquera: La Liga de los Hombres Extraordinarios. No voy a entrar sobre tan injusta, irracional e indocumentada actitud (vaya, ya lo he hecho) porque yo me encuentro en el polo opuesto. Es cierto que Moore se ha vuelto un cascarrabias y que su edad empieza a ser un abismo de incomprensión insuperable para nosotros, 20 o más años más jóvenes, pero sigue siendo un genio que narra con una calidad inalcanzable para la inmensa mayoría de los autores adorados por sus detractores de última hora. Johns? Hickman? Bendis? ... A mi la LHE me gusta bastante y creo que merece mucha atención porque se está convirtiendo en el cómic más importante que ha hecho Moore. Es una obra incompleta, por lo que aún no podemos compararla con sus otras obras geniales, pero en términos de esfuerzo y dedicación dentro de su comicografía la LHE no tiene parangón. Lleva con ella desde 1998 y los planes anunciados por él y O´Neill por lo menos nos llevan hasta el 2018. La obra que más se le acerca es From Hell, pues trabajó en ella desde 1988 hasta 1996. Si bien se puede considerar a la LHE una continuación de esta.



Nemo: Corazón de hielo es un spin off de la LHE en donde Moore y O´Neill tratan ideas que por su marginalidad no tuvieron cabida en la historia principal de la serie que se ha contado en 4 volúmenes, aunque en España por problemas de derechos sólo hemos visto 3. Todos ellos, como este cómic, editados por Planeta DeAgostini. Mientras esperamos que esa historia continúe, Moore y O´Neill nos calman el hambre contando la historia de la hija de Nemo, personaje presentado por ellos en la primera parte de Century, "1910".
El comienzo, más bien continuación, de esta, lo relatado en este cómic, es el Viaje del Héroe de la hija de Nemo. Insatisfecha por continuar el legado de su padre, tanto porque no le permite ser ella misma como porque los tiempos que vivió su padre ya no existen, decide buscarse a sí misma yendo a la Antártida para superar una prueba en la que su progenitor fracasó. Esto es la excusa de Moore y O´Neill para introducir en su universo de ficción todas las fantasías con las que la Ciencia Ficción antigua pobló el continente desolado. De todas ellas, lógicamente porque es la mejor, la que tiene más peso en el este cómic es la de Lovecraft. La parte fundamental de la obra es el viaje de la hija de Nemo a las Montañas de la Locura, quizás el relato más célebre de este autor. Historia a la que, como siempre hace Moore, enriquece reinterpretándola pues el inglés aporta a los mitos de Cthulhu el conocimiento de los últimos 80 años, su ideología contracultural y un mayor conocimiento de la magia que el que tenía el escritor loco de Providence.
Valorado como una historia a secas Nemo: Corazón de hielo es un relato sencillote y convencional que no está a la altura de todo lo anterior. Por ello no extraña que la editorial haya decidido ponerle una tapa dura. Moore aquí se limita a lo mínimo de modo que, salvo el episodio donde trata la relatividad del Tiempo, uno de sus temas recurrentes más caros, en donde vuelve a demostrar lo gran narrador que es, el resto del cómic es una historia lineal carente de todo lo que hace a una lectura algo entretenido, emocionante e interesante. Así pues, decepcionante, aunque admito que tras "2009" tenía las expectativas altas. Menos mal, para nosotros y para Moore, que está O´Neill pues, como siempre, hace un gran trabajo. Su dibujo personal, expresionista y agresivo anima, como siempre, los guiones. Un lector con prejuicios estéticos no lo ve, pero el dibujo de O´Neill es tremendamente expresivo y competente en lo narrativo. Gracias a esto y a que es, lo demuestra aquí, el mejor dibujante que puede tener Lovecraft pues es el único que puede representar con verosimilitud la horribilidad de los monstruosos seres imaginados por este así como de plasmar esa arquitectura psicodélica, extraterrestre y antieuclidiana  inconcebible para la mente humana construida por estos. Así pues, gracias a O´Neill, el cómic tiene la suficiente potencia, o como diría el Moreno, garra, para ser una lectura decente. De todos modos no olvidemos que estamos en una 1º parte de 3. La obra no está completa. Esto es solo el principio.
Por tanto, Nemo: Corazón de hielo es la entrega más floja de la obra con la que Moore, ayudado magníficamente por O´Neill, nos hace partícipes de sus hallazgos obtenidos en su disección de la interacción entre ficción y realidad en la modernidad. Hacer un relato de aventuras clásico no le ha salido bien a Moore. Sin embargo, este cómic hay que leerlo contextualizado. Cuando se hace así vemos que estamos en el principio de un relato. Lo que han hecho aquí sus autores es sólo presentar a los personajes y desplegar el tablero, no una historia autoconclusiva como las anteriores. Si vemos a este cómic así, lo que resulta, si no nos ciegan el desprecio y la incomprensión, es un comienzo prometedor. Así pues, no estamos ante un Moore decadente, sino ante un autor que se toma las cosas con calma. Desde luego, si alguno puede hacerlo en una época que atenta contra la autoría y lo original, es él.

24.3.14

Critiquita 408: El Eternauta, H. G. Oesterheld y F. Solano López, Norma 2010


Cuando uno lee la introducción de C. Trillo a El Eternauta es inevitable sospechar que las cacareadas bondades de ese clásico argentino del Cómic se deben al contexto en el que se ha publicado (1º el hecho de contar una historia habitual de Londres o NY en Buenos Aires, 2º la dictadura argentina y 3º el poder invisible y lejano pero poderoso del imperialismo capitalista poscorralito) y no a la calidad del relato dibujado en sí. La lectura lo confirma. La cosa no es para tanto. Es tan entretenido como rancio.


El Eternauta es una apuesta de Oesterheld, el más prestigioso de los guionistas de cómics argentinos, ya que a finales de los 50 decidió contar una historia durante muchos meses sin tener una idea muy clara sobre ella. No vamos a decir que fue improvisando sobre la marcha, pero sí que empezó sin saber a dónde iba y que planeaba de 50 en 50 páginas. El resultado es una historia entretenida pero, lógicamente, irregular que da 2 bandazos fuertes, el 1º al principio y el 2º al final, de suerte que se puede dividir en 3 partes. La 1º, el inicio, responde claramente a las intenciones iniciales del guionista, contar la historia de una familia de robinsones en el presente. Una historia postapocalíptica en un momento en que eso era algo raro. Pronto desechó esa idea porque vio que tal como la había planteado no había nada que rascar de modo que giró la historia para convertirla en un relato de género bélico, algo muy de moda en todo Occidente en aquella época (la otra parte de la Tierra tenía la guerra en la calle así que no necesitaba ficción sobre el tema). Así, si en la primera parte Oesterheld tenía en mente a Robinson Crusoe de Defoe, en la segunda parte, el nudo y casi 2/3 de la obra, es La guerra de los mundos de H. G. Wells. De este modo casi todo el cómic nos cuenta la lucha de lo que queda del ejército argentino de la época (con unos cascos "robados" al ejército alemán de Hitler) y unos voluntarios civiles contra un despiadado invasor extraterrestre. Esta parte está bien pero sin exagerar. Son destacables las ideas de poner la cabeza de puente de la invasión en un país subdesarrollado ya que son lugares débiles y alejados de las potencias de modo que es más fácil afianzarse en terreno enemigo, de que los invasores empleen la guerra química para acabar con los humanos, cosa inédita en gran parte de la ficción sobre invasiones conquistadoras alienígenas, sobre todo de esa época, de que no aparezcan estadounidenses sino franceses y, por último, de no presentar a los invasores, sólo a sus subordinados. De otra forma jamás habrían parecido tan terribles. Esto quizás esté inspirado en El fin de la infancia de Clarke. La novela se publicó por 1ª vez en castellano precisamente en Argentina en 1956, no sé el mes, pero El Eternauta comenzó en septiembre de 1957 por lo que hubo tiempo suficiente, el libro es breve y de fácil lectura, para que Oesterheld lo leyese. A la novela pudo llegar sin problemas porque era famosa. El relato literario y el comiquero no se parecen salvo si vemos al 2º como la versión negativa del 1º. En todo caso a lo que yo me refiero es a que en el libro de Clarke los superpoderosos extaterrestres que conquistan la Tierra en realidad son subordinados de otros que nunca aparecen. A pesar de esas buenas ideas Oesterheld cometió errores típicos, disculpables por la época pero que no obstante deslucen el relato, la base alienígena es terrestre en vez de espacial (si cruzan la galaxia por qué no tener la base en órbita?) y su tecnología es demasiado parecida a la humana, la brecha tecnológica debería ser tan abismal como la que hay entre nosotros y nuestros antepasados prehistóricos como mínimo. La pelea casi de igual a igual y la necesidad absurda de los mandos extraterrestres de estar en 1º línea son indigeribles por mucho que la cosa esté bien contada, si bien de forma demasiado literaria. La última parte es una huida hacia adelante de un Oesterheld que sabe que tiene que terminar El Eternatuta pero no sabe como. Intentó dar la victoria a la humanidad, pero al final no se atrevió porque no lo vio verosímil. Luego intentó dar un destino trágico a sus protagonistas, pero tampoco se atrevió, se nota que se encariñó con ellos, después de todo representan al argentino burgués de la época. Así que finalmente optó por una pirueta temporal, que huele a truco desesperado aunque sea un final aceptable, además de dejar la sensación de que se nos ha contado la parte menos interesante del relato. El cómic se titula El Eternauta a pesar de contar la lucha entre unos supervivientes bonaerenses militarizados contra una fuerza invasora extraterrestre porque al final el protagonista, en una pirueta que desafía mucho la credibilidad, escapa por el Tiempo. Oesterheld nos dice que eso le llevó a errar por aquel: no tiene usted idea [...] a qué seres de pesadilla les he preguntado si sabían algo de ellas. Mucho, mucho tiempo me llevó la búsqueda hecha con medios que me llevaría semanas tratar de explicarle. Conocí seres innombrables. Asistí a acontecimientos fabulosos hasta que el azar de los continuum me trajo aquí. Esto es más interesante y diferente que el relato bélico bastante convencional y vulgar que es el cómic por mucho que lo trate de forma más humana de lo habitual, sobre todo para esa época. Así que, tras cerrar el cómic, es inevitable pensar: jo, el tío tenía que haber concentrado las 350 páginas de la obra en unas 100 y haberse puesto a contar la fuga temporal. Cosa que hizo en su, celebrado si bien no es para tanto, Mort Cinder

Acompañó en la aventura a Oesterheld Solano López, otro clásico argentino. Este en esa época practicaba un estilo realista un tanto torpe en el que prevalece la línea sobre la mancha, cosa que hoy resulta rancia pero que no está mal pues la historia lo es, ya que al ser realista está muy ligada a su época. La tecnología y la mentalidad (la historia es muy machista), el sentir de una época en definitiva, presiden todo el relato de modo que el estilo de la época no resulta dañino. No obstante, el dibujo de Solano López es convencional y mediocre y su realismo no le permitió diseñar ni unas especies extraterrestres singulares y vistosas ni una tecnología extraña y asombrosa (sus naves son pobrísimos círculos o huevos), si bien es digno de alabanza el curro que le puso. Así pues, el dibujante cuenta bien la historia pero sin originalidad y tiene un estilo soso del que sólo sale cuando usa agresivamente el negro y cuando dibuja ojos porque los hace muy inquietantes.


La edición de Norma, me regalaron estas Navidades la 4º pero ahora está disponible la 5º, no es una buena edición aunque aparentemente lo sea. El objeto en sí es de calidad, pero su tamaño apaisado y grosor hacen imposible leerlo si no se apoya previamente en una superficie. Además este último factor, que viene por la moda editorial actual de editar de forma unitaria obras que se concibieron para ser serializadas para aprovechar el fetichismo o la ignorancia, le quita mucho sabor a la lectura. En el momento en que El Eternauta se publicó semanalmente nadie sabía cuanto iba durar de modo que Oesterheld pudo jugar eficientemente con el suspense, la principal herramienta que usa para narrar esta historia, pero aquí sabemos que todo va a quedar en agua de borrajas al saber exactamente lo que nos queda por delante. De esta forma, como todas las ediciones unitarias, deslucen la historia a los ojos del lector que lo lee por 1º vez como era mi caso.

En fin, El Eternauta (1957, 1959) es una historia añeja bien realizada de modo que sólo gustará a aquellos que le guste la Ciencia Ficción pop de los 50, en la que este cómic destaca porque Oesterheld la trató de una forma más seria, adulta e inteligente de lo habitual. Sea como sea El Eternauta es un clásico de la Ciencia Ficción occidental del calibre de Ultimátum a la Tierra (The day the Earth stood still 1951), La humanidad en peligro (Them 1954) y La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the body snatcher 1956), las 3 mejores pelis de Ciencia Ficción pop de los 50 .  

20.3.14

La madre de todos los crossover: Los Vengadores vs. Los Defensores, S. Englehart, B. Brown y S. Buscema, Marvel-Panini 2012


Para mi los Vengatas comienzan con Englehart. Aunque los guionistas anteriores, Lee y Thomas (parte de su etapa aquí y aquí), sentaron las bases de la cole que se siguen incluso hoy en día, en mi opinión la cosa no empezó a ser entretenida y chisporroteante hasta que aquel escritor llegó a Los Vengadores y se soltó el pelo, cosa que empieza aquí. De ahí mi interés por recuperar esta historia en su tamaño original y a color.


Fonseca dice acertadamente que esta aventura es un multicrossover, lo que quiere decir que la historia no se desarrolla en 2 nº de 2 coles diferentes, crossover, sino en varios episodios de 2 coles. El paso siguiente es el megacrossover. En fin. Leída hoy lo que primero llama la atención de esta historia es que es la madre de los crossover Marvel. No es el 1º de estos pero sí el 1º multicrossover y el descubridor del filón que esta cosa tenía. Esta historia sigue el patrón ya acuñado de que los buenos primero se pegan, luego se alían y finalmente dan pal pelo al supervillano que los ha engañado, pero al elevar las apuestas al máximo, superhéroes populares y potentes e historia de escala cósmica, se convirtió en el modelo de todos los crossover posteriores generados por la ambición editorial. No hay más que pensar en el reciente Los Vengadores vs X Men. Lo curioso del caso es que esta historia tiene un origen personal. Un capricho de Englehart que quería homenajear a las grandes historias Marvel que leyó cuando niño, seguramente los 2 1º anuales de Los Vengadores. No fue una iniciativa editorial. Aquella época era diferente y la cosa se llevaba de forma anárquica. Cada cole era el sayo de su guionista, el cual sólo tenía que rendir cuentas si fallaban las ventas. Así, Englehart no tuvo ningún problema en parir este multicrossover pues era el guionista de las 2 coles implicadas, Los Vengadores y Los Defensores.

La historia, como puede esperarse, es sencilla, lineal, directa y dinámica. Englehart, que firma la introducción más entrañable y positiva que yo he leído, especial para esta recopilación moderna efectuada por Marvel en el 2007, donde explica perfectamente el efecto que tienen los superhéroes en algunos niños, no se come la cabeza muy consciente de que su público es infantil. Apuesta por la acción y por el ritmo, aunque no abandona la literatura. Escribe la historia de forma fluida encadenando perfectamente unos diálogos funcionales y sobrios con unas narraciones literarias que complementan a los dibujos en la creación de atmósfera y emoción. Todo está al servicio de la historia en la que Englehart pasa de conversaciones y monólogos introspectivos a lo Lee para dejar espacio a las peleas, que es lo que a un niño le interesa. De estas destacan los duelos de los superhéroes, no podía ser diferente pues son la razón de ser y el reclamo principal del invento. Cumplen las expectativas incluso más de 40 años después ya que los emparejamientos pensados por Englehart son ideales y las peleas están bien desarrolladas y son originales. Así pues, la historia transcurre entretenida, compensando así su sencillez y convencionalidad, a través de unos cómics modestos y sin pretensiones que aún se conservan frescos y deberían ser ejemplo de como hacer un episodio Marvel mensual. Acción, movimiento, aventura y personajes, no autores. 

El dibujo de esta historia fue hecho por B. Brown y S. Buscema. El 1º en Los Vengadores practica un realismo sencillo de la época sin mucho atractivo a pesar de su competencia, y el 2º en Los Defensores demuestra aquí porque en el futuro será mejor considerado que su hermano. S. Buscema, poco talentoso para el dibujo, tuvo que buscar un estilo sencillo que le permitiese dibujar cualquier cosa. Por ello su esfuerzo como dibujante de cómics lo puso en la narración ya que es el único modo de compensar la sobriedad. Así, su estilo es un dibujo minimalista y serio pero muy expresivo, ideal para la fealdad, y una narración perfecta que, a pesar de su clasicismo, se conserva fresca. Obligado a reducir las cosas al mínimo, o lo que es lo mismo, teniendo que expresar lo máximo posible con pocos y sencillos elementos, S. Buscema acabó llegando a un estilo pop muy puro que resulta atemporal y atractivo y siempre va al grano, no distrae con manierismos ni con vanidades. Encomiable profesionalidad y modestia que se rompe pocas veces, aquí sólo en al 1º página del último nº, el 11 EE.UU. de Los Defensores, pero siempre con justicia pues es un artista. Así, el trabajo de S. Buscema es tan humilde como eficiente y poderoso de tal modo que no extraña que avance soluciones propias de la modernidad. Sus dibujos para esta historia no pertenecen a su mejor época, pero ya tienen todos las características que harán que ya no se le pueda seguir negando que es uno de los pocos artistas que ha trabajado para Marvel.

Por tanto, este Los Vengadores vs. Los Defensores (en el original Choque Vengadores Defensores), aunque producto de su época, sigue teniendo elementos en el guión y en el dibujo que lo mantienen como una lectura entretenida. El tomo Marvel Gold más barato del que se tiene noticia no es gran cosa, pero tiene todos los elementos positivos que hacen que los cómics clásicos que los tienen sean una lectura más agradable que la mayoría de los modernos aunque son menos sofisticados y más ingenuos. El deseo honesto de ofrecer entretenimiento siempre es más poderoso que el de epatar. En este sentido quiero destacar la página 11 del nº 118 EE.UU. de Los Vengadores porque en ella Englehart mete al Sistema Solar marvelita entero. No hace falta los megacrossover para que las consecuencias de una historia cósmica se sientan en todos los lugares donde se debería sentir ya que es algo que necesitan los lectores de la misma, no los que leen Marvel pero no la siguen.

Vengadores 12

17.3.14

Relecturas LXXXIII REDUX: La broma asesina, A. Moore y B. Bolland, Zinco 1989


Ya publiqué un post sobre este cómic. Lo que pasa es que desde entonces ha sufrido una serie de cambios que lo han vuelto no irreconocible pero sí muy diferente. Así que, por eso y por recompensar el esfuerzo de rerredactarlo, he decidido publicarlo en vez de conformarme con la actualización pues ya es una lágrima perdida en la lluvia. Sin embargo, lo conservo, sin estar totalmente actualizado, para que no se pierdan sus comentarios.

Me encanta La broma asesina. Me parece uno de los mejores cómics de superhéroes de la Historia. No entiendo porque es una obra tan denostada e infravalorada incluso por el propio Moore. A mi me encanta porque considero que es un genial análisis del género superheroico en su forma clásica que no renuncia a ser una historia, es decir, es genial porque analiza certeramente y concluye sin ser un estudio o un ensayo. Por ello lo considero como uno de los pocos cómics de superhéroes que pueden usarse para introducir al género a alguien neófito. En La broma asesina están casi todas las claves del género superheroico contadas con una calidad tan suprema que no se puede superar. Moore es un gran literato, tanto su prosa como su habilidad narrativa son brillantes, y el talento y el realismo de Bolland es agradable a cualquier ojo. Así, el que uno no esté acostumbrado a leer cómics o tenga un gusto estético muy cerrado no son ningún impedimento para leer este cómic. Moore guía fácilmente y Bolland satisface incluso al que tiene el gusto más estrecho.


La broma asesina es uno de los cómics que más me ha impactado porque me hizo ver los dos mitemas principales de los superhéroes clásicos, los que se enfrentan a supervillanos y no a sí mismos. Moore los presenta y desarrolla de forma genial. El primero de ellos es que el superhéroe y el supervillano forman un todo, una esfera o todo completo que reúne el Bien-orden-razón-reglas y el Mal-caos-locura-Libertad. A esto alude la estructura circular de la historia y todas las alusiones al círculo, la forma perfecta, de la obra. Ambos, más que las caras de la misma moneda o medias naranjas, son las partes  de un símbolo análogo al que representa el Yin y el Yang, un todo resultante de mezclar 2 partes opuestas. Esta idea la encontramos en el nº 50 vol. 2 EE.UU. de La Cosa del Pantano guionizado por Moore en 1986. En ese episodio el inglés decidió acabar con el maniqueísmo del Universo DC para dar paso a un mundo donde el Bien y el Mal forman parte de la misma cosa representado por el Yin y el Yang, se puede ver en la viñeta 3 de la página 34. Por tanto tenemos la seguridad de que la idea sobre la Lucha Eterna que tenía Moore cuando escribió La broma asesina es la de que el Bien y el Mal son complementarios. Por eso el superhéroe y el supervillano no pueden dejar de ser interdependientes, se alimentan mutuamente, lo que hace uno hace progresar al otro y viceversa, a pesar de empeñarse en estar separados y enfrentados. Esta escisión también es necesaria para nosotros, los lectores, pero eso es otro tema. Además el superhéroe necesita al supervillano para existir, si el 2º no transgrede el 1º no tiene razón de ser. Por tanto, ambos existen porque tienen un opuesto. Aunque Moore parece decir que un supervillano nace por la acción de un superhéroe, en realidad lo que dice es que un acontecimiento traumático puede hacer que una persona pierda una gran porción de una de las partes antes mencionadas de modo que deja de estar completo pasando a ser algo más, símbolo, pero también algo menos, bidimensional. Esto se ve claramente en que siempre lo menos importante de los superpoderosos es su identidad civil. El lado normal no existe, caso del Joker, no está desarrollado, caso de Bruce Wayne (el cual en La broma asesina no aparece) ya que es un disfraz-cliché, o está en función del lado superpoderoso, caso de los superhéroes científicos. Así, los supertipos son gente incompleta de ahí que se emparejen en función de la mitad que les falta, como los andróginos de Platón. Los que se pelean se desean. Así, Moore establece que en función de como uno se toma un hecho traumático, en el de Batman no incide este cómic por darlo como archiconocido, se convierte en un héroe o en un villano.


El otro mitema del superhéroe clásico tratado por Moore deriva del anterior y es que el superpoderoso está loco. Da igual el lado del orden social en el que está, ahí estaban esos dos tíos, en un manicomio es la 1º frase del cómic. No puede ser de otra forma ya que es un ser incompleto. Esa es una de las cosas que quiere decir el chiste de Moore. Superhéroe y supervillano están locos. En el chiste estos quieren escapar, luego no están curados. Los diferencia el que el superhéroe es capaz de vivir con la sociedad, la capacidad de actuar según las reglas, cosa que es producto de la mitad con la que se quedó, que es la verdadera diferencia entrambos. La negativa del loco conservador o cobarde es por la desconfianza, la apagarías cuando estuviese a mitad de camino, motivada por el miedo producto de la certeza de que si traspasa la línea morirá. Si el supervillano se fía del superhéroe ambos dejarían de existir. El círculo no se cerraría, ya está cerrado, los extremos se tocan, lo que pasaría es que las mitades se unirían confundiéndose y así pasaría a ser gris y por lo tanto la relación del Bien y el Mal pasaría a ser de otro tipo. Estarían separados pero con algo del otro en el interior por lo que no serían exactamente como eran antes. Por eso la rueda o el ciclo, la esencia del género superheroico, no se para porque esa línea, representada en el cómic por un rayo de luz, nunca se traspasa ya que si la frontera, creada por la diferente opción tomada por cada uno, desapareciese la historia que les mantiene con vida se terminaría al acabarse el conflicto. Esa es la razón de la escena de la pistola de juguete. Matar a Batman está al alcance del Joker. Eso es lo que quiere decir Moore en esa tensa escena (que se rompe con un gag como en el final), el Joker perfectamente podría tener una pistola de verdad. Pero no la tiene porque eso sería suicidarse, y lo que le define es que no se suicida a pesar de su tragedia y de pensar que el mundo es una broma asesina-macabra, una rueda picadora de carne. El Joker se ríe para no morir. Por ello, el intento de Batman de superar la contradicción que conduce a un previsible mal final, he estado pensando últimamente en ti y en mi, sobre lo que va ocurrirnos al final. Vamos a matarnos mutuamente, verdad?, está abocado al fracaso porque su némesis no quiere conciliarse con la normalidad porque no quiere asumir la mentira interesada que es la misma. Esto nos trae de nuevo el leitmotiv de la obra: el círculo, del que el "movimiento de cámara" del principio y el final son su principal ejemplo. Cuesta verlo, a mi casi 25 años. Fíjense, al principio la "cámara" enfoca al suelo, al charco donde la lluvia provoca círculos, y sube y abre plano para iniciar la historia, y al final la cámara baja y cierra plano en el charco donde la lluvia provoca círculos. El cómic es circular pues vuelve a la posición de partida, lo que ha ocurrido en medio ha sido borrado por la lluvia, para volver a girar en cuanto el lector, el soñador, vuelva a abrirlo para leerlo.


Quizás la genialidad principal de Moore en La broma asesina es que eligió para ella los mejores personajes para hacer estas revelaciones. Tanto Batman como el Joker son personajes del género muy especiales y su relación-oposición es más radical que la que puede haber en muchas otras parejas de superhéroe  y supervillano como pueden ser las del Capi y Cráneo Rojo, Spiderman y Octopus, Warlock y Thanos... Lo malo es haber incluido La broma asesina en la continuidad porque eso ha hecho que chirríe con todo lo demás contado con esos personajes. Esto ha generado gran parte de esas malas críticas que tiene esta gran obra. La broma asesina es una parábola, una fábula o un mito. Es  metagénero y por ello está por encima de todo lo demás. Así hay que leerla. Olvidar lo contingente y quedarnos con lo esencial o arquetípico de Batman y el Joker. Si se hace así La broma asesina es explosiva.

Lo que la hace así precisamente es la radicalidad de la oposición entre sus protagonistas dentro de que son como el Yin y el Yang. El superhéroe es el avatar del orden-razón y el guardián de la sociedad-héroe y el supervillano es un avatar del caos-locura y su ofensor-monstruo, pero la ausencia de color-seriedad puritana del primero le da un aire siniestro, que es una característica del Mal, y el color-risa bufonesca (esto se pierde con el nuevo coloreado) del segundo le da un aire luminoso (el Joker es de todo menos discreto), que es una característica del Bien. Otra razón de Moore para contar esta historia con esta pareja es seguramente que ambos son humanos, nada de superpoderes, y que su antagonismo no es un conflicto de poder. Por ello es una pareja muy apropiada para protagonizar una historia que se plantea en términos humanos. El Joker, a diferencia de la mayoría de los villanos, no persigue el poder porque está fuera del orden social. No valora lo que esta puede ofrecer y por ello nada exige a la sociedad. De ahí que sea un sociópata. No le importa destruir porque no ve valor en lo que destruye o que hacer eso sea malvado. Simplemente actúa así porque así se revindica. En realidad es un soberbio que no quiere aceptar el compromiso que es vivir en la sociedad y en la realidad. Sus acciones son una resistencia activa a cambiar y un castigo a la sociedad que se niega a aceptar que él tiene razón. Pero a pesar de ser cada uno la antítesis del otro, Batman y el Joker son iguales (los extremos se tocan). Héroe y villano/monstruo son desde siempre lo mismo, un ser extraordinario. Es indudable que ambos están igual de locos. Más bien, Batman es la manifestación de la traumatizada mente de Bruce Wayne. Nadie en su sano juicio sale todas las noches disfrazado a vengarse en otros del asesino de sus padres y/o para demostrar que el Sistema funciona aunque a él le fallase (Debemos demostrarle que nuestro sistema funciona), y nadie cuerdo puede ser tan ultrahumano (físicamente y mentalmente). Por eso Batman no vive en la sociedad sino con la sociedad. Claramente no está integrado en ella (genialidad, superrico, mansión apartada, noctámbulo...). Así, en la figura de Batman se ve más claramente que en otros de sus compañeros que el superhéroe es un loco. Miller lo reveló a la vez que Moore en su Dark Knight (protagonizado por Batman y Joker mmm) y, sobre todo, en Born Again, protagonizado por Daredevil, a la vez servidor de la ley y quebrantador de la ley, católico y diablo, ciego y clarividente, social y solitario. Batman, a la vez que es el perfecto defensor del orden social porque es capaz de ver patrones en el caos (la Función de nuestro cerebro cuyo objetivo no es la Verdad sino la supervivencia), es decir, de ver orden en el caos, mejor que nadie, de ahí su sobresaliente capacidad detectivesca, es, de forma más clara que el superhéroe típico, más de acción y sociable y menos obsesivo, un chalado. Así, lo que diferencia a los superhéroes de los supervillanos no es una moral sino una decisión sobre qué hacer frente a una realidad asesina. Eso es lo que quiere (de)mostrar Moore en La broma asesina. Gordon está para evidenciar que los traumas necesariamente no enloquecen-dividen y que no hace falta estar loco-ser un superhéroe para defender el orden.

Otra cosa que atrae las críticas es todo lo de la bibliotecaria. Es un poco gratuito. La historia podría funcionar sin ese acto. De hecho, si lo pensamos no encaja. El Joker es un sociópata pero lo que le hace a la bibliotecaria es propio de un psicópata. Parece que esa decisión parte del interés de Moore por los psicópatas que ha acabado dando a luz From Hell. Este tema yo lo encuentro por primera vez en su historia "El Hombre del Saco" para La Cosa del Pantano (nº 44 vol. 2 EE.UU.) escrita a finales de 1985. Así que su recurrencia indica que es un tema que interesa mucho al genio inglés pues está presente en casi toda su obra posterior. Por ejemplo en Watchmen en las historias que hicieron que Rorsarch pasase de ser un superhéroe clásico a uno moderno. Si uno revisa un poco la mitad final de los 80 ve que fue una época en que los psicópatas volvieron a ponerse de moda en EE.UU. En 1984 murió el desgraciado loco de Gein, en 1985 se detuvo a la pareja de psicópatas Leo y Chatt, en 1986 se estrenó la estupenda (no hagáis caso de las opiniones contrarias) Henry: retrato de un asesino en EE.UU. (dentro del circuito marginal X; en España no llegó hasta 1991; yo la vi por primera vez en 1992). Una película espartana, brutal y seca inspirada en Henry Lee Lucas, un psicópata detenido en 1983, cuyo protagonista no recuerda bien su pasado-origen como el Joker de Moore. En 1987 se publica Misery, en 1988 El silencio de los corderos, en 1989 es ejecutado el psicópata Ted Bundy... El cenit fue 1991, cuando se arrestó a J. Dahmer. Indudable porque fue el año de la película El silencio de los corderos y de la novela American Psycho (también en ese año comenzó a publicarse From Hell). Todo esto en un contexto de películas violentas para todos los públicos RamboArma letal, etc. Pero no es una cuestión de modas. Moore es un tipo cuya brillantez le permite ser independiente de estas. El psicópata, por ser para el inglés la versión real del supervillano (es malvado, tiene personalidad, juega y repite), y la Guerra Fría, como se ve en Watchmen, son los elementos que él usa para cuestionar los superhéroes. Estos son problemas graves (recuerden que el Joker habla de la Guerra Fría) y aquellos no pueden resolverlos (recuerden que en Watchmen sigue habiendo Guerra Fría y esta termina(?) precisamente cuando los superhéroes desaparecen). Esta intrusión de la realidad es injusta para la fantasía escapista superheroica. Por ello es el talón Aquiles de La broma de asesina. Sin embargo hay que reconocer que esa escena, que supone un antes y después, le da una intensidad en la historia difícil de conseguir con un acontecimiento más propio del género clásico. Es la clave para entender la obra.

La última crítica importante a La broma asesina es que Batman se ríe a pesar de todo lo que ha pasado. Eso no le cabe en la cabeza a mucha gente. Pero 1º Batman no es cualquiera, 2º es evidente que para reírse con el chiste es necesario vivir ese momento y 3º se olvidan de que la broma asesina (que también hay que entenderla como la broma descojonante, la que mata de risa) del Joker es, además del chiste final, la perfomance, todas sus acciones son intervenciones de ese tipo, para convertir a Batman en un supervillano demostrándole que el mundo no tiene sentido, que es arbitrario, que el orden viene de que la percepción humana es limitada. El Joker no quiere poner orden en este sangriento caos. Esa es la razón de que en la obra estén la psicopatía y la Guerra Fría. Hechos tan grandes que por superar la individualidad humana convierten la vida de un simple humano en un chiste ya que le privan de las riendas de su destino. Todo lo que alguien quiso o por lo que luchó ... Todo es una monstruosa y demente, esto es asesina, broma. Por tanto, la broma, lo risible, incluye también todas las acciones del Joker desde su fuga. Así, Batman puede reírse, pero de qué se ríe? Pues de nada, es simplemente la típica reacción humana ante la súbita comprensión de algo que nos desafiaba. Batman se ríe porque se da cuenta de 4 cosas. 1) de que su enfrentamiento con el Joker durará todo el cuento. Su fuga es imposible. Batman se da cuenta de que él y el Joker decidieron intentar acabar con el samsara a la vez, el superhéroe mediante la conciliación y el supervillano mediante la conversión, pero que eso es imposible porque ninguno es capaz de dejar de ser lo que es. Es demasiado tarde. Así, se ríe en cuanto comprende algo que ya sabía el Joker: ambos no van a parar de seguir buscándose. Ninguno se va a rendir. Esto nos remite a la circularidad de la obra. 2) de que su vida es una tragedia porque carece de final. El fin es el principio de modo que todo se volverá a repetir. Esto también lleva a la risa ya que la otra respuesta sería el suicidio, y ya hemos dicho que es imposible editorialmente y narrativamente. La locura de cada uno es su forma de conjurar ese impulso, su obsesión es lo que evita que se derrumben. Así, el Joker y Batman son una suerte de Sísifos. Su vida es una broma asesina y se ríen por ello porque lo aceptan a pesar de que hay otras opciones como Gordon demuestra. La risa es una respuesta integradora. Es la forma de aceptar lo trágico que no se puede cambiar pues le da una cualidad positiva: la comicidad. Ambos ríen porque saben que van a mantenerse en sus posiciones, a un lado y al otro de la línea creada por el rayo de luz, porque no tienen el deseo de cambiar, de unirse con la mitad que les falta, ya que son unos obsesos. La broma asesina de la que se ríen es la condena a la repetición o ciclo eterno. 3) de que el ciclo al que ambos están condenados los salva de matarse mutuamente como él temía al principio, estamos atrapados en una ruta suicida, ambos hasta la muerte, ya que al no renunciar al samsara jamás podrán recomponerse y volver a ser Uno y así dejar de pelearse. Está comprensión le alivia así que se ríe. 4) de que es igual que el Joker, un loco. Así, puede acceder a la risa, el dominio de su némesis. Batman es un tipo taciturno y sombrío por ello nunca (son)ríe. Aquí lo hace porque (por fin) se da cuenta de que él también está loco, que en eso es como su archienemigo. Deste modo se igualan, reírse es lo único que hacen juntos, salvo pelearse (cosa que no hacen igual pues el superhéroe lo hace siguiendo unas reglas que le limitan), en el cómic. Esta comprensión que les ha permitido verse como iguales supone que en ese momento Batman y Joker alcanzan la plenitud pues toman del otro la parte que les falta, Batman del Joker la risa y el Joker de Batman la compasión necesaria para percibir la tragedia ajena, que es lo que inició todo esto. La historia comienza porque el murciélago humano empezó a tener compasión de sí mismo y de su némesis. Por eso de una raya divisora, penúltima viñeta, pasamos a un círculo, última viñeta. La lluvia es símbolo de disolución, el círculo de plenitud y el charco es el Océano, aquello que es a la vez Todo y Nada, en él está todo pero indiferenciado. De ahí que esa plenitud que alcanzan al final desaparezca y por ello todo vuelva a empezar. Para Moore el superhéroe y el supervillano son dialécticos y por eso están condenados a una guerra eterna pues son mitades de una sola cosa porque no son opuestos sino simétricos. Es decir, encajan y forman un todo pues la diferencia proviene de la perspectiva, no de la esencia (ambos son iguales en cuanto que son anormales, parasistema, agresivos, etc.).


A finales del 2015 (como pueden comprobar esto se reescribió originalmente a principios del 2014) Moore comentó sobre este cómic: mi intención al final del libro simplemente era tener a los 2 personajes experimentando un breve momento de lucidez en medio de su rara y seguramente fatal mutua relación continúa. Habiendo alcanzado la percepción del infierno en el que están, no pueden más que reírse de su absurda situación. Por tanto, mi análisis no estaba desencaminado. Otra cosa es que la gente no sea capaz de entenderlo. No voy a decir que es evidente pero, como han comprobado, no es algo muy difícil de deducir

El recoloreado de La broma asesina hace necesario hablar de sus numerosas ediciones españolas antes de terminar. Las peores son las que tienen el recoloreado o el coloreado moderno, las de PDA y las de ECC, porque este es un churro. Está todo equivocado porque se ha realizado sin pensar en la obra. Bolland lo ha hecho por motivos egoístas, que su dibujo se vea mejor, y DC se lo ha permitido porque en ello ha visto la forma de poder vendérsela de nuevo a los que ya la tienen. El destierro del amarillo y los colores fuertes la quitan todo dramatismo e impacto así como el aspecto demencial que ese coloreado chillón aportaba. Basta comparar las escenas de la bibliotecaria. En el coloreado antiguo el fondo rojo le da una fuerza dramática que hace realmente impactante ese momento, el fondo blanco de Bolland no sólo no aporta nada sino que perjudica la escena. Mejor se ve en la primera viñeta de la página del disparo. Esa escena representa los dos mundos (el mundo de los superpoderosos es monocolor porque su visión es así) y también anuncia el inmediato futuro (el púrpura o color de Joker es un color negativo por su relación con lo funerario y lo doloroso). El coloreado de Bolland empobrece la escena. Otro ejemplo son las citas al pasado. Por qué son grises? Quién recuerda en B&N? En el Cine tiene un pase porque todos sabemos que su pasado fue en B&N, pero en el Cómic no tiene ningún sentido. Además, ni siquiera es un recuerdo. Por último miren la secuencia del principio-final. En la versión moderna está todo confundido porque no hay policromía. Así, ni tiene la claridad ni plasma perfectamente la idea de La broma asesina como el coloreado original. En fin, lo perpetrado por Bolland es una castaña porque empobrece la obra. ¿Entonces qué ediciones nos quedan? Yo tengo la de Zinco pero es regulera. La calidad de impresión no es buena y la traducción es tan solo correcta. Hubo otra de Vid-Norma pero no recuerdo que tal es. Por eso os recomiendo la de Norma, igualita a la de Zinco pero con una buena impresión y una buena traducción y sin alharacas que solo distraen. La lástima es que es muy difícil de encontrar.

12.3.14

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte VIIIb: El Pasado


El post analiza los nº 14, 15 y 16 publicados por Planeta en 2006, 2007 y 2008 respectivamente...

Nos habíamos quedado con Alita en el centro del Laberinto experimentando el deja vu más intenso de la Historia. En su nueva vida ha llegado al mismo punto que en la anterior y con la misma intención: hackear a Melquisedec. Karma. Así pues estamos ante el momento clave de la serie ya que estamos en un punto de no retorno, así es como Kishiro titula el capítulo, capital. La capacidad de rectificar, de tomar una decisión distinta que la otra vez y así poder ir por un camino distinto presumiblemente más rosado, está ante Alita. Quién no ha soñado con eso tras haberla cagado bien? Gally se anima porque, aunque tiene el mismo objetivo que su encarnación anterior: desestabilizar el Sistema, lo cual la aterra, esta vez lo hace con libertad y sin intención asesina. Sin embargo, eso mismo la atenaza pues hacer las cosas por propia voluntad conlleva responsabilidad, cosa que se puede juzgar. La incertidumbre, más que la libertad, es susceptible de producir mal, pero sólo si existe la 2º se puede juzgar moralmente un acto. Esto es importante porque el karma es producido tanto por el acto en sí como por su valoración por los demás. Lo malo de la Libertad es que es madre del Mal pues todos tenemos algo de malvado, el conocimiento de esto es lo que ha hecho a Nova. En este momento, que nosotros leemos sin respiración por su intensidad, el coronel, la Sombra de Alita, vaticina que si actúa le espera un destino [...] cruel [...] que te cambiará [...] y te quedarás sin sitio al que regresar.

A pesar de eso Alita entra en Melquisedec a través de la unidad Merlín, que es el ancestro de Melquisedec. Este no es el ordenador de la Liga Terrestre sino el ordenador central del susodicho pues este comprende Melquisedec propiamente dicho y 25 unidades auxiliares especializadas que forman Camelot. El ataque de Yoko activó la unidad auxiliar de autodestrucción Mordred, que aniquiló a la unidad Arturo, la unidad coordinadora. Esto produjo el Desastre de Kamran, que como todos sospechabais es como un japonés pronuncia Camlann, la última batalla del rey Arturo. El resultado de este desastre fue un desorden imposible de recomponer por la ausencia de Fata Morgana, la hermanastra de Arturo que antes de que el cristianismo se apoderase de la Materia de Bretaña era la antropomorfización de una diosa y por ello es quien acoge, tras Camlann, a Arturo y los suyos en el Paraíso celta, la isla que ella rige. Al introducir Fata Morgana en Melquisedec comienza otra revelación: la de la génesis del mundo de Gunnm.

Primero una tormenta solar llevó a la Tierra de vuelta a los tiempos preelectrónicos y luego un meteorito se estrelló en el Pacífico provocando terremotos y tsunamis que, a su vez, produjeron una nube de polvo mundial que sumió a la Tierra en una nueva glaciación... En una NY posapicalíptica un grupo de vampiros, integrado entre otros por Vilma, una húngara nacida en el siglo XIX, la actual Kaelula, se encuentra con un asentamiento de supervivientes que mantiene la esperanza de volver a prosperar y está dispuesto a pactar con ellos porque no los reconoce como monstruos sino como mutantes (Kishiro dota al vampirismo de una aire científico). En esa comunidad de supervivientes, que parece la última sobre la Tierra, está Arthur, un joven entusiasta. Pero no puede ser porque los vampiros odian a la humanidad, así que ambos grupos se enfrentan a muerte. Quien da la victoria a los humanos es la futura Kaelula pues sacrifica-mata al Dragón, que era su amante, de modo que el Sol vuelve a salir por lo que regresan a la oscuridad lo bestial y lo antiguo pudiendo nacer así una nueva era, uno no puede disipar las profundas tinieblas con la fuerza bruta. El líder de esta es Arthur y por ello Vilma decide ser su protectora pasando a autodenominarse Qingji (que creo que significa cordero). Evidentemente en un mundo humano ella es invencible y como única superviviente del pasado es la transmisora de las artes marciales al Nuevo Mundo, de ahí que represente en el manga a China. Arthur orienta todo al viaje espacial. La cosa al principio va bien porque proporciona progreso y unidad pero al final acaba produciendo desigualdad por lo que una parte comienza a exigir el abandono de la carrera espacial para arreglar los problemas internos. Arthur no consiente porque su objetivo es salvar a la humanidad mediante la redundancia, es decir, colonizando otros planetas. De Vilma ha aprendido el sacrificio de todo por la supervivencia de la humanidad. El problema es que por ello el Nuevo Mundo carece de Amor. La ausencia de este es el defecto del creador que pasa a la creación.  Pero Arthur no es un villano. Arthur, como Vilma, no odia el Amor, lo perdió y por ello sigue siendo alguien puro y altruista. Cree en su plan pero no está obsesionado así que da a la futura Kaelula una puerta de atrás, la last order, Fata Morgana. Es decir, la capacidad de  destruir el Nuevo Mundo de modo que la vampira se convierte en alfa y omega. Esto es así porque Melquisedec es su centro. Esto no está bien explicado por lo que no lo entiendo del todo pero parece que ese ordenador es un oráculo. No predice el futuro sino que interpreta los deseos de los consultantes y luego los cruza con la realidad para revelar la mejor forma que tienen aquellos para conseguir lo que desean. Para Arthur el final debe venir si los consultantes olvidan que Melquisedec no predice el futuro. Por ello necesita a un inmortal. De ahí que Kishiro juzgue justificado saltar el tiburón introduciendo el vampirismo. Seguro que había mejores posibilidades de convertir a un personaje en inmortal. Mientras pasa esto Nova resucita en Salem, toma el control y conecta con Tiphares. Su objetivo es conseguir la independencia de la superficie terrestre.

Inciso. El vampirismo en Alita es como la cibertecnología. Es algo que permite hablar sobre encarnaciones sin ser demasiado espiritual. Kaelula es un personaje parecido a Gally, ambas han creado un mundo, y por ello parece que la 2º sustituirá a la 1º como diosa protectora de la humanidad. La cualidad divina de Vilma está explícita en sus posteriores nombres: Kaelula Sunguis, que en Kishiro es más sangre celestial que azul, y Qinglong Weiji dragón azul (Siryu; que representa el Este, la Primavera y al Agua, principalmente la lluvia) crítico, el nombre que adoptó cuando "vivió" en Oriente.

Al final de la revelación aparece un avatar de Vilma. Gally reconoce ante este que buscaba venganza porque pensaba que la crueldad de su mundo era por sus creadores, pero al descubrir que su mundo es un sueño altruista torcido hace que deje de condenarlo. Con esta expresión espontánea de piedad hace que Kaelula le pase el Fata Morgana. Pero Alita se niega porque no se considera a la altura, es humana: limitada y egoísta, así que sólo se compromete a ser su guardiana. A Kaelula le parece bien porque Gally es alguien singular, no sirve a un bando o a unas ideas concretas que es el caldo de cultivo del odio y la maldad. Entonces es cuando aparece Mbadi reclamando el Fata Morgana ya que es donde reside el poder pues Melquisedec no es solo el ordenador central de la Liga Terrestre, también es su inconsciente colectivo debido o gracias a la digitalización de las mentes. Así, controlarlo es controlar a todos ya que se puede manipular las mentes y al ordenador que guía con sus predicciones. Esto es crear la realidad o, como decimos hoy, opinión. Aquí volvemos a Hobbes. Para este pensador el poder absoluto precisa del control y del miedo. Esta disputa da el pie al nuevo Nova, Supernova. En este momento hay 3, este, el de la Superficie y el de Jeru, pero el 1º está aliado con Mbadi, caos y orden, y tiene doble chip. Se revelan los planes. Mbadi quiere acabar con la superficie. Antes era imposible por la fosilización del Sistema. En palabras de Weasel: la matusalenización paraliza la sociedad, teniendo todo el tiempo del mundo no se hace nada, no se hacen los cambios necesarios, y ha surgido una dictadura, la de Mbadi, para asegurar la continuidad de este limbo que sólo beneficia a unos pocos. La guerra galáctica paralizó la exploración espacial dejando sin sentido a Salem, pues su función era proveer colonos galácticos, y de ahí su casi total aislamiento. Ahora, en parte por el desafío de Alita y en parte porque la alianza con Supernova presumiblemente permite desbloquear la situación manteniendo las cosas controladas, es decir el status quo, que los beneficiarios de LADDER sigan siendo los mismos, se pueden cambiar las cosas. Por eso Mbadi quiere destruir la Superficie para reconstruirla. Evidentemente esta no tiene defensa contra la fuerza y la tecnología de Jeru. Alita puede escapar porque Fata Morgana ha iniciado el Santo Grial, la restauración de Melquisedec a su situación anterior a Kamran. De este modo Mbadi no puede servirse de Melquisedec para imponerse a los rebeldes.


El plan de Trinidad lo cambia todo. Alita ha de ganar ZOT para hacer de la Superficie un estado de LADDER independiente. Gally empieza a ver claro el sentido de su destino. En la discusión con Supernova una vez fuera del espacio virtual Alita recibe la revelación que le anticipó su Sombra: su cerebro es un chip! La situación se desbloquea intercambiando cerebros, Alita se puede quedar el de Ruw si da a Supernova el que ha traído desde Salem, que acabamos de descubrir que es el suyo. El trueque se hace pero Alita se arrepiente en seguida ya que es lo único humano-carnal que le queda  y trata de rectificar. El resultado es que es destruida, ya he perdido la cuenta. Al tener Supernova su cerebro no precisa que siga viviendo así, de nuevo, Alita queda reducida a un busto roto en coma que cae hasta el Otro Mundo de Jeru, la ciudad de los robots, el lugar donde conoció a Weasel. Después Supernova destruye a su yo de Jeru, momento que el restante aprovecha para escapar. Para quitarnos el mal sabor de boca Kishiro mete un interludio: tarde o temprano todo lo que tiene forma acaba desmoronándose, nada es imperecedero. Aserto de sabiduría antigua que seguro que es un vaticinio del final de Gunnm. Los robots tratan de resucitar a Gally, identificada con una gata (su aspecto animal), pero no pueden. Entonces aparece el yo virtual de Arthur que reconoce ser la unidad destruida por Mordred y es reconocido como Arturo el rey que fue y será (una complicada traducción de the once and future king, el título de la mejor novela moderna sobre el rey Arturo; me refiero a la de T. H. White pues hay quien ha profanado el título) y da la solución: aplicarla el Fata Morgana, que es una llamada a la conciencia heroica de Alita, viajera del destino que vagas solitaria por tierra inhóspita a la que muchos han confiado sus anhelos, que está perdida. Arthur la enseña que es la campeona de la Superficie, tanto la del presente como la del pasado. Es el último eslabón de una cadena que ha luchado por la humanidad. Las vidas/karma de los protagonistas del pasado se concentran en ella. Todos los que ha conocido Alita, aunque sea de forma indirecta, la han influido haciendo la heroína que es. La llamada a la acción funciona, para Kishiro se es porque se actúa, y Alita resucita en una secuencia análoga al Big Bang, al igual que el fogonazo primigenio que iluminó las tinieblas del cero absoluto.  

Con este punto y aparte de este interesantísimo manga que desde que decidió saltar el tiburón, que tal como me lo enseñaron a mi no es un punto crítico sino el momento en que un relato rompe sus propias reglas de modo que empiezan a ocurrir en ella cosas absurdas para la lógica que había establecido, ha degenerado. Hasta ahora Gunnm era un manga en general notable pero la introducción del vampirismo, que está fuera de la Ciencia Ficción, y su convencionalización con el tópico torneo de artes marciales han hecho que su calidad empeore. Aunque no se ha convertida en una serie mala hay que reconocer que a partir de este momento el relato se convierte en el reino de la paja. A falta de que lo confirme el tramo final de la saga de Alita todo apunta a que la historia se podría haber contado de forma más breve, sencilla y directa. Una lástima porque este final afea una serie buena y especial por su complejidad y madurez.

10.3.14

11º Muestra Syfy de Cine Fantástico


Siempre os suelto el mismo rollo. La muestra antes molaba más porque era ecléctica. En los últimos años se ha dedicado a satisfacer la demanda de la mayoría: pelis de terror vulgares, formulaicas y cutres. Como a mi este tipo de films no me gustan, este año sólo he visto 2 de los programados. He ido sólo a los que ponían bien y no había visto. Sin embargo, ver menos pelis que nunca (mi media es 4) no ha impedido que esta sea una de las selecciones personales del cartel de la Muestra Syfy con la media más alta. Una peli entretenida y una peli notable no es lo normal ni viendo más de 4.


Snowpiercer: es una película de Ciencia Ficción que se ambienta en un futuro posapocalíptico cercano para hacer una metáfora burda sobre el Sistema. La cosa es tremendamente pop por lo que es necesario videarla lo más pasivamente posible. Si se hace así se pasa un buen rato pues la peli, aunque mediocre y convencional, es entretenida. El director, a pesar de que no evita que el film sea irregular, consigue que el viaje sea entretenido y que apenas se note que dura 3 horas. El guión, que adapta un viejuno, cosa que se nota en la historia, cómic francés (naturalmente inédito en España pero si la peli se estrena aquí...), que por lo que veo en Internet tiene su atractivo, hace su trabajo porque mezcla bien lo típico con lo sorprendente y la acción con la calma. Por último, los actores dan verosimilitud a los personajes, aunque E. Harris no es actor para encarnar a un villano megalomaníaco. Así pues, esta versión del arquetípico relato del héroe del pueblo no aburre. Lo único que se le puede reprochar a la película es que es pretenciosa. Denuncia el orden como excusa para mantener unos privilegios cuya razón de ser no tienen nada que ver con aquel, pero lo hace de una forma simple y maniquea. Como siempre los ricos son malos porque sí y los pobres son buenos porque sí. Las críticas mejor con sustancia. Es destacable la capacidad de la producción para sacar mucho partido al modesto presupuesto. Señalo para terminar la audacia del cine coreano en introducirse en Occidente. Algo que sería bueno que cuajase pues plantean las cosas de forma más seria que los estadounidenses.


Coherence: fue la triunfadora de la pasada edición de Sitges, esto normalmente no significa mucho pero es una garantía de que la peli no es mala del todo. Por eso no me esperaba ver un film genial. Es de lo mejor que ha pasado por las diferentes ediciones de la muestra. Desde la 8º Muestra no se veía algo notable. Mucho mejor que Gravity o Her (pero no que La gran belleza) por lo que es injusto que sea una peli que va a ser ignorada olímpicamente por el mundo. Os aviso que es muy modesta. Prácticamente transcurre en un solo escenario, los actores son grises, la dirección es estrictamente eficiente. En ese sentido la peli no tiene nada que hacer al lado de las ganadoras de los Oscar anteriormente citadas, pero en lo fundamental les gana por goleada. Coherence es una experiencia, es decir, lo que debe ser toda peli. Yo salí de su visionado agotado porque es tan interesante y atractiva que te mantiene siempre atento. La historia es una genialidad tanto por su argumento, bastante original además, cosa totalmente ausente en la de los Oscar, como porque supera perfectamente todas las restricciones de las producciones modestísimas excepto la de no poder contar con actores atractivos y tener un buen un cártel promocional. No sólo es feo, es que no tiene nada que ver con la peli. Pero centrémonos. Si el guión se piensa a posteriori surgen en seguida ideas que lo podían haber mejorado, pero en realidad son cuestiones de detalle. Coherence tal y como está es apasionante y sorprendente y hay que aplaudir que no haya optado por lo fácil o lo de siempre, que tampoco hubiera estado mal pero así es mejor. En este sentido la película de J. Ward Byrtkit, su guionista y director, es tan impecable como acertado es hacer que su final coincida con el clímax. La peli termina en todo lo alto, con la gorda desgañitándose en el escenario. La única pega que tiene es que es un panzerfaust, es decir, un arma de un solo uso. No tiene mucho sentido verla por 2º vez, aunque uno podría percibir mejor los detalles y pistas que anuncian lo que va ocurrir en la peli. En fin, Coherence es un peliculón. Brillante y con una moraleja mucho más interesante que las de los Oscar. Yo ya la estaría descargando pues este tipo de pelis normalmente en España o no se estrenan o lo hacen 3 años después.Que no te la cuenten como se suele decir.

5.3.14

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte VIIIa: El Pasado


Bueno, retomamos el tema. La parte de la obra aquí analizada comprenden los nº del 9 al 13 de Gunnm: Last Order publicados por Planeta entre el 2004 y el 2005.

Uno de los temas de Alita es la violencia. Al principio esta aparece como una consecuencia del desorden, pero en cuanto Alita sube a Tiphares aparece como algo humano. Por ello las sociedades ordenadas de esta obra lo son gracias a que la reprimen en el Hombre. Así pues, la cosa cambia y la violencia se convierte en una cuestión de libertad. En el desorden la violencia aparecía como la única opción de supervivencia, pero en cuanto Kishiro nos plantea sus utopías la capacidad de ser violento aparece relacionado con la libertad. La violencia es signo de libertad pero también de defensa de esa libertad. Si no podemos ser violentos ahora no podemos luchar contra un futuro tirano. Esto es la base del apego del ciudadano estadounidense conservador al derecho personal a poseer, que es algo más que tener, armas. Esto rima con el tema heroico de la 2º parte de Alita. En la 1º Alita era un ser egoísta, como todos, que luchaba por crear su propia identidad y por tener un sitio en una sociedad darvinista (este es el estadio en que se encuentra Sechs pues nos dice que a través de la lucha-victoria se define y se hace un nombre), en la 2º Alita es un héroe porque lucha por los demás, para redimir al mundo derribando una tiranía que proporciona prosperidad, seguridad e inmortalidad a cambio de la libertad y la opresión de los otros. Su control es tal que prohíbe el estudio de lo ya fabricado y ha hecho que ser ingeniero sea muy caro. Controlando el conocimiento anula otro factor de cambio. Esta unión de la violencia con la libertad incluye también el espectáculo violento. Kishiro lo plantea porque considera que el humano es violento por naturaleza. Así, en las sociedades ordenadas, sin violencia, es necesario sublimarla de algún modo. El mangaka propone 2: los sueños y el espectáculo. Así pues, si el Patio de los Desperdicios tenía el rollerball (que si no recuerdo mal también se veía en Salem), Jeru tiene el ZOT, el cénit de las cosas en siglas inglesas. El torneo de artes marciales típico del manga "para chicos". Un espectáculo violento que tiene como premio la libertad pues el equipo que gane podrá formar su propio estado independiente. Esto es algo contradictorio. Cómo una medida conservadora tiene como premio algo revolucionario? Pues porque en realidad el ZOT es tan solo un señuelo. Es la forma de atraer a los rebeldes/antisistema para acabar con ellos. Por eso durante su transcurso los participantes tienen inmunidad. No es que el premio los integre en el Sistema haciéndoles parte sino que el torneo está amañado para que las fuerzas del Orden, venusinas o jovianas, acaben con los rebeldes. Por tanto, el espectáculo violento perpetúa el Sistema de 2 maneras: elimina la oposición y la violencia subliminal de sus súbditos y, triunfando, demuestra a todos que tiene todo bajo control y que es el más fuerte.


El tema de la 2º parte de Alita es el heroísmo. Lo bueno que ha hecho Kishiro con él es no plantearlo ya asumido como suele hacer Occidente olvidando que un motivo arquetípico es la negativa del héroe a serlo. Es especial, en este caso tiene libertad, luego puede ejercer la violencia redentora, y es capaz, luego tiene posibilidades de éxito, pero no se siente así. No quiere dejar de ser normal, no quiere madurar y asumir la responsabilidad de ser quien es. Así, Alita no es un tipo intachable que reacciona violentamente ante una injusticia como el típico héroe de acción estadounidense. Es un ser humano normal, egoísta. Solo quiere su bien porque sólo piensa en él. Por eso el heroísmo que introduce Kishiro la lleva a tener otra crisis. El problema viene por la obligación de luchar en el ZOT contra unos héroes, los Guntroll. Estos son el equipo de un orfanato, es decir, protege a los niños de un sistema que ha prohibido el nacimiento (lo vimos en el anterior post de la serie). De este modo Alita se da cuenta de que si los gana, cosa que no duda, frustrará una buena causa (un estado que proteja a los niños dentro de sus fronteras sería algo bueno), cosa que ella no tiene pues lucha por ella misma. Pelea por rescatar a Luw pero su motivación es egoísta pues lo hace porque se siente en deuda con ella, ergo, no lo hace de motu proprio. Tampoco es heroica ya que no producirá un beneficio a la comunidad. Un héroe es simplemente el que ha realizado hazañas, por ejemplo Aquiles, y Héroe es aquel cuyas hazañas benefician a su comunidad, por ejemplo Heracles. Así pues Alita se enfrenta a un problema de responsabilidad. Ser un Héroe es cambiar la estructura del mundo, cosa que significa que será responsable de ese nuevo mundo como progenitor suyo que será. Esto abruma a Alita pues al ser egoísta es pequeñita y mezquina. Su experiencia vital la ha hecho desear el cambio pero luchar por él le da miedo. Por eso a estas alturas sigue siendo un Héroe en potencia. Por ello la solución a la crisis que toma es transitoria y egoísta: volverá a luchar por ella misma. Debo hacerlo [luchar] por mi. Sólo entonces es cuando soy capaz de ¡¡superarme a mi misma!! Alita a pesar de la crisis no puede transcender su egoísmo. Ella es la única causa capaz de hacer que lo dé todo en la pelea. Lo más terrible de esto es que luchar por uno mismo significa que todos los demás son enemigos. Sin embargo, hay una ventana a la esperanza. Si en la lucha uno progresa y el ser egoísta es inferior al Héroe entonces Kishiro nos está anunciando que Alita se convertirá en tal. Cosa que ya sabíamos pues eso era lo que revelaba su particular nacimiento ya que es una variación del arquetípico nacimiento del Héroe. Lo dije y lo repito: este siempre es un bebé rescatado por humildes mortales en parajes salvajes conectados con el Cielo. El relato más antiguo que conservamos de este episodio arquetípico es el del nacimiento de Sargón. Él fue encontrado en un río. Dónde nacen los ríos? En las montañas. Dónde moran los dioses antiguos? En las cumbres. También la Naturaleza salvaje es el hogar de los dioses. Así pues todos los Héroes son un avatar del Cielo, su progenitor es una divinidad que encarna parte de su esencia divina para redimir un mundo que ha degenerado hacia la injusticia. Nadie sabe porque los dioses lo hacen de esta forma tan complicada.

La violencia heroica, por tanto, es libertadora (de ahí que el manga nombre a Espartaco). Esto puede ser lo que explica esa identificación que hace Kishiro en su obra entre esclavo y guerrero que no comprendo. Dice la Sombra, el guerrero despiadado o desatado, de Alita: Lo único que puede hacer una guerrera esclava como tú es combatir hasta la muerte. Tú luchas para conocer qué se siente al ser libre. Cuando expandes tus límites, lo que haces es embriagarte de esa sensación de libertad. Aunque eso no es más que un espejismo, claro. Embriagaros es el único privilegio que podéis disfrutar los humanos esclavizados. Parece que Kishiro establece que todo prosistema es un esclavo y que la lucha es la única forma de liberación que tiene pues le permite romper los límites del Sistema, violencia-matar. Sin olvidar que la lucha es una metáfora para la superación, la victoria significa un progreso personal. Esto encaja en parte con el samurái pues este no era más que un servidor que en la guerra alcanzaba cierta libertad pues podía, por fin, mostrarse tal y como era. Sin embargo, aunque en el conflicto se liberaba de los límites que la paz impone en un guerrero, no dejaba de ser un servidor pues debía sacrificar todo por la victoria de su señor. Así que no sé. Esta idea clave de Alita no la pillo del todo.

Esta parte de la obra nos revela bastante del pasado del mundo de Alita, que lo encarna Kaelula Sungwis, transcripción japonesa de sangre celeste/azul en latín. Hablaremos de ella con detalle más adelante, aquí diremos que es una vampira húngara con una antigua relación con Trinidad que representa la cultura china, es decir, para los japoneses la cuna de la sabiduría y de las artes marciales. Esta es la jefa de Guntroll y se enfrenta a Alita en el ZOT. Un enfrentamiento clave ya que es entre 2 avatares celestiales. Kaelula derrota a Alita pero no puede concretar su victoria al ser incapaz de matarla. No es que sea bondadosa, es que su técnica perfecta y milenaria, su extrema longevidad le faculta para predecir todo lo condicionado de modo que puede derrotar a cualquiera porque los movimientos que responden a los ataques siempre son los mismos, no importa la capacidad del oponente, falla en el momento de la ejecución o descabello. Kaelula confunde el espíritu de la fuerza de voluntad de Alita con ella de modo que no mata el cuerpo de su enemiga. Algo tan místico sólo puede resultar revelador. En efecto. Al temer por su vida Alita rememora su otra vida, Kaelula fue la que la capturó cuando era Yoko, una hoja de afeitar, débil pero pura/inocente y peligrosa, por ello capaz de ser la responsable de la Matanza de Kamran. La vampira no la había reconocido porque Gally es una persona normal: alegre, triste, temerosa y límitada, una espada artesanal como las legendarias de Damasco. Lo que nos hace rememorar algo que he pasado por alto. En el rollerball Alita utilizaba una hoja de Damasco como arma y en Last Order también sólo que ahora es parte de su cuerpo. El reencuentro se debe al Karma. La conclusión de Kaelula es que Alita está protegida por el Destino. Lo que la ha hecho sobrevivir a todo es que está predestinada. Es decir, está en el mundo para realizar una tarea cósmica. Así pues se considera derrotada ya que no puede vencer al destino inconmensurable que espera a Alita. Uno al que quiere contribuir pues intuye que ambas buscan lo mismo, liberar al mundo de la tiranía de LADDER representada elocuentemente en una viñeta donde la gigantesca mano de Trinidad contiene a Kaelula y Alita. Una viñeta que cita a une episodio de la historia del Rey Mono, en ese relato la mano es de Buda. La intención de Kishiro es reflejar tanto lo crudo que lo tienen los héroes como mostrar a Trinidad como un tirano, pues se regocija de su poder, que sin duda caerá por su soberbia. Pero más importante que eso, Kaelula ve en Gally alguien capaz de matarla cuando madure pues su técnica sólo será derrotada por alguien que tiene la capacidad de elegir, gente que con su psique ya despierta cobra conciencia de sí mismo y del mundo. Otras revelaciones del pasado que obtiene Alita son referentes al Panzer Kust, el arte marcial marciano perdido que practica Gally. Fue creado por Tiger Sauer (tigre agrio/ácido en alemán) como técnica de lucha anticiborg y se enseñaba en la academia Grünthal situada en una colonia alemana sita en Noctis Labyrinthus, una región marciana, que fue destruida por LADDER de modo que las técnicas secretas del Panzer Kust se perdieron. Sus practicantes formaban una sociedad secreta de guerreros dividida en 9 grados. Alita es un "gran guerrero", el nivel 6º, el anterior a "maestro". El equipo Guntroll derrotado escapa al reino marciano de Limelya.

El ZOT continúa al igual que el plan de Alita y Weasel. Mientras se celebra una pelea Gally se introduce en el núcleo de LADDER provista del Fata Morgana, un programa para hackear Melquisedec. Un regalo divino y caído del cielo que hizo Kaelula a Alita por su victoria. Pero el plan inicial ha cambiado. Naturalmente el combate ha transformado a Gally. El plan no es robar el cerebro de Luw aprovechando el ZOT y huir sino seguir luchando hasta el final para obtener el premio. Durante esa misión se produce en la mente de Alita una disociación debido a que, en su infiltración, recorre el camino que tomó cuando era Yoko. Gally rememora un combate tremendamente gore en el que un impasible y delicada yo pasado suyo destroza a sus oponentes. Este laberinto evidentemente tiene su Minotauro. Este, antes de aparecer, pregunta por la contraseña que hay que saber para poder llegar a la cámara del tesoro. Espíritu? Oportunidad, espada? Vaina, Pistola? Sueño!!! Las 2 sílabas japonesas que forman Gunnm significan arma y sueño. Es el código secreto del Panzer Kust. De nuevo otro encuentro con el pasado. El Minotauro, un superviviente de la colonia que la conoce, nos ilumina sobre todo el rollo de Kamran. Grünthal fue contratada por los jovianos para sabotear Melquisedec con el programa Ginebra para acabar con los venusinos. Esa era la misión de Yoko la Cuchilla/Hoja de Espada, que consiguió, si bien el sabotaje no resultó como se esperaba. Los venusinos no fueron destruidos. Murieron casi medio millón de personas y Melquisedec se estropeó de modo que Jeru se desconectó de Salem y del resto de la galaxia. Este desastre naturalmente cargó tanto el karma de Alita que por eso es imposible matarla. Tiene que reencarnarse muchas veces para expiarlo. Sin embargo dio lugar al acontecimiento que cambió totalmente las cosas en el Espacio humano: la captura de Yoko por Kaelula, por entonces conocida como Viuda Azul, al negarse a suicidarse para no ser capturada. Su detención dio lugar a que venusinos y jovianos firmasen la paz, se formase LADDER y se destruyese la colonia marciana que albergaba la academia Grünthal. Así pues Yoko sí cambió la estructura del mundo. Su condena fue ser arrojada al infierno, el inframundo: la Tierra. Por ello no quedó desintegrada en la entrada, sino que estuvo en el vertedero del Patio de los Desperdicios como 200 años hasta que Ido la encontró reducida a un busto roto. Ante esta revelación Alita queda conmocionada pero se recupera aceptando a Yoko a pesar de ser responsable de la masacre de Kamran. Está orgullosa de sí misma. Así Alita cumple su objetivo: reunir o fundir sus 2 yos para poder ser una persona normal y así poder dejar los cielos para volver a la Tierra, el lugar de la gente normal, donde están sus seres queridos.

Bueno y aquí lo dejamos porque me he cansado. El final de esta parte la semana que viene. Palabra.

3.3.14

Critiquita 406: Warramunga-M´Felewzi, Toppi, Ninth Ediciones 2014


Ninth Ediciones continúa su apuesta por Toppi, uno de los mejores autores completos que el Cómic ha visto. Lo hace con otra entrega muy parecida a la anterior pues el nuevo álbum también contiene 2 historias, la 1º bastante breve, de género fantástico narradas a la maniera clásica, la establecida por Poe, pero con un contenido moderno pues podríamos encuadrarlas en algo que podríamos llamar Fantástico anticolonialista. En estas historias, como el género fantástico clásico, enfrentan el pensamiento científico positivista con el pensamiento tradicional mágico, pero el italiano no enfrenta al hombre urbano e instruido con el hombre rural y supersticioso como hace su modelo, sino que enfrenta al hombre blanco decimónonico que aún reina, soberbio, racista, egoísta y cruel que se ha separado de la Naturaleza, con el indígena, sencillo, dominado, atropellado y astuto que sigue integrado en la Naturaleza. En estos relatos, que conectan con Ogoniok, el último de la anterior entrega, el hombre blanco acaba teniendo su merecido a manos de los indígenas precisamente porque el sobrevalorar lo real le hace presa fácil de aquellos que saben que el mundo es mucho más. Pero Warramunga y M´Felewzi, a diferencia de los relatos del anterior álbum, están en el límite del Fantástico pues Toppi deja a elección del lector juzgar si el mortal escarmiento que sufre "el gran hombre blanco" se debe a causas reales o irreales. Los bandidos australianos enfermos de la fiebre del oro mueren a manos de una criatura del folklore indígena o por los espejismos del desierto? El cruel cazador europeo es víctima de la astucia de su ojeador negro al que todos creen atontado o de la capacidad de este para hablar con los muertos?


En lo gráfico Toppi vuelve a estar genial, aunque a mi me ha parecido pelín más sobrio y convencional que en la anterior entrega. Su personal estilo deudor de la ilustración y dependiente de la referencia fotográfica aquí no ofrece más que el dominio de la dilatada experiencia. No hay soluciones nuevas o fogonazos artísticos. El dibujo realista en b&n sigue siendo sobrehumano, la estructura de página sigue siendo personal y diferente (si se le compara con lo que hacen los demás) y es espectacular cuando toca, cosa difícil pues cualquier viñeta lo es, pero resulta ya visto al que le haya leído lo suficiente. No obstante, esto es tan sólo un comentario. El genio italiano no tiene que sorprender ni innovar en cada historia suya porque todo su arte ya es en sí mismo revolucionario, novedoso y sin par. 

Así pues, nuevo álbum de Toppi, es decir, un nuevo álbum de cómic europeo donde podemos encontrar 2 historias fantásticas clásicas atractivas y estupendas narradas con un dibujo exquisito, sofisticado y onírico.


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