26.11.09

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte II: Infancia y adolescencia

Pues nada, continuo con el análisis informal de este manga antes de que empecemos a olvidarnos de lo anterior. Ya comenté que no sabía muy bien como estructurar el tema. Quizás lo suyo habría sido escribirlo todo, luego reescribirlo para integrarlo y, después, dividirlo en temas, pero como esto va a ser un análisis informal (aunque se va intentar ser exhaustivo y riguroso) voy a desarrollar el tema según arcos argumentales. Los fallos de este método son que seguramente según se vaya avanzando habrá que volver atrás a matizar o reelaborar y que algunos temas en vez de estar en uno solo post estarán repartidos en varios, lo que dificultará un poco la lectura y posterior consulta. Pero bueno, esto es un blog.
Antes de empezar con la aproximación informal a los 2 1º arcos argumentales voy a hablar un poco del arte de Y. Kishiro porque se me olvidó hacerlo en la intro, aunque igual estuvo bien porque si no hubiera quedado demasiado larga.
El estilo de dibujo de Y. Kishiro está influenciado por Toriyama ("Dr. Slump" es un manga lejanamente similar al de Alita) y es manga, entendiendo esto como que está dentro del estilo que todos reconocemos como propio del cómic japonés, es decir, un canon irreal consistente en piernas largas y un tronco pequeño, figuras esbeltas, ojos como platos,  peinados singulares y cierta caricaturización. Dentro de este canon Kishiro es particular quizás debido a su interés por el Cómic Occidental, pues su singularidad es que su estilo tira más hacía el realismo, una deriva que se exacerba a medida que avanza el cómic. Es fácil verlo. Al principio tenemos pjs como Ido, que es una síntesis del cómic juvenil francés y el manga, pero a partir más o menos de la mitad, los diseños de los nuevos pjs son más realistas, menos caricaturescos. De modo que a lo largo de la obra el dibujo evoluciona desde un estilo suelto y suave hacía uno agresivo y geométrico. La certeza de que no domina bien la anatomía humana (porque a pesar de dibujar desde niño, no fue hasta la tardoadolescencia que empezó a dibujar la figura humana) empuja a Y. Kishiro, como a muchos dibujantes, a geometrizar la figura humana y a sustituir la curva por el ángulo. De este modo, las tramas, la línea recta, la angulosidad y el geometrismo se van afirmando hasta ser lo característico de los comics más recientes de esta serie. Así pues, Y. Kishiro es tan solo un dibujante notable al ser torpe con la figura humana y no muy expresivo. Otro fallo que tiene es que usa en exceso clichés y convencionalismos (pero bueno, eso es consustancial a una forma de entretenimiento industrial y pop). Pero, a pesar de estas cosas, su dibujo es bueno (ser un genio de la anatomía es muy difícil y dibujar correctamente la anatomía lleva mucho tiempo y un mangaka no lo tiene) y atractivo porque Y. Kishiro es genial como dibujante de CF. De modo que borba todo lo que es esa temática, ciborgs, tecnología futurista, etc. En esta faceta es espléndido y espectacular. Por otro lado, es un gran diseñador de pjs (algo en que los mangakas son sobresalientes, no como los dibujantes estadounidenses) y un gran narrador, como casi todo mangaka. Es bastante cinemático, a pesar de que apenas utilizan las viñetas-cinemascope (deberían aprender los dibujantes estadounidenses de superhéroes), lo que encaja muy bien con la historia, pues esta está llena de acción y dinamismo. Así que, en definitiva, aunque Y. Kishiro es un dibujante un poco torpe y limitado en los detalles o en las partes, en el todo es sobresaliente y espectacular.
Aunque sería oportuno contextualizar Gunnm me es imposible hacerlo porque por aquí no sabemos mucho sobre la cotidianidad japonesa. Sólo puedo decir que Gunnm se publicó en 1991 con el título "Hyper Future Vision Gunnm" poco tiempo después de empezar la era Hirei, cuando Japón iniciaba una crisis económica, de la que no iba salir en toda la década, que hizo que no creciese la economía aunque Japón no dejó de ser en ningún momento una potencia economica mundial. Y ya, porque la wiki, en los idiomas que conozco, no dice más. En cuanto al manga, este estaba terminando su última edad dorada (la que alumbró "Akira" y "Bola de Dragón"). Puede que sea importante mencionar a la peli "Tetsuo" (1989) de S. Tsukamoto (inolvidable por lo alucinante que es) y al manga "Patrulla especial ghost" de M. Shirow, publicado en Japón entre 1989 y 1991, por la lejana afinidad de estas obras con Alita. Internacionalmente lo más relevante de ese año fue la desintegración de la URSS y la 1º Guerra del Golfo. En cuanto al Cyberpunk, este cumplía una década y estaba en pleno apogeo (es la época de "Robocop" y los jdr de esa temática).
Detengámonos un momento para hablar sobre este subgénero de la CF porque Gunnm, a pesar de pertenecer al Cyberpunk, es bastante singular ya que  en vez de incidir en los ordenadores, en el ciberespacio y en la realidad virtual (esos temas los empezó a tocar 10 años después) pone el acento en la cibernética, no esta protagonizada por antihéroes, no cuenta historias de forma moderna, el prota de Gunnm es un héroe clásico aunque femenino (Japón es un país machista), y la historia sigue el esquema del viaje del héroe. Salvo esto Gunnm es puro Cyberpunk pues los personajes son marginados y la historia se sitúa en un futuro distópico, no postindustrial sino postapocalíptico, donde el ser humano se tunea para sobrevivir porque la vida carece valor.
INFANCIA:


Gunnm se empezó a publicar en España, como sabemos, en 1993 con el título "Alita, ángel de combate", que es traducción del título estadounidense. El título japonés de la 1º historia/capítulo/arco argumental es "Ángel oxidado" (no estoy seguro de que sea una traducción fiel del japonés) y se puede ver, sin mucho esfuerzo, como la infancia de Gally/Alita. La historia es lineal y no tiene mucha ciencia: comienza (de una forma visualmente magnífica) con Ido, un ciberdoctor del Patio de los Desperdicios, encontrando en el vertedero de Salem, mientras busca basura cibernética recicable, la cabeza de Alita. Tras comprobar que sigue funcionando, a pesar de tener entre 200 y 300 años, decide llevársela a casa y reconstruirla. Así descubrimos que Alita está amnésica. Paralelamente a estos acontecimientos, un monstruoso ciborg psicópata, Makaku (macaco?), esta actuando en el Patio de los Desperdicios. Alita poco después de ser reconstruida se hace cazarrecompensas de modo que se cruza y se enfrenta con Makaku en una lucha agónica. El triunfo, lógicamente, es para esta última.
Un argumento, pues, ni original ni complejo. La típica historia donde el héroe se enfrenta al monstruo para defender a la sociedad (aunque aquí no se hace sólo por motivos altruistas), sufre mucho y triunfa. Lo importante está, entonces, en los detalles. Estos dibujan esta historia como el (re)nacimiento y el crecimiento de Alita, el cual acaba provocando un conflicto con Ido. Un conflicto claramente paternofilial, pues estalla cuando Alita, el hijo, decide un futuro para sí misma distinto al que Ido, el padre, había elegido. Ido quiere mantener a Alita a salvo de la mísera y cruel vida del Patio de los Desperdicios pero Alita no quiere eso. Ella acaba triunfando porque Ido acaba asumiendo la verdad de que ella no es su criatura (Gally, como Ido bautiza en el original a Alita, es el nombre de su mascota muerta) y que no puede imponerle una identidad, ya que a las personas no se les puede definir desde fuera. Idea revolucionaria, no para nosotros, pero sí para los japos pues, como saben, allí aún la libertad de elección no es visto universalmente como algo lógico y natural. Muchos padres siguen imponiendo a sus hijos una profesión o una meta o concertándoles matrimonios.
Alita escoge ser un guerrero porque es la forma que tiene, tanto de madurar como de conectar con su pasado olvidado. Parece que para Kishiro es en el peligro y en la lucha donde se ve realmente quienes somos. Aunque también puede ser que un guerrero como Alita sólo puede conectar con sus instintos y su inconsciente dando hostias. Que sólo combatiendo puede rememorar. Seguramente por eso lo 1º que recuerda es el Panzer Kust, el arte marcial ciborg (y 1º pista de la germanofilia de Y. Kishiro). Así tenemos la metáfora, muy común en el manga, de la vida como lucha constante. Solo que, como estamos hablando de japoneses, la victoria es lo que importa, es lo que la hace a uno progresar. Recordemos que Japón es una sociedad muy competitiva. De las derrotas, allí, no se aprende (sin duda por eso Japón ha decidido disimular su derrota en la 2ºGM y los japoneses tienen un temor patológico al fracaso). También es la expresión de la idea de que venciendo a los demás en la lucha es como uno se va definiendo a sí mismo.
Analicemos, pues, un poco el combate en Gunnm. Luchar permite a Alita rememorar, encontrar una identidad (recordemos que está amnésica, algo no fortuito, pues la identidad reside en la memoria) y ser independiente. No sólo le permite independencia económica y vital (un cazarrecompensas no tiene jefe), sino también le proporciona libertad (la capacidad de luchar y la libertad son una misma cosa en las sociedades guerreras) y un propósito. Lo que nos conduce al binomio japonés o la unión íntima para la cultura japonesa entre la identidad y el propósito, es decir, somos lo que hacemos (de ahí las decenas de mangas sobre profesiones o el tópico leitmotiv de sus pjs: buscar ser el mejor en algo). El propósito es la semilla que nos hace madurar ("crecer sobre sí mismo" hace decir Kishiro a Alita). Otro aspecto a tener en cuenta del combate en Gunnm, es que este lleva a Alita a cambiar de cuerpo. 1º era una cabeza (bebé), luego tenía un cuerpo frágil (niño), inadecuado para la vida que ha elegido, por lo que vuelve a cambiar de cuerpo (sin duda metáfora de los cambios que trae la adolescencia). El nuevo es un modelo conocido como furioso/descontrolado/berserker/salvaje. Un modelo bélico que tiene el peligro de descontrolarse (un guiño a la vieja metáfora del caballo y la brida?), es decir, de controlar a su portador para convertirle en una warmachine. Aquí esta la prueba de madurez que Alita ha de superar: no debe dejarse dominar por su cuerpo ("La mente no es más que un juguete del cuerpo" dice Makaku citando a Nietzsche). De esta forma, Kishiro disocia el cuerpo de la mente (recordemos que Alita sólo tiene de humano, de carne, su cerebro), así que como nuestra identidad está en la mente y no en nuestro cuerpo  (una de las tesis de la obra) podemos cambiarlo. Esta dialéctica, no podía ser de otra forma, también está en su adversario, Makakau, ya que también esta reducido a una cabeza. La diferencia es que este es un monstruo porque se deja dominar por el poder de su cuerpo. También hay que ver en esto metamorfosis y evolución, como por ejemplo en los célebres pokémon, como alternativas explicativas a la maduración y, la concepción del cuerpo como una herramienta limitada que, por eso, debe cambiarse. Lo que hace a la cibérnetica ser una forma de evolucionar, de transcender, de ir más allá de los límites impuestos por la carne. También es una visión del cuerpo como algo especializado que mediatiza. Los cuerpos ciborg que dibuja Y. Kishiro siempre están especializados. Sus formas y capacidades están orientados a la profesión del ciborg. El cuerpo no es polivalente. Por último, hay que recordar que el mundo de Gunnm es un lugar despiadado ya que la ley del más fuerte prima en él (lo cual lleva a Alita a preguntarse si la vida es fea o bonita, un pecado o un don, un pensamiento que refleja la angustia dolescente), por eso Alita decide consagrarse a la lucha con fines egoístas. Es decir, no por hacer el Bien (y recordemos que estamos en un mundo distópico), sino para satisfacer tanto la necesidad de un proprósito vital como la de recuperar su identidad. Aspecto importante que no hay que olvidar.
El antagonista de esta historia no es un pj genérico o sin profundidad. Tampoco es el típico villano inhumano al que es fácil odiar ni el típico villano al que se acaba compadeciendo porque es una víctima. Es así porque Kishiro logra un equilibrio entre ambos extremos pop. Lo que es  una de las mejores cosas de esta historia y de la serie, ya que la ausencia de maniqueísmo contribuye a dar credibilidad, complejidad y realismo. De quien estamos hablando es de Makaku. Un pj similar a Alita al ser otra persona a la que un doctor le proporciona un cuerpo que cumple sus deseos. La diferencia es que Makaku pide el cuerpo de un monstruo. Es su deseo porque es el producto de una sociedad tan despiadada como la nuestra (recuerden que la sociedad de Alita es una metáfora de la nuestra). La forma monstruosa que elige Makaku, en parte gusano, en parte serpiente y en parte feto, representa como se siente tras una vida de desprecio, pobreza y marginalidad. Es el mismo principio por el que Alita tiene el cuerpo salvaje: "El alma de un guerrero, necesita el cuerpo de un guerrero". Ha de haber armonía entre cuerpo y mente, este es uno de los temas de esta parte. Como Makaku no controla a su monstruo interior, su exterior es monstruoso y como Alita lo tiene dentro, en su cuerpo salvaje, porque lo domina, su exterior es humano. De ahí el contraste que hay entre la personalidad vengativa y el cuerpo gigantesco de Makaku y la personalidad heroica y el cuerpo humano, pequeño y esbelto aunque poderoso de Alita. Makaku es la cara oscura de la infancia: la crueldad, el egoísmo, la envidia... y, quizás, también el inconsciente, el ello, el monstruo que llevamos dentro. Me hace pensar esto el que Makaku robe cuerpos, es decir, los posea, todos tenemos un Makaku dentro, y que la lucha final tenga como escenario las cloacas. Lo subterráneo, lo subyacente, no es eso el subconsciente? Esto además explicaría porque Makaku es el único antagonista de Alita que no practica un arte marcial. y encaja con su comportamiento de bestia salvaje herida que sólo puede olvidar su dolor cuando lo causa a otros. Por eso,  la victoria de Alita sobre Makaku ha sido porque esta ha aprendido compasión y piedad, los seguros necesarios para no convertirse en un monstruo. Así, Alita, como ha superado las adversas circunstancias de su infancia que podían haberla convertido en un monstruo a diferencia de Makaku, al final de la historia conserva la humanidad  y pasa a la adolescencia.  De esta forma, en esta 1º parte quedan establecidas las 3 principales constantes de Gunnm: viaje de autoconocimiento, combate como rito de paso o iniciación y victoria entendida como autosuperación.
Detalles secundarios en esta 1º historia que no deben pasar desapercibidos son: el bar Kansas, localización importante en el 1º/3 de la serie, que Desty Nova es el dr. Frankenstein que ha creado a Makaku, como aquí es una sombra misteriosa nada indica que va a ser un pj crucial en Gunnm, y la introducción de Koyomi, pues es el bebé a rescatar.
ADOLESCENCIA:

La 2º historia se titula "Lágrimas en un ángel" (el japonés es doncella de acero). Quizás es la más floja de toda la obra. Es la historia del 1º amor de Alita. Un contecimiento importante para autoconocernos y madurar (sólo tras él es cuando dejamos de ser niños). El pj que hace tilín a Alita es Hugo/Yugo que, a diferencia de ella, es un humano adolescente, por lo que descubre a Alita lo diferente que es un humano con cuerpo cibernético y lo frágil que es un humano orgánico. Quizás la imposibilidad de sexo (Gunnm es un manga asexual) es algo que convenga analizar.
La historia es demasiado melodramática y topicona y por eso aburre a pesar del buen hacer de Y. Kishiro. Es en la única historia donde no aparece Desty Nova y donde el enfrentamiento marcial es secundario. El combate importante para el viaje de madurez de Alita es su relación con Hugo. El sueño que este tiene, ir a Salem, es lo que provoca el conflicto de esta historia, ya que Ido (como figura paternal que es) intenta hacer ver a Alita y a Hugo que es un sueño imposible (recordemos que Alita terminó la anterior historia queriendo luchar sin más precisiones, pero ahora su objetivo es ayudar a Hugo en su sueño y, naturalmente, acompañarle). No le hacen caso de forma que, por desgracia, la historia tiene un final trágico.
Como acabo de mencionar el enfrentamiento de este arco argumental es el que hay entre el amor a otro y el propósito-identidad ("aunque sea un sueño estúpido, aferrarme a él es mi única prueba de quién soy!" dice el objeto del amor de Alita). Para Y. Kishiro, si el propósito-identidad prima, el amor no puede sobrevivir o triunfar, ya que el 1º es la dedicación absoluta y entregada a la consecución de un anhelo, un deseo, una meta, de la que se espera un efecto transformador que traiga consigo la felicidad. De esta forma, el antagonista es Hugo, que creo que hay que verlo como otro Makaku porque son semejantes. Ambos, Hugo y él, son parias, son seres marginados del Patio de los Desperdicios, ambos son jóvenes y han tenido una vida muy dura, ambos han tenido una figura paternal negativa (Hugo a Vector, un empresario a servicio de Salem que ha alimentado los sueños del 1º para su propio beneficio) y ambos tienen el mismo sueño, dejar de ser un paria, aunque expresado de diferente forma. Makaku, desde la amargura y el resentimiento, quiere convertirse en alguien poderoso y Hugo, desde la esperanza, quiere convertirse en un privilegiado ciudadano de Salem. Lo último que tienen en común es que su sueño no se cumple.
Lo crucial de esta parte es que la pérdida del 1º amor hace a Alita consagrarse sólo a sí misma, a su proyecto. De este modo se hace patente lo apuntado en la anterior historia, la soledad del camino del héroe. La constante competición y la meta de la autoperfección exigen total libertad y dedicación por lo que excluye a los demás, ya sean amigos, ya sean amantes.
Y bueno, pues aquí terminamos. Como ya dije en el anterior post sobre este tema, por favor, opinad, sugerid, añadid y matizad. No os guardéis nada.

23.11.09

Al final hubo 4º año

Hoy vuelve a cumplir el blog un año más. Y la verdad, ya no sé qué decir para no repetirme porque 4 años son demasiados, creo que los años de un blog son como los de los perros, 7 humanos. Tras 4 años tener un blog ya no parece algo extraño o extraordinario. A estas alturas es una rutina más, un hobby más, así que realmente cumplir otro año no es que despierte en mi emociones y sensaciones que nunca he sentido. Naturalmente me alegro de haber cumplido otro más y no haberlo dejado por cansancio y desencanto. La reducción a 2 post semanales, una mayor selección de lo posteable y una mayor soltura a la hora de escribir han hecho que las cosas negativas de tener un blog fuesen perdiendo peso a lo largo de este 4º año. Creo que la mejor prueba son los post anuales. Supongo, o es previsible, que cuando acabe 2009 habré escrito unos 80, lo que son 19 menos que el año anterior, pero una caída mucho menor que la que hubo entre 2007 y 2008. Así que las previsiones son que este 2010, de mi vida seguir igual (supongo que sí porque el país no va a crecer al 3% en el 2010), pues la cifra será similar a la de este año. Y es que de momento el blog es un hobby que no concibo dejar de practicar.
Este año ha sido mejor que el anterior. Ya hablaré un poco más detalladamente en los post que dedique a hacer los tops de comics y de pelis de este 4º año, pero este año, en cuanto a novedades se refiere, ha sido más satisfactorio que el anterior. La producción fresca sigue siendo mediocre, pero ha subido en calidad. Ahora las series regulares son más entretenidas y se han estrenado pelis que me han movido a ir a las salas de cine, de forma que este año he ido al cine más veces que los años anteriores más inmediatos. No obstante, como digo, seguimos instalados en una plomiza tranquilidad porque en lo creativo, tanto en Cómic como en Cine, apenas se mueve algo y seguimos huérfanos de creadores geniales.
Por otro lado, el próximo año se presenta incierto. Creo que la crisis y la evolución de la sociedad (es decir, internet) va apretar más las tuercas a los medios tradicionales de entretenimiento de los que se habla aquí. Los cines siguen perdiendo espectadores por lo que Hollywood, para compensarlo, ha decidido exprimirlos, lo que ha tenido resultados nefastos porque sus pelis son, como mucho, mediocres. Eso no atrae espectadores o no invita a repetir y, al haber desplazado al resto de cinmetografías de nuestros cines (nunca como hoy el cine estadounidense ha dominado las carteleras), los resultados son aún más nefastos porque, aunque quieras ir, no puedes porque no hay nada que merezca la pena. Menos mal que en Madrid hay un poderoso circuito de cine vose, porque sino, la mitad (o más) de las pelis que me llevan al cine ni las habría olido ya que, por lo que tengo entendido, los multicines de provincia sólo se han hecho para echar cine comercial estadounidense, ese que hoy es tan patético. Y las productores en vez de entender que parte del problema es que hacen pelis de mierda basadas en reglas caducas, han decidido que la culpa es de la tecnología, no de ellos (en eso parecen españoles), y ahí estan intentando vender que el cine 3D es la solución. No creo que lo sea, yo lo veo como una alternativa más, pero desde luego no va a ser una solución si las pelis que se van a hacer en 3D, tal y como sugiere pelis como "Avatar", son tan patateras como habitualmente.
Al Cómic le pasa lo mismo (aclaro que hablo de España sólo), aunque el problema no es creativo (también porque el mercado es más variado tanto en nacionalidades como estilos) sino editorial. Este año se ha operado un cambio, que no creo motivado por la crisis pero sí azuzado por ella. Este año los comics baratos han retrocedido, los formatos de lujo no cuajan, yo veo así el que estos no se mantengan sino que muten (sin hablar de los Masterworks), los BoME pasan a ser deluxe y los absolute tochales, y la cantidad de novedades mensuales ha ido bajando conforme avanzaba el año (aunque más que una bajada general, ha sido de algunas editoriales como PDA y Norma).
El asunto yo creo que esta en que las editoriales no han sabido abrir el mercado y, por lo tanto, todo lo que han crecido estos años a rebufo del Cine y de entrar en nuevos circuitos de venta, pasado la euforia, lo tenemos (bueno, eso se pretende) que soportar los coleccionistas. Yo creo que es más o menos evidente, aunque me imagino ahora a Viturtia con la boca llena de espuma por la rabia que le debe estar provocando mi alegre y temeraria especulación sin red. Lo apuntó Panini en verano dejando claro que su sustento son las tiendas especializadas. Ese es su mercado, de modo que este sólo va a crecer según la gente de buena voluntad vaya abriendo comiquerías (yo siempre he sospechado que eso esta tras las tiendas Norma), cosa que con la crisis parece que va a ser lo contrario. Esa es la estrategia de crecimiento de Panini, depender de otros para ello. Lo que deja claro esa carta es que Panini ha tirado la toalla en las librerías y en el kiosko. Que tampoco es que sea culpa suya, es lógico que los comics sólo quepan en grandes librerías ya que salen muchas novedades al mes, por lo tanto, eso deja muchos sitios en España fuera porque no pueden mantener una librería tipo Casa del Libro o FNAC. Por otro lado, si el kiosko esta en crisis no es porque ya no se vendan grapas allí. Vamos, que se ha tocado techo y ahora toca reducir tamaño porque no se cabe. Por otro lado PDA y Panini coinciden en que lo que mantiene su chiringuito son los supers, lo cual reafirma que somos los coleccionistas los que seguimos siendo la parte más grande del pastel. Que el comprador ocasional o el comprador que no le interesan los superhéroes o nunca estuvo o ha desaparecido. Esto último es lo que indica la supuesta crisis o declive del manga en España. Es comprensible porque es un sector fundamentalmente adolescente, los que somos mayores no nos acercamos mucho porque no hay mucho donde elegir ya que casi todo son productos para público juvenil, el cual, como todos sabemos porque lo vivimos en su momento, no tiene mucho dinero (siempre que voy a comprar, que es todas las semanas, oigo al jovenzuelo de turno quejándose de que no tiene dinero para todo). También creo que el reconocimiento indirecto que ha hecho Hernando de que Vertigo no vende mucho (como la BD), apoya lo que estoy escribiendo, que en España poco público hay que no sea fundamentalmente pijamero y/o mortadelero. También creo que el frikismo editorial apoya lo que estoy diciendo porque, quiénes se compran la "ediciones de coleccionistas", que son fundamentalmente de superhéroes? Pues eso, los coleccionistas de toda la vida. Este factor esta matando el cómic barato. No sé porque este año ha sido la confirmación de las ediciones frikis. No se puede discutir, ahí estan el nº 3 de Crisis Final de PDA, los tomos Powers de Panini y el Astro City de Norma. El último Powers y el AC, son 20€ por 6 grapas! Cuánto valdría eso en bigrapas o trigrapas, es decir, si cuanto más páginas más barato, cómo se explica eso? Este año los comics que valen al menos 1/3 más porque los extras se pagan, han aumentado hasta hacerse algo rutinario. Ahora es difícil encontrar una 1º edición pelada y todo indica que va a seguir o ir a más, ya que estamos pasando por el aro. Esta evolución no la entiendo, es que lo que queremos comprar son los extras? Si el cómic no lleva extras, no interesa? Qué cojones ha pasado? Quién tiró la 1º piedra? En fin, que a mi este 4º año me huele a que va a ser el último de la era de los comics baratos (me imagino que cuando todo sea digital la era volverá).
Y bueno, pues ya termino -que me he enrollado mucho- con el consabido final de los Oscar. Dando las gracias. Gracias a todos aquellos que me leéis, muchas más a los que se animan a comentar (aunque sea sin leer) y aún más a mis seguidores. También un saludo especial y cariñoso a Dani, Fer y a Ternin por seguir ahí desde el principio, a Hellpop, a Zimmerman, a Lucas, a Jose y a Ismael por su compañía y también a PAblo y el gotico (ambos grandes blogueros), nuevos y activos frecuentadores del blog. Tampoco voy a dejar pasar la ocasión de saludar a mi azote catalán particular. A todos gracias porque este 4º año es en parte culpa vuestra (así que espero que no os avergoncéis del resultado:) y espero poder manteneros este nuevo año que se inicia.

19.11.09

Critiquita 287: All Star Superman, G. Morrison y F. Quitely, Planeta DeAgostini 2009

Gracias a la biblioteca del barrio donde vivo por fin he podido leer el cómic del año. Lo 1º decir que no soy un conocedor del pj. Soy de los que le tenía prejuicios por ser demasiado poderoso y demasiado bueno. Pero en cuanto he podido asomarme al pj (y a su microverso), me he encontrado con que es muy interesante. Con que tiene muchísimas posibilidades al tener la simplicidad de los mitos y un componente muy importante de CF pues, al ser tan poderoso, muchas amenzas tienen que ser futuristas para suponer un reto. Es un poco como el Thor marvelita. La mayoría de sus aventuras o son mitológicas o cósmicas ya que en la Tierra hay pocos retos que le hagan sudar. Aún así, afronto la lectura del "cómic definitivo de Superman" con pocas lecturas, de modo que mi acercamiento esta poco mediatizado.
Lo 1º que voy a decir sobre este cómic es que no me parece tan bueno como muchos dicen. Dentro de las obras de Morrison me parece que es de 2º fila (aunque esa 2º fila es mejor que las mejores obras de la mayoría de los guionistas del género) y dentro del género tampoco me parece que sea la leche, no es profunda, ni innovadora, ni tampoco brillante, ni siquiera la veo revolucionaria o revulsiva. Me parece un gran cómic del género porque es entretenido y maravilla, pero me parece demasiado ligero y facilón como para estar entre los mejores. Por eso no creo que sea el "cómic definitivo de Superman", quizás lo sea ahora mismo, pero creo que ASS aunque es un gran cómic de Superman deja espacio para que pueda ser superado.
El trabajo de Morrison parte de ideas suyas esbozadas en su etapa en la JLA, especialmente en su saga DC 1.000.000. En ese aspecto Morrison no se descuelga con nada novedoso, aunque tampoco se trataba de eso, por lo que da igual. Lo que intenta Morrison, y consigue con creces, es escribir un cómic sobre un superhéroe de verdad para recordarnos como son, porque muchos no lo saben, principalmente la muchachada que moja las bragas con Bendis-Quesada que es una recién llegada y, por lo tanto, no ha tenido la oportunidad de leer comics protagonizados por superhéroes de verdad. Lo mejor de ello es que lo consigue sin moralinas, sin sensiblerías, sin cursilerías. Superman es un superhéroe clásico, pero eso no pasa por hacerlo ingenuo, simple o santurrón. Superman es un superhéroe, es decir, un tipo duro (emplea la violencia) e implacable (castiga el mal allí donde ocurre), pero no es un justiciero o un ególatra porque es un tipo bondadoso y altruista. Nunca juzga con severidad (eso es muy humano) y no da a nadie por perdido (ni siquiera a Luthor), de esta forma, lo que le hace admirable no es su poder (lo que hizo a los 90 tan malos y lo que esta haciendo esta década tan mediocre), sino su bondad y su optimismo. Eso le hace admirable y esperanzador y es lo que ha hecho que el género sea sinónimo de mainstream y sea preponderante en EE.UU. durante más de 40 años a pesar de lo mucho que ha cambiado el mundo. Eso es lo mejor de este cómic, pero por lo demás, no me parece sobresaliente. Superman esta admirablemente retratado, igual que Luthor, pero menos, e incluso es creíble y verosímil un tipo tan surrealista como J. Olsen, pero no aporta nada más. La interacción entre Superman y la humanidad apenas esta esbozada. Morrison prácticamente se queda en la influencia que la humanidad (de los Kent) en Superman, pero apenas desarrolla su influencia en la gente. De hecho, casi pinta a los humanos como niños temerarios que se irían al garete si no contaran con una presencia superheroica. Esa me parece la gran carencia del cómic, se centra demasiado en Superman y su microverso, prácticamente nadie que no es del círculo de Superman tiene frase, y yo creo que este cómic debería haber incidido en como Superman, como paradigma del superhéroe por eso de ser el 1º, el que inspiró a todos los demás, el que creó el único género de ficción nacido en el siglo XX y el único creado por el Cómic, influye en la gente. Es por eso que, aunque ha retratado muy bien a Superman y el superheroísmo que representa, no deja de ser una historia del género más. Me ha parecido una lectura agradable pero no he encontrado en ella nada especial o memorable. Hay esta la increíble bondad de los Kent, Luthor siendo Luthor como los demás secundarios son ellos mismos, las aventuras son las de siempre, Superman siempre gana, etc. No hay nada nuevo en ASS, sólo retrata al pj de forma finísima y total, pocas veces un superhéroe ha sido escrito (y dibujado) de forma tan sólida y verosímil, tan creíble y exhaustiva, pero eso, aunque no es poco, sí me parece que lo es para ser uno de los comics más importantes del género.
Quitely esta en la misma honda que Morrison, excelente pero ligero. El tipo es un maestro dibujando comics a pesar de sólo ser un dibujante notable, porque es la leche en todo lo demás, en lo importante, en lo que distingue a un dibujante de comics de un ilustrador. Compone magníficamente, con sencillez pero con elegancia, pertinencia y armonía, es un maestro con la gestualidad y aquí voy a extenderme un poco, porque es, para mi, lo más alucinante de ASS y su único punto brillante. Es asombroso el grado en que Quitely conoce la gestualidad humana y es capaz de dibujarla. Nunca he visto nada igual en un cómic. Es el único que ha conseguido hacer creíble el binomio C. Kent/Superman, es decir, ha conseguido algo que nadie (bueno, con reservas, que no he leído todos los comics donde sale Superman) había conseguido hasta ahora. El C. Kent de Quitely no es Superman con americana porque él es capaz de plasmar en papel la torpeza, la timidez y la mediocridad. Esto es abracadabrante y la clave de todo el cómic, sin eso, el trabajo de Morrison no habría podido despegar. El único pero que se le puede poner es que debía haber dibujado las gafas de Kent deformantes, de culo de vaso, y con eso ya sí que hubiera sido imposible ver a Superman en C. Kent. Además de todo lo anterior, Quitely narra excelentemente, pues controla el ritmo, la secuencialidad y siempre sus viñetas son una excelente elección, y tiene otra cualidad sobresaliente, que muy pocos tienen, que es un punto de clasicismo. Es decir, que dibuja como esculpían los griegos clásicos. Todos recordamos como nos decían en el cole que las esculturas griegas clásicas son la congelación de un movimiento. Viendo el ejemplo más paradigmático de esto, el Discóbolo, uno puede imaginarse los movimientos que le han llevado a esa posición así como los movimientos que la seguirán de modo que, aunque sea una escultura, se mueve. Esta cualidad la tienen las figuras de Quitely, esto es lo que hace que su estilo sea tan fluido, majestuoso y plástico, sus figuras no son estáticas, no son hieráticas. Aunque es cierto que en esto también influye el entintamiento y el color, pues cuanto más tinta y color tiene una figura más congelada esta y así llegamos a los grandes dibujos pero pésimas viñetas de Ross o a las mediocridades de Lee, Deodato, etc. En fin, aunque en mi opinión a Quitely le falta muchos fondos para poder decir que es un trabajo brillante, me parece que es el que mejor esta en el cómic. Sin él, Morrison habría transmitido la mitad o menos. Es decir, el cómic habría impactado menos.
Un nota breve sobre el color -No ha sido entintado- Los lápices de Quitely han ido directamente al colorista que, como tal, no ha sabido qué hacer con estos, como se ve que algunos los colorea y otros los respeta. Creo que eso ha sido un error, pues, en mi opinión claro, muchos trazos de Quitely estan hay de más. Quitely los hizo porque al dibujar en b&n los necesitaba para ayudarse a imaginar el resultado final y para guiar al colorista con el volumen y la luz. Un entintador habría sabido distinguir cuales valen y cuales no, además de que hubiera aportado más nitidez al dibujo, por tanto más contundencia, algo que en muchas viñetas habría venido bien, sobre todo en las que el rayado de Quitely enturbia. De esta forma, saltarse un paso, creo que ha restado calidad al dibujo. Por otro lado, el color es demasiado soso. Creo que en este caso, que se buscaba hacer algo icónico, un color sobrio pero con degradados esta fuera de lugar. Se tenía que haber apostado por el color clásico plano. Eso habría dado contundencia (perdida por pasar de las tintas) e iconocidad (lo que buscaba Morrison). Así, el color aplicado de esta forma, aunque cumple el objetivo de dejar que el dibujo de Quitely luzca por sí mismo, resta potencia y atractivo a ASS.
Así pues, me alegro de no comprármelo (aunque si estuviese en grapa caería) porque, aunque es barato (20€ es una ganga por esa calidad de edición, con sus errores porque PDA tiene que hacerse notar en sus productos, ese tamaño respetado y 12 buenas grapas), no me ha llenado lo suficiente. No voy a echar de menos no tenerlo en mi librería. Empieza bien, siendo prometedor, el nº 2 realmente hace salivar, pero en seguida Morrison ya nos informa de que esto va ser un vuelo a poca altura y ligero. El hecho de que el nº 5 sea el mejor de todos ya ejemplifica muy bien lo que trato de decirles. Si el 5 es el mejor, quedan 7 que no estan a la altura y eso no es bueno. El nº 5, el de la cárcel, sí me ha parecido una obra maestra, sobre todo por Quitely, porque sin él las ideas de Morrison habrían sido invisibles (imaginénse el ASS dibujado por Deodato o Lee; el horror como se suele decir). Qué bien funciona el trío Kent, Superman y Luthor, qué bien Superman borda su papel de Kent, qué bien queda retratado Luthor como un idiota megalómano. En fin, magnífico. Otra cosa que me ha gustado de ASS es la sutilidad con la que Morrison y Superman dejan en evidencia a Luthor, al dejar claro que nadie le ha impedido hacer el Bien y superar a Superman como benefactor de la humanidad. Si se piensa, es cierto, porque en la sociedad de hoy, un gran empresario es mucho más influyente que un superhéroe ya que este se niega a romper al status quo, mientras que es precisamente gente como Luthor quien crea el status quo.
Antes de terminar quisiera hablar de la edición de PDA. Yo no la he comprado y creo que nadie que sea pijotero con la edición debería pillarla. Su error gordo no deja de ser banal, pero es un error mayúsculo cuando se comete en una edición de lujo. Si planeas una edición cojonuda tiene que ser perfecta. De qué vale su tapa dura y su papel de calidad si luego la cagas de esa manera? Además, que las portadas aquí son algo más que fan service o reclamos marquetineros, son consustanciales a la historia, de forma que el error es casi como si se hubiese omitido la página de un libro. Yo lo hubiera asumido en una grapa, en un BM/CDC o en un tomo barato, pero editada así creo que comprar ASS no es constructivo si reclamas ediciones deluxe, BoME, absolute o simplemente sin errores, máxime cuando hay 2º ediciones o cosas así, es decir, ningún fetichista u objetofilo se iba a quedar sin él. No hay que ser siempre en estos casos un histérico o comportarse como un niño en plena etapa anal.
En fin, ASS es un cómic muy interesante e incluso lectura imprescindible pero tampoco supone nada novedoso o genial. Aunque quizás es que yo me despisté y me tomé este cómic como si fuese algo más que un buen cómic de Superman y, por tanto, al leerlo, me ha fallado. De este modo, no es la POM de Superman o Morrison pero quizás lo sea de Quitely, quien aquí, con carencias más que fallos, esta inmenso dejando pequeñitos a la gran mayoría de los dibujantes que han pasado por el género. Si recuerdo ASS no será por Morrison o por una maravillosa caracterización de Superman, sino por Quitely y ese espléndido nº 5.

17.11.09

Relecturas LXXIV: El Conan de J. Owsley parte II: La Saga de El Devorador de Almas

Continuamos con la excelente etapa de J. Owsley, que no es otro que C. Priest. Así que pasamos de saga a saga. De la de Treta a la de El Devorador de Almas, pj creado en la cole de La Espada Salvaje de Conan.
Esta saga comprende los nº 187-200 y el anual 12 estadounidenses que forum publicó a lo largo de 1987 y 1988 en los nº 114-7 y 124-136 de su versión de esta cole. La razón del hiato es que forum publicó en medio unos anuales con el fin de establecer una distancia temporal entre la edición estadounidense y la española (recordemos que esta última era quincenal y la 1º mensual).
La saga de El Devorador de Almas fue durante años mi historia favorita de Conan. En mi adolescencia flipé bastante con esta interesante y visualmente atractiva saga plagada de acción. Tras la última relectura he de decir que ahora me parece mejor la anterior saga, porque la saga del Devorador de Almas es irregular y, en mi opinión, esta algo deslabazada, detalle que aumenta mis sospechas de que Priest escribía a golpes sin un plan muy claro. Si la serie se lee mensualmente (su cadencia natural) la saga parece más coherente y sólida de lo que en verdad es.
Antes de analizar con algo más de detalle una de las mejores historias de la cole de Conan el Bárbaro, hay que hablar del Especial Primavera 1987 forum, el cual incluye el anual 6 y el nº 186. El 1º está dibujado por G. Kane y escrito por R. Thomas y pertenece a la primera etapa de este guionista en Conan el Bárbaro, concretamente a su último año. Es un cómic flojísimo no muy favorecido, en mi opinión claro, por los dibujos de G. Kane, un gran narrador pero con un estilo poco adecuado para la Era Hibórea. El nº 186 es un fill in a cargo de D. Kraar y M. Docherty (que volvería a la cole años después como dibujante regular). Una historia marinera con espíritu folklórico, que recuerda mucho a la etapa de R. Thomas, que hubiera estado potable si el dibujante hubiera estado fino. También hay que hablar del anual 11, "Ojo por ojo", hecho por J. Owsley y E. Chan, nº 122 y 123 de la edición forum. Es una historia atípica, con mucho humor negro y cierta misoginia que a mi, recién llegado a la adolescencia, me impactó bastante ya que no había leído nunca historias del estilo de esta y además, como he escrito, es una historia muy exótica para la cole e incluso para el concepto Conan. Owsley nos la cuenta muy bien y E. Chan, como es habitual, dibuja con modestia y narra con pericia, de modo que es una historia que, a pesar de que se sale del scope de la serie, esta entre las mejores de la misma.
Tras esto, en el nº 187, comienza la saga de El Devorador de Almas. Historia que se puede dividir en 3 actos. El 1º une la anterior saga con la nueva y termina en el nº 190. El 2º acto es el nudo, va desde el 191 al 199, y en él, como debe de ser, la historia va progresando hacia el clímax final, el último acto. Que comprende el anual 12 (último de la cole) y el nº 200 (naturalmente especial y por ello de más extensión), en este acto Conan y el Devorador de Almas se enfrentan por fin, con lo que el conflicto que se inició en el nº 187, que llegó a amenazar la existencia de la Tierra, se resuelve.
La 1º parte es, tanto el inicio de la saga de El Devorador de Almas como el epílogo a la saga de Treta. Al final de esta, Conan ha quedado como el poder supremo de una El Sha Maddoc semidestruida. Al principio de la saga de El Devorador, Conan rechaza la corona (dice que se sabe destinado a reinar pero que no es el momento) conformándose con ser el valido de Jahli, hijo bastardo de su actual amante, Aneka, y del anterior monarca. El conflicto de esta saga comienza porque resulta que El Sha Maddoc es una pieza clave del circuito comercial de una sociedad mágico-secreta, el Consejo de los Siete, unos inquietantes ancianos (lleva cada uno una corona de espinas, aunque en los posteriores nº J. Buscema los dibuja sin ella, ignoro el porque). Estos, viendo que han dejado de controlar El Sha Maddoc y que se enfrentan a Conan, no se les ocurre más que la genial idea de resucitar a El Devorador de Almas, un ser de otro mundo, poderesísimo y malvadísimo por supuesto, que odia a muerte al bárbaro. Esta 1º parte termina con el fin del conflicto entre el consejo y Conan y, por tanto, con la liberación de El Devorador de Almas de su servidumbre, o lo que es lo mismo, la libertad de El Devorador de Almas para maquinar contra Conan. Así pues, la auténtica guerra comienza ahora. Esta parte tiene el nº 188 (115 forum), "La hora de los asesinos", que durante bastante tiempo fue mi nº favorito de la cole. Dibujado con sobriedad, pero con mucha eficacia por J. Buscema (con una splash page ejemplo perfecto de su trabajo que me impresionó mucho de joven), donde Conan se enfrenta en la arena a un ejército de asesinos. En aquellos tiempos me pareció el colmo de la violencia, la épica y la virilidad. Esta parte de la Saga de El Devorador de Almas termina, como ya escribí, en el nº 190 que es muy importante porque es el último nº de J. Buscema (comenzó en el 25) con lo que termina todo una época de la cole, de forma que a partir del 191 podemos hablar de Conan el Bárbaro como una cole totalmente moderna.
La parte central comienza con Conan al servicio del nuevo poder de El Sha Maddoc, quien le odia pero no puede hacer nada contra él ya que es la leche. Por eso, El Devorador de Almas encuentra un aliado en él, iniciándose así una conspiración en la sombra contra Conan y la camarilla que este formó en el acto anterior. Esta venganza se mezcla fortuitamente con los Antiguos Dioses, de forma que las apuestas suben. De una venganza al más puro veterotestamentario pasamos a la búsqueda del poder de los Antiguos Dioses por El Devorador. Naturalmente, estos deciden utilizar a Conan para impedirlo. Así, la saga transcurre con un Conan ignorante de lo que esta pasando que poco a poco va pillando el tema. Por el camino reaparece Red Sonja, mucho tiempo después de la última vez, a quien Owsley, sin motivo, desliga de su origen divino. Este tramo de la saga tiene el nº 191 (124 forum), "El rescate", que también fue un nº que me enamoró de adolescente por el canto que es al honor y a la valentía. También es interesante el díptico que forman los nº 196 y 197 (129 y 130 forum), "La bestia" y "¡En pie!", donde Owsley hace un paralelismo entre un dinosaurio y Conan, poniendo de relieve que ambos tienen la pureza primigenia o la bondad amoral de la naturaleza salvaje la cual choca con el mundo civilizado, pervertido por eso mismo, que, al no comprenderla, la teme y por tanto quiere acabar con ella.
Finalmente llegamos al final :) Comienza en el anual 12, el único que esta integrado en la cole. En mi opinión esto fue así porque la historia debía concluir en el 200 y a Owsley le quedaban cosas por contar. En este trepidante final, la mejor parte de la saga, Conan ha de ir hasta el infierno para conseguir lo que necesita para derrotar a El Devorador de Almas el cual, mientras, conoce su humanidad en un interesante giro melodramático de la historia que le da al final cierto aire folklórico, porque es el típico relato de engaño al diablo. Así, esta saga entretenida, a ratos brillante y espectacular, termina.
Priest en esta ambiciosa saga continua con lo hecho en la anterior. Un acercamiento de Conan a la Fantasía Heroica, la caracterización de este como un ser hosco y taciturno que no se siente cómodo en la civilización (lo típico del héroe cinematográfico de los 80) y por ello le cuesta implicarse, de forma que es más una presencia que un pj, secundarios que suavizan o median entre Conan y el lector, ya que es difícil identificarse con él, de forma que la cole pasa a ser coral (pero ningún problema con ello, pues los secundarios son carismáticos y encajan muy bien con Conan y con los demás), una técnica narrativa más compleja y una forma de escribir guiones más relacionada con el dibujo. El resultado es una saga interesante y emocionante, llena de sorpresas y bastante compleja, algo inaudito en Conan pues hasta Priest primaba la linealidad y la previsibilidad. Como ya he dicho, es un tanto irregular e incoherente pero es una buena lectura que nos lleva a un final de proporciones épicas, donde se vuelve a poner de relieve la indomabilidad y resistencia de Conan. Este nunca gana por su hercúlea fuerza o su pericia guerrera, sino porque nunca se rinde y nunca se deja dominar por el miedo. Es esto lo que, sobre todo en la etapa de Owsley, acaba asustando al rival y por tanto llevándole a la derrota, porque la determinación de Conan, representada en sus mandíbulas apretadas, le arrebata la esperanza de victoria.
J. Buscema termina aquí su larga andadura. Su trabajo sólo puede calificarse de eficaz. Es un gran dibujante clásicamente minimalista, pero carece de la creatividad necesaria para encargarse de una cole de Fantasía y su narrativa es demasiado sobria, si bien eso es algo más patente hoy en día que cuando hizo su trabajo. Así pues, aunque el logró dar con la imagen perfecta de Conan (ya apuntada por BWS, quien en sus últimos nº ya le dibujaba más hercúleo), que no sólo es su musculatura hiperbólica, sino también un rostro de tosca nobleza y ruda franqueza y el famosísimo taparrabos (con BWS llevaba la típica falda con que lo pop imagina a griegos y romanos), que ya de por sí solo dice mucho de quien es Conan. De esta forma, para mi, J. Buscema duró demasiado en la cole, fue el mejor dibujante que podía contar la saga de Belit, pero después de eso, teniendo en cuenta como era su estilo, sobraba en una cole que transcurría en un mundo de fantasía, que para más inri contaba con el alucinante y sobresaliente precedente del trabajo de BWS. Aunque, quién podría haberse encargado? De todas formas, hay que reconocer que sus 4 últimos nº estan bastante bien con unas tintas de E. Chan que esta vez no se pasan. Su nº 189 (116 forum), "Ritos de inquisición", es un muestrario alucinante de la caricatura (con las tintas de E. Chan recuerda, en ese aspecto, al MAD primigenio) de forma que en este nº hay muchos más rostros diferentes que en todos los tebeos de A. Davis o Manara. Una faceta y una habilidad que J. Buscema casi nunca demostró.
Le sustituyó V. Semeiks y G. Isherwood que son los nuevos J. Buscema y E. Chan, pues las tintas del 2º son muy importantes en el resultado final. V. Semeiks fue un gran sustituto para J. Buscema. Aunque peor dibujante, narra de forma más compleja, no escamotea fondos, se preocupó por dar entidad a la Era Hibórea (con una imaginería que recuerda al cómic europeo de los 80), es más estético (por ejemplo, hace a El Devorador de Almas más fantasmagórico, de forma que deja de ser la criatura pesada, cutre y tosca que era con J. Buscema y E. Chan) y más moderno. Por otro lado, también se preocupa por la gestualidad, compone bien (magnífica la splash page del cadáver de El Devorador pendiendo del brazo de una estatua de Mitra presidiendo un saqueo). En cuanto a Conan, a partir del de J. Buscema, Semeiks nos ofrece un cimmerio más voluminoso. A estas buenas bases de Semeiks, hay que añadir el habilidoso entintado de Isherwood, que le da a todo un aspecto más elaborado y sólido con lo que esta etapa conecta, por ello, con la de BWS, y el color de G. Roussos, de forma que los comics de este equipo son visualmente más redondos, aunque el dibujo no enamora, que los de la etapa del estudio de J. Buscema. Un color que luce mucho al haberse librado del erróneo, para un cómic en color, entintado de E. Chan (Isherwood es de la misma escuela pero, al ser más contenido, deja al color hacer su trabajo). Sigue siendo el color pop, es decir, de puntitos, aunque más compactos, pero gracias a la tecnología, más claro, con una gama más amplia, tonalidades más atractivas y con la posibilidad de aplicarlo más finamente. De forma que estos nº me parecen muy bonitos (mejor que el color por ordenador), ya que para mi es el mejor color para el cómic mainstream porque es muy elocuente, no sepulta al dibujo y nunca cae en el efectismo fortuito. En fin, siempre he pensado que menos es más y los nº de Semeiks, Isherwood y Roussos me parecen uno de los mejores ejemplos de ello, basta con ver el nº 192 (125 forum), "El guardián". Lástima el papel traslucido de la edición forum y del futuro recoloreado de DH.
Así pues, la saga de El Devorador de Almas es una historia competente y bien hecha que se sale un poco del concepto howardiano. Destaca sobre todo por el buen hacer del dibujante, muy competente narrativamente, y por un entintamiento y un color que embellecen el trabajo de este (eso se pondrá en evidencia cuando Isherwood se ausente), de forma que añaden atractivo a los guiones de Owsley haciendo, con ello, más satisfactoria su lectura.

12.11.09

Videados 73: Ejecutivo ejecutor, J. Egleson 1990

Aquí vuelvo después de un parón involuntario (es que me he cambiao de operador telefónico), lo que ha fastidiado mis planes porque se me han acumulado los post que quiero escribir. Así que probablemente alguno se quedará fuera porque, cuando pueda ponerme con él, ya se me habrán ido las ganas o las ideas.
Hoy quiero escribir sobre "Ejecutivo ejecutor". Peli que se sale de la tónica general de la sección cinematográfica del blog, pues esta siempre suele tocar cine con algunos años y con una gran reputación. Bueno, pensándolo bien esta peli tiene ya 19 años (cómo pasa el tiempo!), así que cumple bastante el perfil de pelis que se asoman por aquí.
En fin, "Ejecutivo, ejecutor" es una peli modestísima en medios pero entretenida, divertida y subversiva (el título en inglés "A shock to the System" podría traducirse como un golpe al sistema), que es lo que más me gusta. Tengo el vago recuerdo de verla en un cine con la familia, pero revideándola la he visto tan cutre que me hace sospechar que, salvo que alguno de ustedes también la viese en un cine, es una fantasía. La peli parece a todas luces un telefilm, medios justísimos, elenco y profesionales tras la cámara desconocidos y en muchos casos novatos (a juzgar por el resultado), fotografía cutre, formato 16:9 (es decir se ajusta al 4:3), dura 90'!, etc. pero M. Caine no encaja ahí (aunque explicaría a donde fue el presupuesto). Vaya, veo en internet que se estrenó en cines.
La peli es cutrísima, se ve por doquier la falta de presupuesto, sobre todo en una fotografía no homogenizada y en que se ve cada 2x3 la jirafa. Se deduce que no había tiempo y dinero para repetir tomas o que se rodaba con un cámara novato y un director de fotografía a quien el cargo le venía grande. Pero a pesar de eso, tiene un buen guión, una correcta dirección y a M. Caine, por lo que el resultado final, en vez de ser aberrante, es interesante.
El guión, basado en una novela que tiene toda la pinta de estar bien, es la historia de una típica crisis de los 40. Sólo que aquí son los 80 (aunque la peli es de 1990 es lógico que sea absolutamente ochentera), de forma que esta se resuelve de otra manera. La crisis la pasa un alto ejecutivo maduro que ve como los jóvenes yuppies le sobrepasan por las cualidades inhumanas de la que hacía gala aquella tribu urbana y por su mayor familiaridad con la tecnología (es justo en estos momentos cuando los ordenadores personales comenzaron a ser algo útil). Contra esto, Graham, el prota, M. Caine, se rebela con éxito de modo que revindica a los maduros. Esta rebelión nos es contada de forma hitchcockiana (esta peli me parece que, de estar vivo, habría sido de Hitchcock): humor negro, sátira del matrimonio maduro, mujeres como juguetes, suspense y, sobre todo, género policíaco. Lo que hace sobresalir a la peli, dentro de su modestia, al entroncar con la tradicional atracción inglesa por el asesinato, ese coqueteo morboso con la posibilidad de matar a quien a uno le molesta que esta detrás del gran éxito de la novela policíaca que llegó a su cénit con A. Christie. Así, esta peli se relaciona con "Crimen perfecto", "La soga", "El asesinato considerado como una de las Bellas Artes" e incluso "American Psycho", novela contemporánea parecida pero que, a pesar de ser más exitosa, tardó mucho más tiempo en llevarse al cine seguramente por su audacia.
Lo subversivo de esta peli reside en eso. Aquí el asesinato es justificado, nunca se reprueba, se muestra a las víctimas como merecedoras del mismo y, sobre todo, se presenta al asesino como un ser casi olímpico, lo que justifica ya de por sí el asesinato pues lo injusto es que no sea este el que triunfe. Pero no olímpico en plan fascista, sino en plan cotidiano porque apela a esa parte megalómana que tenemos todos que nos hace considerarnos mejores o más merecedores del éxito que algunas personas de nuestro entorno. De esta forma, esta peli muestra el asesinato como algo válido y legítimo en determinadas circunstancias, de forma que que "Ejecutivo ejecutor" supone la catarsis de la fantasía de cometer un asesinato que, al menos, la gran mayoría de ingleses parece tener.
El director, un total desconocido que ha dedicado toda su vida a la tv, muestra aquí ambición y experiencia, pues consigue sobreponerse a la grave falta de medios para hacer algo más que una dirección funcional y plana. En cuanto puede se monta un plano enfático y estético, juega con la luz, en fin, que trata de ir más allá y como lo hizo con éxito, consiguió una dirección sólida, solvente y atractiva -algo muy meritorio teniendo en cuenta las circunstancias adversas- de forma que logró crear suspense y transmitir.
La pieza imprescindible para que la peli funcionase era el actor protagonista, ya que esta descansa totalmente sobre el prota, de forma que, a pesar del guión y una dirección modesta pero atinada, la peli no habría podido hacer nada contra la cutrez si el actor principal no hubiera sido no sólo un gran actor, sino también un tipo carismático (que en España no sería la mitad de bueno de lo que es si no estuviese tan brillantemente doblado). M. Caine es el que hace funcionar "Ejecutivo ejecutor". No es su interpretación más brillante de su carrera, ni mucho menos, pero esta más que profesional. Ofrece siempre a la peli lo que esta precisa de él y sabe muy bien como manejar su fotogenia. Eso aquí es lo más sobresaliente de su actuación. Como consigue que la cámara saque el máximo provecho tanto de su físico (su cara de pícaro, su agresiva dentadura, como la de B. Lancaster) como de sus peculiaridades o tics interpretativos. De esta forma, M. Caine consigue que Graham conecte con el público, que este se interese por él y, sobre todo, que se alíe con él. Esto es el secreto de la peli, conseguir que el espectador no considere como tal al villano de la peli, de modo que la interpretación de M. Caine cierra el círculo de lo entretenido (por ser un gran actor), de lo divertido (por ser un buen cómico) y de lo subversivo (por hacer perdonable a un villano) que abrió el guión.
Teniendo en cuenta el interés de este, la capacidad del director y lo bien que lo hace M. Caine es imposible no lamentarse de que esta peli no contase con más medios, porque se queda justo en el borde. Podía ser más cínica, más crítica, más espectacular y más emocionante si no hubiese tenido que ir siempre al grano y hubiese podido enfrentar mejores actores a M. Caine. El actor que hace de anatagonista, el poli (el malo de la horrorosa, tanto que no la he visto entera, "El mensajero del futuro"), tiene un aspecto blando y de buena persona que, a pesar su buena actuación, impide que el espectador llegue a creer que supone una amenaza para M. Caine (el director le debería haber ayudado, pero aun así creo que no habría sido posible una confrontación equilibrada) y la chica (la de "Érase una vez en América"), a pesar de que esta muy bien en su papel, su belleza es demasiado ochentera y no tiene mucho carisma de forma que hoy en día, parte de su papel (ser una joven deseable) queda flojo. De esta forma, paradójicamente, el gran valor de esta peli, M. Caine, se convierte a la vez en su gran error. Sólo la esposa de ficción le resiste con éxito en el plano de forma que ayuda mucho a hacer creíble a Graham y, por tanto, a hacer que la peli funcione.
Pero bueno, el resultado es que "Ejecutivo ejecutor", a pesar de su cutrerío, es una peli interesante porque esta bien hecha, cuenta con un guión muy bien desarrollado y tiene a M. Caine. Hubiera sido deseable que tuviese más mordiente y que su falta de medios no aguase el resultado final, pero no deja de ser una peli que, a pesar de su enorme modestia, merece la pena ver.

4.11.09

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte I: Intro

Alita ángel de combate, o como se la conoce hoy, Gunnm, es uno de los mangas más longevos de nuestro país. Comenzó a publicarse aquí en 1993, siendo uno de los 4 1º mangas escogidos por Planeta para introducir esa forma de Cómic en España. Desde entonces se viene publicando (16 años!), si bien es cierto que hubo un parón entre 1999 y 2001. En el 2002 se inició una reedición que finalizó en el 2003. Desde entonces se viene publicando lo nuevo con periodicidad mensual hasta 2005 que pasó a anual. El motivo es que se ha alcanzado la edición japo.
El resultado de esta dilatada edición con una cadencia actual tan lenta es que su lectura, la aprehensión de la historia que el autor nos está narrando, se hace imposible al ser una historia continua con un montón de detalles. Por esta razón, tras hacer una relectura de todo lo publicado y haber hecho unos apuntes sobre el tema, me lanzó a escribir una serie de post donde sistematizar todo y así poder enterarme, por fin, de que va este estupendo manga.
La razón de aproximación informal es que hacer un análisis de la obra serio y riguroso está más allá de mis posibilidades. 1º no se como acometerlo, 2º necesitaría mucho tiempo, y ya sabéis que ser bloguero, como el crimen, no compensa, y 3º me falta bibliografía. Necesitaría saber más de Japón, del autor y del manga y para esto ni hay dinero, ni mucho libro. Por eso, aunque voy a intentar hacerlo lo mejor y más detalladamente posible, la serie de post que me lleve hacer esto no será más que un acercamiento amateur a Gunnm.
Como soy de la generación forum llevo coleccionando Gunnm desde el principio. Desde 1993. Esto quiere decir que yo tengo la 1º edición de la 1º parte de este manga, lo que supone una traducción a partir de una inglesa no muy respetuosa con el original. Aunque se editó por 2º vez con una buena traducción (ambas ediciones son ahora imposibles de encontrar completas), no tengo esta nueva edición en parte porque los acontecimientos finales son distintos, ya que el autor, al retomar la obra, le quitó el final cerrado que hizo en 1º instancia. Por eso, la edición que voy a seguir para la 1º parte de Gunnm es la 1º. Cosa que considero válida porque creo que tener presente el cierre en falso es útil para abordar la comprensión de este manga. En fin, todo este párrafo es para deciros que, debido a esto, Gally/Yoko es Alita (así se la rebautizó en EE.UU.) para mi, por lo que casi siempre, al serme más cómodo y familiar, me referiré a ella con ese nombre. E igual puede que encontréis otros términos viejos, ya que no estoy seguro de haber identificado todos los términos que la nueva y rigurosa traducción ha corregido.
Como este 1º post es una especie de introducción,  voy a tratar de contextualizar el tema para dar una base sobre la que desarrollar el resto de mi aproximación informal.
El autor. Juzgo que es importante porque, aunque el manga es algo industrial y pop, tengo la certeza de que Alita es una obra personal. Es decir, que el autor esta vertiendo sus neuras en este cómic. Por eso conviene saber algo de él. Es Yukito Kishiro y leyendo su obra y lo que dice en ella de él creo que hay que tener en cuenta 3 cosas, aunque evidentemente, como es una persona, hay muchas más variables importantes, en especial la visión particular del futuro que tiene un japonés, ya que este es una persona tradicional que vive en la sociedad más tecnificada, ergo más futurista, del planeta. Estas 3 cosas son que, a pesar de ser japonés, esto es, etnocentrista, es un autor que conoce bastante de Occidente, sobre todo la cultura alemana (los términos del arte marcial cyborg son alemanes), el cristianismo y el cómic occidental (ahí están sus homenajes o guiños a "Sláine" y a "Elektra lives again"), parece que es un tipo depresivo o al menos melancólico o tristón y que el parón antes mencionado se produjo por una grave enfermedad provocada por el estrés que en 1994 le provocó una fobia a dibujar y una sociofobia (lo cual apunta a que fue todo partió de un conflicto interpersonal surgido en el mundo profesional) que le llevó a perder a sus ayudantes. No obstante, quiso continuar (lo que subraya la naturaleza personal e íntima de este manga) solo, pero en 1995 tuvo que rendirse de modo que realizó un precipitado final. El trastorno lo pudo superar pronto pero había perdido su confianza como mangaka por lo que  no podía volver a encargarse de una serie regular. Como terapia decidió hacer historias breves sobre el mundo de Gunnm durante 1997. Aunque no volvió a la serie hasta el 2001. Esto explica el tono oscuro, agrio y melodramático (aparte de que esto último es una constante de la ficción japonesa) que preside la obra. Otro elemento importante que hay que tener en cuenta es que es una obra de juventud. Yukito Kishiro empezó Alita con poco más de 20 años, por tanto, con la angustia adolescente muy reciente.
El título. Varía según el arco argumental pero siempre lleva la palabra Gunnm. Esta palabra no la eligió Yukito a boleo, tiene una intencionalidad. Por lo visto es la unión de la transcripción al japonés de la palabra inglesa gun (arma) con la japonesa que significa sueño. De modo que Gunnm hay que interpretarlo como un título semejante a "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?". Las armas sueñan? nos pregunta Kishiro, es decir, las máquinas y los asesinos son humanos? Por otro lado, los budistas dicen: "La vida es el sueño de la existencia". De este modo queda patente el tremendo desatino que hicieron los estadounidenses (y PDA) al decidir occidentalizar el manga para su comercialización ya que el título, Alita ángel de combate, no dice mucho ni tiene que ver con lo que el Kishiro quiere contar.
El género. Gunnm es CF, pero no en su vertiente anticipatoria, es decir, que intenta dilucidar como será el futuro, ni en su vertiente escapista, es decir, que simplemente intenta entretener, sino que pretende ser una parábola de temas humanísticos, pues de lo que habla Gunnm, al menos principalmente, es sobre lo humano. De todas formas eso no hace que el mundo CF de Alita sea flojo o secundario, ya que Kishiro es casi tan completo en este aspecto como Shirow. El mundo de Alita está muy pensado y es muy sólido y coherente. Sus principales temáticas CF son el cyberpunk (no en vano es una obra que nació en los 90), la CF postapocalíptica a lo Mad Max y la CF utópica. Junto a ello hay características muy japonesas como las artes marciales (hay torneos de artes marciales al más puro estilo "Dragon Ball") o ese continuo entrenamiento y autotortura para llegar a la perfección en una actividad concreta.
El argumento. Pues, como es una obra larga y aún sin terminar es difícil hacer una sinopsis ajustada. Mi propuesta es que Gunnm narra el viaje de Alita, un cyborg, hacia la trascendencia a través de aventuras con mucha acción y violencia en las que crece y se autoconoce. Es una historia, como dice el autor, sobre la voluntad y la individualidad, algo muy importante pues Japón está superpoblado (misma superficie que España, aunque menos terreno habitable, triple de población) y con una cultura que pone a la sociedad por encima del individuo (como deja claro que allí va 1º el apellido, es decir, el clan, y luego el nombre propio), la antítesis de Occidente vamos. Por otro lado, el autor ha reconocido que la historia se ha ido haciendo. Su idea original era contar la típica historia de maduración del héroe e intentar "dibujar lo que cambia continuamente y lo que nunca cambia mientras uno lucha para llevar adelante su vida", frase del autor que recuerda a la máxima budista de "Todo fluye, nada permanece".



El lugar. Se desarrolla en la Tierra. En una Tierra postapocalíptica a unos cuantos siglos del presente. En una Tierra que, debido al apocalipsis, el desarrollo de la humanidad, como quien dice, se reseteó. La 1º parte se desarrolla íntegramente en la superficie y la 2º en el espacio, pero de esto último ya hablaré más tarde. El lugar principal de la 1º parte es una ciudad dividida en 2, El Patio de los Desperdicios/Kuzutetsu (Ciudad de chatarra) y Salem (Tiphares en la vieja traducción). Aunque siempre se habla de ambas como entidades separadas, es revelador que no tenga un nombre común, en verdad,  ya que su relación es simbiótica, son una única entidad. El Patio de los Desperdicios ha surgido a partir de Salem. Es el cinturón suburbano de toda ciudad moderna del 3º mundo. Es decir, es un denso y caótico anillo que rodea la ciudad (aunque en este caso esta está suspendida en el cielo) habitado por los pobres y los marginados donde si no se practica la delincuencia no se puede sobrevivir. El Patio de los Desperdicios se encarga de centralizar los recursos de la superficie que requiere Salem pero, a pesar de ello, vive de la basura de Salem. Para Kishiro el Patio representa el mundo en el que estamos viviendo, en el sentido de que es un mundo amoral. Salem, durante casi toda la 1º parte, es una ciudad misteriosa, por ello no voy a hablar de ella de momento. Sólo decir que Salem viene de salom, palabra judía que tiene varios significados pero el más usual, y creo que al que Kishiro hace referencia, es paz. Por último esta geografía creo que hay que considerarla también como una clara metáfora del 1º mundo-3º mundo, entendiendo el 2º como un mundo deprimido y trágico, pues sabe que esta en función de otro, mucho mejor, al que nunca tendrá acceso, y del Cielo-Tierra cristiano, en el sentido de que el 1º es un paraíso y el 2º un "valle de lágrimas" que sólo puede conjeturar sobre el otro mundo, aunque tiene la certeza de que en aquel se vive mucho mejor.
Y para terminar, los pjs principales, es decir, los que salen durante toda la obra, que sólo son 3. No me voy a extender mucho y voy a describirlos como son al principio, pues van cambiando y esas sucesivas transformaciones hay que irlas explicando poco a poco.
Alita/Gally/Yoko: Alita es el nombre estadounidense, Gally como la rebautizan y Yoko el original. Finalmente este último nombre es el que triunfa. Sería interesante conocer los significados de estos nombres. Este pj es el protagonista. Es una marciana totalcyborg, es decir, lo único humano que tiene es el cerebro, que cayó a la Tierra desde Salem (tiene algo de ángel). Al principio de la obra sólo queda de ella la cabeza, la cual es recuperada por un reciclador de basura. Posteriormente nos enteramos de que tiene 300 años de antigüedad, que está totalmente amnésica y que en su otra vida fue una competente guerrera. De esta forma Alita es a la vez una recién nacida y una reencarnada. Una reencarnación budista pues, como luego se verá, Alita se ha "reencarnado" para expiar su karma. No debe pasar desapercibido el paralelismo entre ella y la humanidad reseteada del manga, pues como acabo de comentar, esta también se puede considerar una recién nacida que conserva recuerdos de una encarnación anterior.  Por último, Alita, a pesar de que es una máquina de guerra letalísima, tiene un aspecto frágil y adolescente. Un tipo de pj utilizado por muchos autores masculinos (y sueño erótico japonés) que ven en este tipo de mujer el pj más débil (y deseable) que existe. Pero este pj en verdad es un pj muy milleriano como muy bien ha visto T. Bermúdez. Alita es una especie de Marta Washington y no debe ser fortuito, pues como se ve a lo largo de esta obra, Kishiro conoce bastante bien a Miller.
Desty Nova: es un científico loco que va ganando en presencia a medida que avanza la obra. Al principio es el antagonista de Alita, pero luego se transforma en su mentor. Aunque sigue comportándose con ella de forma cruel y egoísta. Al ser su objetivo científico el alma, por lo antes aludido, considera a Alita como el mejor objeto de experimentación para su investigación. Como todos los científicos locos es un tipo muy poco humano, ya que su genialidad y obsesión ha hecho que pierda tanto la cordura como la empatía. Es una especie de dr. Frankenstein. Su nombre, me imagino, significa nuevo destino, lo que es muy importante porque este pj en esencia busca un avance evolutivo de la humanidad. Otra forma de la vieja idea de CF presente en los mutantes de la Marvel o, hablando de manga, en "Akira", "Biomega" o "Evangelion". Este nombre, por lo visto, viene de un pj de la canción "Astronomy" del grupo Blue Öyster Cult, que es un humano alterado por unos extraterrestres que interviene en el devenir histórico de la humanidad.
Koyomi: es un pj que va ganando en importancia. Al principio es un bebé, por lo que poco puede contar, pero, cuando deviene en adolescente, se convierte en una especie de sidekick de Alita que la sirve, tanto a ella como a Kishiro, para recordar qué es la humanidad, qué es ser una persona normal (recordemos que Alita es una totalcyborg) y como ella era de joven, antes de ser una warmachine.
En fin, pues hasta aquí esta presentación, declaración de intenciones e introducción. Intentaré que la sección sea semanal pero es poco probable. Por otro lado, evidentemente, no os cortéis en ayudar, sugerir o corregir. Entre todos este análisis informal saldrá mejor logrando con ella que nuestra lectura de Gunnm sea más satisfactoria.

2.11.09

Huérfano rolero

Supongo que sabréis que soy un rolero, pues bien, recientemente me he quedado sin grupo debido a diferencias personales que apestaban ya a irreconciliables. Así que ahora me toca buscarme un grupo rolero para poder continuar con mi pasatiempo favorito.
Como llevo jugando mucho tiempo, he jugado a la mayoría de los juegos que en España ha habido. Naturalmente, por haber jugado tanto, mastereo además de dar el coñazo jugando. Me gusta más la CF y lo que menos el D&D y el Vampiro. Pero como sabéis, lo importante es la partida y el grupo, no el juego.
En fin, soy de Madrid y no tengo problema, de momento, con horarios y tampoco con el sitio siempre que quedemos en Madrid, Madrid. Sólo pido una partida de prueba a modo de casting, para ver si encajo en el grupo.
Bueno, si alguien me puede ayudar se lo agradecería tanto que estaría dispuesto incluso a pagarle con mi primogénito.
Gracias.
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