29.5.08

Critiquita 242: Asa, el ejecutor, K. Koike y G. Kojike, Planeta DeAgostini 2005-6

16 meses después he cerrado el círculo que comencé a trazar cuando compré el 1º tomo de la serie. A pesar de mis dudas iniciales, al final he terminado por hacerme con esta gran serie limitada de 10 tomos.
"Asa, el ejecutor" es un manga para adultos masculinos según esa peculiar clasificación japonesa del manga no por temas, sino por target, por un lado tan limitante, pero por otro, muy práctica para temas industriales y comerciales. Es un manga histórico ambientado en el periodo Edo (siglo XVII, cuando Japón por fin es dominado por los sogunes, quienes imponen una política de estancamiento y aislamiento que no terminará hasta que los occidentales los saquen de ahí a cañonazos en el tramo central del siglo XIX), centrado en su sistema judicial, concretamente en su pena de muerte, porque el prota es un verdugo. Pero no un verdugo en sentido estricto, ya que es un ronin que tiene como cometido en la vida (más que oficio) el probar las catanas del sogún. Como estas son armas, sólo se pueden probar matando gente, y como en el periodo Edo había pena de muerte, así se mataba 2 pájaros de un tiro. Por eso, Asaemon, no es un verdugo, sino un samurái que tiene como obligación secundaria el ejecutar reos de muerte.
Esta distinción es clave para entender la obra, que es muy buena, PERO de difícil acceso para un occidental, ya que es una obra muy etnocéntrica. Aunque por si misma te da casi todos los datos históricos que necesitas, no explica (no se escribió pensando en un público mundial) muchos de los aspectos ideológicos, filosóficos y culturales de sus historias (es una obra compuesta por 54 historias cortas o golpes de catana). Lógico, pues un japonés no lo necesita, lo encontraría redundante, e incluso ofensivo, que se hiciesen evidentes. Así que el lector occidental se asoma a una obra bastante folklórica e impregnada de budismo y bushido de la que apenas aprehende algo al ser ajeno a esa cultura. Se entera de lo principal, pero se pierde los matices y los detalles. Naturalmente, la editorial no ha hecho nada por ayudar a la obra y a sus lectores-clientes, dando algún tipo de información de apoyo. Por eso, jamás pillaré del todo la obra, pero por lo menos creo que he accedido a lo esencial, aunque para ello he tenido que leérmela casi entera. En el número 9 he tenido mi iluminación. Por fin he comprendido "Asa, el ejecutor".

Como he dicho, Asa es un verdugo, lo que le diferencia de los otros protas que matan "malos", es que nunca decide a quien ha de matar, no tiene ninguna relación con ellos (no son sus antagonistas) y siempre cumple órdenes. Pero eso no le convierte en un verdugo que mata porque es su profesión y, por tanto, su relación con el reo es estrictamente profesional (aunque es curioso que, al menos en la Edad Media, este pedía a su víctima que le perdonase). Ni en un verdugo calvinista, uno de esos que se creen el agente vindicativo de su dios (como los que salen en las pelis estadounidenses sobre la pena de muerte, que siempre, los actores, ponen cara de satisfacción), porque él no es ejecutor por motivos alimenticios o vocacionales.
Él es ejecutor por herencia familiar, porque ha nacido en una sociedad que le obliga a asumir esa herencia, ya que si por él fuera, no habría pena de muerte. Eso a ojos occidentales le empaña un poco, porque no intenta cambiar lo que cree que esta mal, pero hay que pensar que el budismo se toma el mundo con más filosofía y lo considera más inmutable. No le afecta tanto la muerte, porque lo ve algo tan natural como la lluvia (aparte de que vivimos una ilusión, somos el sueño de una mariposa o algo así). Así que resuelve el dilema de tener que hacer algo que no ha eligido y no le gusta, tomándose su cometido como un sacerdocio, como la renuncia a una vida normal (por ejemplo al matrimonio) por un objetivo mayor, porque para él, la ejecución es un rito religioso, un rito de paso, pues el condenado va a pasar de una vida a otra vida.
Como sabéis, el budismo cree en el renacimiento. Así que es evidente que el ejecutado renacerá, ya que no ha llevado una vida que le lleve al nirvana y además, esta cargado de karma. Así que Asa se toma su cometido muy seriamente, pues participa de un hecho capital de la vida de una persona, del condenado. Por eso se toma como obligación hacer de este un momento purificador, para que con su muerte, el condenado, empiece el camino de renacimiento con buen pie. Así, intenta hacer de la ejecución un momento de paz y solemnidad, una especie de autosacrificio propiciatorio. Por eso no quiere que los reos tengan miedo, ni que sufran, así que siempre les trata con respeto, se muestra sereno y compasivo y se compromete a matarlos rápidamente y sin sufrimiento, cosa que, como japonés, esta obligado, pues ha de tratar de hacer su función de forma perfecta. Además, siempre trata de entenderlos y de satisfacerlos con una última voluntad, aunque esta sea que él tenga que hacer algo. De esta forma, lo que busca Asa es que la ejecución sea el momento culmen de la purificación del reo que comienza en la cárcel y ante la ejecución, siendo su papel el de certificar, sellar y solemnizar esta purificación aportando la nobleza de su condición de samurái y la religiosidad de su bushido. Así, el reo puede acudir al patíbulo con tranquilidad, porque sabe que es el punto final a su purificación y el comienzo de una nueva posibilidad esperanzadora. Así, habiéndose arrepentido de sus delitos y alcanzado la paz interior, no odiando ni temiendo y aceptando su destino, se "ofrece" a morir, de forma que libera de karma a si mismo y a su ejecutor.

Así es como hay que tomarse las ejecuciones (no todas serán así, pues no todos los reos de muerte se purifican) de las historias. Esta es la pieza central sobre la que gira toda la obra, que, al menos para mi, ha permanecido oculta hasta casi el final, aunque tampoco descarto que esto fue una idea que Koike fue desarrollando conforme escribía el manga.
Así pues, ahora puedo entender la obra. La seriedad, rigor y dedicación con que Asa aborda el aspecto secundario de su obligación (insisto que samurái no es un oficio, es una condición social que, como en todas las sociedades premodernas, acarrea una serie de obligaciones) de probador de catanas del sogún, no es sólo por ser japonés (recuerden, la aspiración de ser el mejor en lo que se hace), sino también, y sobre todo diría yo, por tomárselo de forma compasiva y caritativa, como un acción humanitaria para ayudar a otra persona a salir del pozo, como una ceremonia religiosa. Por eso, su rigor y dedicación, por eso el empeño de mantener el honor y de alcanzar la fama, porque su excelencia en su cometido es la forma que tiene de garantizar a sus víctimas, que su ejecución será un rito religioso de paso, el principio de otra oportunidad para tener una vida mejor.
Por eso, Asa enfoca su faceta de ejecutor de esta forma, porque no le gusta lo que hace, como sabemos desde el principio. Por eso, ni es un ejecutor frío e impertubable, ni un héroe que acaba con los malos, sino una persona que se apena y se compadece de los ejecutados. Por eso, les ofrece algo distinto a una ejecución punitiva y vindicativa. Por eso sus ejecuciones realmente son actos humanísticos y piadosos. Porque es la forma que ha encontrado de reconciliar su conciencia con su vida (matar aunque no quiera y cumplir los designios tanto del padre, como de la sociedad), de motivarse para hacer las cosas bien y que le sirva para su propio camino al nirvana. De forma que es el típico héroe nipón cuyo dilema no esta en elegir el Bien o el Mal como el occidental, sino reconciliación su individualidad con la sociedad a la que ha de servir.
Esa es la esencia de esta gran obra de Koike que, gracias a su estupendo trabajo, es atemporal y universal porque, aunque es una obra de los 70 y hecha para japoneses, nos llega. A pesar de que su crítica social se nos escapa a los que vivimos en una sociedad sin pena de muerte, de clase y parcialmente igualitaria. A pesar de que se nos escapa su condición de obra revolucionaria (el otro gran tema social de la obra es la reivindicación de la mujer como igual al hombre; en el Japón de los 70, no estaba mal visto que los hombres no cediesen su asiento del metro a las embarazadas), por no vivir aquellos años en Japón, esta obra nos conmueve. Ahí esta la maestría de Koike, en que salva la distancia cultural. Porque, aunque nos perdamos los detalles, su carácter tremendamente humanístico y compasivo, su crítica a la justicia inhumana y su revindicación de que todos somos, al menos en el fondo, buenos y merecedores de ser tratados con dignidad e igualdad la hace conmovedora y accesible a cualquier ser humano (menos, quizás, a los dictadores birmanos). Esto Koike lo consigue gracias a unos estupendos guiones, simples, pero muy bien construidos y desarrollados, poéticos y cargados de sabiduría oriental, que reproducen sobresalientemente una época del pasado, construyen con sutileza un pj espléndido y portentoso, un auténtico héroe, pues supera su condición nipona, y un complejo y profundo discurso que reprende a la sociedad y revalorizá al individuo (recuerden que los orientales ponen al colectivo por encima del individuo), con lo que conecta con el cine de Kurosawa, y al budismo y al bushido como guías morales aún válidas.

El complemento perfecto y quizás lo que hace tan grande a "Asa, el ejecutor" es el arte de Kojike. Su dibujo es desagradable por tosco, feo y limitado, pero eso no perjudica la obra, porque su perfecto entintamiento, su tremenda expresividad y plasticidad y su maravillosa y ultrahumana capacidad de narrar, nos hacen olvidar el mal dibujo, pues dota a los guiones de una fuerza y una poesía tremendas y conmovedoras.
No sé cual es el sistema de trabajo de los autores. No sé si el guionista es responsable, corresponsable o irresponsable de la fantástica narrativa. Pero lo cierto es que esta es soberbia y portentosa y eso sólo se puede conseguir con una gran compenetración y entendimiento entre los autores. Sólo así se puede entender que el guionista enmudezca dejando sólo al dibujante contar momentos de las historias (incluso hay algunas casi mudas) y que estas no se resientan ni se hagan ininteligibles. En fin, sea como sea, las historias estan narradas visualmente con un estilo muy cinematográfico y clásico, esto es, con fluidez, serenidad y sutileza, que da una parsimonia y delicadeza a lo que el guión cuenta, que hace que el conjunto tenga una tremenda capacidad expresiva y conmovedora y, por tanto, que este cómic sea una obra maestra.
Es imposible describir con palabras la calidad de la narración, ni explicar el efecto que tiene en el lector, pero lo cierto es que hace que el manga te toque el corazón. Historias como "El cuello del crisantemo", "Cortarse las uñas el día 6" y "La tos" (las 3 son del último tomo y las pongo como ejemplo por ser las más recientes en mi memoria) son impresionantes. Primero, por lo genialmente que estan abordadas, segundo, por la filosofía humanística que contienen y tercero por lo bien que Kojike interpreta el guión con dibujos. En la primera, la parte central no tiene interés, es un tema de jardinería totalmente anodino, pero esta contada de forma tan primorosa y sentida (es impresionante como Kojike, a pesar de su torpeza, plasma perfectamente la serena implicación de Asa) que la historia inadvertidamente llega a emocionarte. Es magistral que la segunda comience con una introducción a cargo de 2 pjs muy vulgares y feos, porque es la mejor forma de explicar la historia. Y qué decir de la ejecución! Aunque suene increíble, los pjs se mueven! Y la última, es casi muda y muy sencilla, pero eso no le impide capturar la esencia de toda la obra y tener un final, que aunque convencional (los pjs se alejan del lector hacia la nada), es emocionantísimo, perfecto y esperanzador. Ahí esta su condición de obra maestra, en como alcanza la excelencia a través de la simplicidad. En eso y en su calidad de obra única, no hay ningún otro cómic igual.

28.5.08

Critiquita 241: Del tebeo al manga 3. El comic book: superhéroes y otros géneros, A. Guiral et al., Panini 2007

Sorpresa mayúscula la que me llevé al ver que en la biblioteca pública a donde acudo tienen este y el 2. En un principio me interesaba la serie, pero por el precio descarté tenerlos todos. Una vez ojeados no me convencieron mucho, por lo que los puspuse (no parece una palabra que exista) para cuando sea rico. Así que he tenido un poco de suerte, en vez de leérmelos en la FNAC, los puedo leer tranquilamente en mi casa.
El libro me ha decepcionado. Lo advierto porque mi crítica parte de la decepción que ha sido el encontrarme con una cosa distinta a la que me esperaba. Pero esa disparidad no sé si es por mí, es decir, que me hice ilusiones infundadas, o por los autores.
El tema esta en que el libro es sobre todo una recopilación de datos. Apenas hay un discurso narrativo, se parece más a unos anales (en tal año ocurrió esto, esto y esto) que a un libro de Historia. Prácticamente te cuenta lo que aconteció sin incluir explicaciones del porqué, sin hilar presente y futuro, sin profundidad, vamos lo que distingue una obra historiográfica corriente y moliente de un almanaque. Pero ya digo que esto no sé si es un tema personal mío. Igual es que no hay otra forma de abordar este tema.
El libro cubre la etapa 1933-1956. Que es, desde cuando nace el formato cómic hasta justo antes del inicio de la Edad de Plata. Es una etapa, por lo visto, muy mal documentada, ya que se publicaron miles de comics y de muchos de ellos no ha quedado ni rastro, amén de que la lejanía geográfica y temporal han dificultado que los autores los conozcan con la profundidad suficiente. Así que igual no se ha podido ahondar a pesar de que la intención de los autores coincidía con mis deseos. Pero hecho de menos un intento de explicación de porqué el éxito de los superhéroes fue tan fulgurante como su caída, o un discurso sobre la evolución estilística de los comics. Me sobra un poco una historia editorial plagada de nombres de editoriales, editores y fechas que no dicen nada o de autores de los que apenas se nos cuenta algo de interés (su biografía no me vale). Esto es lo que hace que el libro no me guste, aunque quizás sea más acertado decir que no me ha llenado. Luego hay aspectos que, aunque secundarios, contribuyen a mi decepción. Incluye una cronología, lo cual no me parece mal, pero es que muchos de los hechos destacados son estúpidos o no son lo más destacado de ese año. Es una cronología un tanto frívola y superficial que no da buena imagen. Eso si, hay que alabar la inclusión de un resumen al final de cada capítulo. Ha sido una idea muy acertada.
En cuanto al libro en si es muy paniniesco, es decir, lujo innecesario. Tapas duras y buen papel han encarecido un libro que de no ser así seguro que hubiera sido un poco más barato y por ende, habría atraído a más gente. Aunque barato no podía ser nunca porque es, como debe ser, en color. La maquetación no me ha gustado nada, se ha intentado hacer que sea vistosa y dinámica pero les ha salido sobria y torpona. Aunque ya el texto se lo ponía difícil, puesto que no esta hecho para ser leído de corrido. El texto esta plagado de notas al pie (cada página tiene al menos 2), despieces y pies de foto, por lo que esta muy dividido. Esta dificultad no ha podido ser solventada por la maquetación, pues no ha podido o sabido como guiar al lector y hacer un todo coherente e integrado. Este es el mayor pero para mi, que nunca sabes que hay que leer primero o como leer el libro y además, que la cantidad de notas hacen que la lectura no sea fluida y eso siempre resiente a un texto. Aunque la documentación gráfica del libro es otro de sus puntos fuertes por ser exhaustiva, representativa y estar bien coordinada con el texto, vamos, que no esta para adornar ni para aligerar la lectura.
Así pues, el libro es un notable y loable esfuerzo y viene a cubrir un agujero en el panorama del cómic español, pues esta huérfano de ediciones sobre el tema desde hace muchos años. Seguramente es eso con lo que hay que quedarse, porque puede que no haya una mejor manera de hacerlo, al menos cuando se traten períodos oscuros. Pero a mi me ha parecido flojo, con un estilo demasiado ligero y simple y con un humor un poco infantil, con mucha paja y mucho dato, pero poco contenido. Aunque tampoco penséis que esta mal, es un gran acercamiento al Cómic, es una buena forma de empezar a acceder a la Historia de los Comics. Sólo que hay que tomárselo como algo divulgativo, no como algo muy serio como hice yo. Yo me los iré leyendo y os iré informando, porque es la única ventana de la que disponemos para ver más de 100 años de cómic. Eso es lo mejor del libro y la serie.

27.5.08

Grapas UDC (critiquita 240)

JLA nº 9, B. Meltzer y E. Benes, Planeta DeAgostini 2008. Me arrepiento de haber hablado favorablemente de Meltzer en el anterior número, porque en este me ha aburrido. Por qué? Quizás os preguntéis. Pues porque es un guionista fórmula. Siempre aborda los guiones de la misma manera, varias líneas narrativas y muchos pensamientos de los pjs. Esto, al final ha acabado por parecerme insoportable, porque es una fórmula que no esta al servicio de la historia. Da igual el argumento, da igual todo, yo lo escribo así y me importa un pepino si sale un churro, es lo que me transmite el trabajo de este guionista. Así que es lógico que haya salido un churro. Esto no es manera de escribir una grapa de superhéroes. Por otra parte, tenemos la vuelta de un Benes irreconocible. No sé si porque en esta ocasión se entinta él. Nos viene con una acabado final más actual, abandonando así parcialmente su mayor remora, su aspecto hortera que remite a lo peor de los 90. Se desenvuelve bien con el guión de Meltzer que es difícil, pues tiene mucho diálogo y eso obliga a hacer muchas viñetas por página, haciendo un número de lectura fluida (en mi opinión, su punto fuerte es la narrativa), páginas trabajadas con un dibujo idealista torpe anatómicamente entintado vigorosamente y bien coloreado, pero que no destaca por nada.

Justicia nº 9, J. Krueger y A. Ross, Planeta DeAgostini 2008. Nos acercamos al final y la cosa se esta animando demostrando con ello, Krueger y Ross, que son autores de historias que tardan en arrancar. En cuanto ha llegado el conflicto y la acción la cosa se ha puesto entretenida, pero como siempre digo, la historia es demasiado conservadora e icónica para superar la media. Con "Tierra X" se salieron (bueno también que el desgarrado y sombrío dibujo de Leon es mucho más expresivo que el de Ross) porque retorcieron a los pjs, pero sin ensombrecer a los héroes (aprende Meltzer!). Pero aquí, el excesivo respeto y reverencia con el que se trata a los protas y el que se lamenten tanto (si eres Superman no te puedes quejar mucho, que eres todopoderoso), para mi gusto, supone un pesado lastre al guión. Por la parte visual, Ross sigue igual. Virtuoso, hiperacadémico y clásico, así que resulta frío y estático, inadecuado para el cómic. Eso sí, la splash page del final es impresionante. Mola mucho porque Ross es un genio diseñando pjs y haciendo ilustraciones-portadas. A eso se debería dedicar o cambiar su estilo, o publicar sus lápices que son mucho mejores, por ser más expresivos, que sus colores.

JSA nº 6, G, Johns y D. Eaglesham, Planeta DeAgostini 2008. Me esta gustando mucho esta serie porque me remite a los mejores 80. Los guiones de Johns tienen la mezcla perfecta para el género, misterio, acción, aventura y epicidad. Así sí. Además, como la cole tiene uno de los mejores dibujantes regulares actuales mainstream, la cosa todavía se disfruta mucho más. Eaglesham, aunque no es un dibujante con el suficiente dominio de la anatomía para lo que quiere hacer, tiene un dibujo idealista atractivo y agradable, se trabaja mucho las páginas (en este número su selva es impresionante), le pone mucha atención a la expresión de sus figuras, es muy competente y variado y un buen narrador dinámico y clásico, amén de tener un puntillo retro, por lo que hace que nos sea una delicia leer y ver esta cole. No es esplendorosa, pero ambos autores ofrecen un trabajo sólido y eficiente.

Siniestro Corps nº 2, varios, Planeta DeAgostini 2008. Tetragrapa llena de acción que continua el crossover bien hecho, pero muy convencional, pergueñado por Johns. Sus números me han gustado menos que los de Gibbons por su exceso de clasicismo y el apoyarse demasiado en los pjs, como confiando que la historia guste por ver lo que les pasa a los pjs y no por como esta contada. Por su parte, Gibbons, con simplicidad maestra, se marca unos números más dramáticos (genial lo de la victoria de Siniestro, a ver si lo desarrollan) y apasionantes. Quizás también sea por los dibujantes. A Johns le dibuja Reiss, un tipo que tiene un estilo gráfico que resulta de la suma de los de Davis y J. Buscema, así que su dibujo es atractivo, serio y clásico. No me llega porque creo que no es buen narrador, no es muy expresivo y es demasiado clásico, sus viñetas y sus páginas parecen viejas. En cambio, el tándem Gleason-Unzueta lo hacen mejor. Son dibujantes menos dotados, pero Gleason tiene un grafismo bastante personal y estético que es mucho más dinámico y expresivo, lo que le hace mejor a mis ojos, además de que, gracias a su estupendo manejo del negro (fijaos en sus estupendos lápices), se marca las páginas más plásticas del todo cómic, al conseguir transmitir la ominosidad que toda guerra apocalíptica tiene, cosa que el clasicimo de Reiss es incapaz de plasmar. Por su parte, Unzueta es el más torpe de los 3, pero sale airoso en sus intento de no desentonar con Gleason, lo que es mucho. En fin, un cómic de momento correcto, no me parece la genialidad que se anunciaba (empiezo a pensar que los blogueros son unos exagerados:), no me da la sensación de que lo debo tener. Por cierto, por qué una lv es el clon de Sif?

19.5.08

Videados 45: Matadero 5, G. R. Hill 1972

Esta es otra de mis pelis favoritas. A diferencia de otras sobre las que he escrito, esta es, cinematográficamente hablando, más modesta. No es una gran peli, no tiene grandes actuaciones, ni una gran dirección, ni imágenes especialmente hermosas pero, como consigue plasmar y transmitir la esencia de una buena historia, es una película notable y conmovedora y no es sólo cosa mía, que llegó a ganar el Premio del Jurado en Cannes. Cosa que no había hecho, hasta ese momento, ninguna peli estadounidense.
Es una historia de Ci-Fi. Esta basada en el libro "Matadero 5: la cruzada de los niños" De K. Vonnegut jr. (Iru, si estas leyendo esto, este es tú escritor de Ci-Fi). Un gran escritor de ese género caracterizado por su humor satírico que lo hace atípico del que os aconsejo, muy paternalmente, que leáis su "Gálapagos". Una novela genial, satírica y divertida de tema postpocalíptico en que la humanidad superviviente, aislada en Gálapagos, evoluciona convirtiéndose en una especie de pingüino. En fin, este tipo sensible, inteligente y divertido tuvo la desgracia de ir a la 2º GM, ser hecho prisionero y estar en Dresde cuando el bombardeo.
Este bombardeo respondió a la misma presima que Hiroshima y Nagasaki. Era necesario doblegar la determinación enemiga y su incapacidad para reconocer la derrota. Así que se pensó (en un momento en que las V-1 y 2 caían sobre los civiles ingleses y acojanaban bastante, porque hacía pensar que los derrotados y desesperados nazis aún podían sacarse algo de la manga) en dar un intimidante golpe duro y cruel (es la guerra!). Se eligió Dresde, una ciudad, como las japonesas antes mencionadas, que distaba de ser un objetivo bélico. Como no había bomba nuclear aún, se la bombardeó durante 2 días de forma tan salvaje, que se alcanzó esa temperatura que hace arder al mismo aire, con lo que se creó un infierno que arrasó Dresde (por eso, en la peli Dresde es Praga, ya que no queda nada pre 2º GM de esa ciudad). Sus efectos finales son muy controvertidos. Las cifras de muertos que se barajan son tan dispares (en la peli se dan 2 o 3 cifras diferentes) como las de las manifestaciones en Madrid. En general se acepta que murieron un poco menos que en Hiroshima. Como suponéis, Vonnegut sobrevivió y le tocó "arreglar" el desastre. Esta experiencia, lógicamente, le traumatizó de por vida y de ese tormentó surgió esta novela.
Así pues es una novela de purificación, sólo que en este caso tiene la forma de una de Ci-Fi, ya que salen alienígenas y se trata el Tiempo de forma lisérgica, surrealista (la obra es de los 60 y en eso recuerda a "Almuerzo al desnudo" o a "Esperando el año pasado") relativista y subjetiva. Así que es una novela atípica y lo sigue siendo a pesar de que su experimentalismo, sus saltos temporales, la fusión del narrador con lo narrado y la mezcla de ficción y realidad ya no la hace tan rompedora y novedosa. La novela propone que el Tiempo no existe, que todo esta ocurriendo a la vez, todo los instantes ocurren al mismo tiempo, no hay pasado, ni presente, ni futuro. Esta es la forma que Vonnegut tiene de librarse de los demonios. Como no hay pasado atormentador, no hay que tener la mala conciencia del superviviente. Todos estamos vivos y muertos a la vez, somos, en cierta forma, eternos, así que sólo tenemos que quedarnos con los buenos momentos.
Este es el espíritu y la estructura que el guión sabe recoger y plasmar cinematográficamente, aunque la peli es bastante diferente a la novela. Cosa lógica, porque el intimismo y la atemporalidad para el cine es más difícil de tratar. Aún así, a Vonnegut le gustó mucho la peli y es que esta es más alegre y positiva que la novela, a costa de perder el antibelicismo de la misma (se publicó en el momento álgido de la protesta antiVietnam), representado con el subtítulo, la "cruzada de los niños" que hace alusión a que los ejércitos siempre estan nutridos por muchachos que acaban de salir de la infancia (la adolescencia y juventud son categorías y clases sociales que nacen en los 50, gracias a que la bonanza económica hizo que los adolescentes tuviesen paga y los jóvenes no tuviesen que trabajar en cuanto cumplían los 16). Algo curioso, que no se ha puesto de relieve (los actores de pelis bélicas nunca son jovencitos por ejemplo) hasta ahora con Irak. Cuando nuestra esperanza de vida es tan larga, que nos extraña y acongoja que a la guerra vayan gente de 18-20 años (y por eso pasa lo que pasa).
En fin, que me estoy enrollando. El guión es lo mejor de la peli. Consigue trasladar con habilidad los saltos temporales que plagan la novela (el prota se llama Pilgrim (peregrino), el cual salta temporalmente y constántemente por su vida) y conservar el humor, además de dar alegría sin restar seriedad a la historia, de forma que queda una fantasía escapista fluida y coherente que mantiene el interés y se disfruta.
La dirección y el montaje sin grandes alardes, con profesionalidad y eficacia, consiguieron una peli sólida y muy moderna (cinematográficamente no ha envejecido nada a pesar de ser una de las 1º pelis modernas). Gracias, sobre todo, a un montaje y una planificación soberbios por su dominio del flujo temporal y la transición. Así pudieron plasmar la teoría temporal de la novela de Vonnegut artísticamente y sin provocar confusión, haciendo así una peli fresca, original, emotiva y vitalista, aunque un poco distante y superficial a la hora de tocar el trauma.
Los actores estan todos muy correctos. Casi todos desconocidos en su momento y ahora (el villano es el padre de Rachel, la de "Friends"), pero muy competentes con la excepción del protagonista que esta muy irregular, ya que no consigue en todo momento resultar tan pusilánime y traumatizado como es su pj. De forma que, al ser una peli tan personalista, el resultado se resiente, pues el actor no remata la faena que tan bien han compuesto el guión, la dirección y el montaje.
La b.s., fundamentalmente de Bach, también aporta, demostrándose así como una extraordinaria elección, pues encaja como un guante en la peli y es muy expresiva y conmovedora, por lo que añade poesía, emoción y belleza.
Así pues, "Matadero 5" es una buena peli que merece la pena ver. Un poco ligera para el tema que trata, pero que aún así, consigue transmitir, resultar positiva y alegre y desarrollar plásticamente una historia intimista con tintes surrealistas, lisérgicos y cómicos sobre un terrible trauma dándole un poco de poseía y calidez.

15.5.08

Runaways nº 14, Thunderbolts nº 4 y Thor nº 2 (critiquita 239)

Runaways nº 14, J. Whedon y M. Ryan, Panini 2008. Nos acercamos al final de la historia de Whedon. Una historia típica suya, entretenida, interesante y bien hecha pero convencional y modesta. Cosa que no critico, que de lo que aquí se trata es de entretenerse. Es interesante el hecho de que nos muestre (muy someramente) lo mucho que hemos cambiado en un siglo. También me ha gustado que Whedon haya encontrado la manera de que El Orgullo sigue atormentando a los Runa (aunque eso me lleva a la pregunta, si los Yorkes viajan por el Tiempo, cómo no saben nada de lo que les va a ocurrir? Se resolverá eso en el último número?) y que siga desorrallando a los pjs. Por tanto, su historia, es mucho mejor de lo que suelen ser las historias-relleno En cuanto al dibujo seguimos con el estilo agradable y limpio, un poco verde pero trabajado y, gracias a la inestimable ayuda del color, atractivo de Ryan. Así que de nuevo otro número de esta cole que cumple, de sobras, su cometido.

Thunderbolts nº 4, P. Jenkins y S. Lieber, Panini 2008. De historia de relleno a historia de relleno. Es un historia que se situa entre los números anteriores, que en origen fue presentada aparte de la cole pero con la intención de tapar la irregularidad de la misma, se ve que los fill-in ya no molan. El cómic me ha parecido malo, un descenso a los infiernos teniendo en cuenta los números regulares. El guión de Jenkins es confuso, yo no me enterado de que es lo que quiere contar. No sé quien es el protagonista, Osborn o Penitencia? No pilló el final, para qué el soldador y la cinta aislante? Cómo hecho de menos aquellos guiones en que te explicaban los poderes de sus protas, me hubiera gustado saber las capacidades del Americop, quizás me hubiera hecho más comprensible la historia. En fin, que Jenkins firma un guión torpe. Lieber no lo hace mal, es un dibujante realista y serio, cuya mayor influencia es Mazzucheli (por cierto, echar vistazo a los extras del absolute "Año Uno" que tiene una gran reflexión de este autor sobre el realismo y los superhéroes, pero no lo compréis, el dibujo de Mazu no pedía, ni necesitaba, una ampliación). Su trabajo es competente y funcional, pero el color es tan ramplón y sobrio, que hace que comparado con los números oficiales, el aspecto gráfico de este número sea pobre y feo, lo que perjudica mucho al trabajo de Lieber y al cómic mismo. En fin, un fill-in de los de verdad, torpe, sin interés y cutre.

Thor nº2, J. M. Straczynski y O. Coipel, Panini 2008. Otro número de lo más posmoderno. De esos que te lo lees, te entretienes pero cuando termina, te das cuenta que no te han contado nada. Straczynski se toma esta historia con tranquilidad y parsimonia, se ve que el no espera que se la cancelen pronto por falta de ventas. Su intención es que el aterrizaje de Thor en el UM sea de muuuy suave. Como es un buen guionista resulta entretenido, pero otro gallo le cantaría si el dibujante no fuese Coipel. Coipel es el mayor talento en ciernes actual. Si explota, estoy seguro que marcará una época. De momento este número le sale mejor que el anterior, demostrando así mejor lo gran dibujante que es. Su estilo clásico pero levemente caricaturesco, muy elegante, completo y atractivo da a la colección la espectacularidad, majestuosidad y tranquilidad que la historia de Stra pide. Pero lo mejor es su narración, clásica aunque cinemetográfica, pues hace al cómic muy fluido, ágil y dinámico, con lo que consigue ocultar, casi por completo, lo poco interesantes que son los guiones de Stra.

8.5.08

Relecturas LV: La Edad de Bronce, M. Shanower, Azake 2003-5

Este cómic es una de las mejores versiones que se han hecho sobre la Guerra de Troya en cualquier medio. Posiblemente sea la mejor hecha en cómic. Esta excelencia es la justa recompensa al inmenso esfuerzo que ha hecho Shanower para hacer la serie. Porque la enorme calidad de "La Edad de Bronce" no es fruto del talento o de la suerte, sino del trabajo. Se nota que en todas las páginas del cómic hay mucho esfuerzo. Uno que comenzó mucho antes de que el autor se sentase a dibujar pues en el cómic se aprecia una documentación exhaustiva a todos los niveles (algo atípico, ya que los estadounidenses, sobre todo los dibujantes, no se documentan para dibujar otros países u otras épocas), que sólo puede ser el resultado de haberle dedicado muchas horas.
Para Shanower la documentación  tenía 2 objetivos. El 1º era la recopilación de la ingente cantidad de mitos y leyendas que forman el Ciclo Troyano para hacer una historia completa y coherente sobre el mismo. Por eso, "La Edad de Bronce" no es la adaptación de la "Ilíada", es mucho más. La "Ilíada" sólo cuenta el penúltimo episodio del asedio de Troya y además, no termina de relatarlo, por tanto, la obra de Homero sólo es una parte del Ciclo de Troya. El resto, el principio y el final, esta recogido en diferentes mitos, leyendas y obras de teatro que se contradicen entre sí de muchas formas, pues la mitología griega no está tan sistematizada como las obras divulgativas sobre la materia hacen creer. Por eso, la manera que tiene Shanower de resolver las incroguencias y contradiciones hacen singular y completa a esta serie. Singular porque otro autor las habría resuelto de otra manera y completa, porque recoge todos los acontecimientos, menos los divinos (por ejemplo la Guerra de Troya es un plan de Zeus para reducir el número de humanos), referentes al Ciclo Troyano, incluso los secundarios, como la historia de Troya o la genealogía de todos los pjs importantes de la obra. El 2º objetivo era encontrar un aspecto visual realista para su versión ya que su objetivo final es historiar el mito. Por ello acudió a la Arqueología de la Edad de Bronce (1800-700 a. C.), pues los griegos clásicos databan la Ilíada alrededor del 1200 a.C. (cosa que, como sabéis, corroboró la Arqueología en el XIX, aunque aún no tiene datos concluyentes de que ese conflicto  ocurriese de esa forma). Así, el aspecto gráfico está basado en los restos arqueológicos que nos han llegado de la Edad de Bronce. Por ejemplo, el rostro de Agamenón es el de la llamada máscara de Agamenón (llamada así aunque es imposible, por fechas, que perteneciese a ese pj, que por otra parte, pudo no haber existido), las joyas que lleva Clitemnestra son las del Tesoro de Helena encontradas supuestamente en Troya, la ciudadela de Micenas y la de Troya estan recreadas a partir de sus ruinas y algunos de los frescos decorativos de los palacios son reales. Por tanto, Shanower no dibuja cómo los griegos clásicos imaginaron esta historia, sino cómo la Arqueología nos sugiere que fue el tiempo en que Troya y los micénicos coexistieron. Lo cual da a esta ancestral historia  un aspecto moderno y singular pues nosotros conocemos mejor la Edad de Bronce griega que los griegos clásicos. 
Shanower es un profesional, es decir, no tiene un talento que le haga sobresalir pero sabe como hay que hacer las cosas, es muy inteligente, es capaz de hacer razonablemente bien cualquier cosa, trabaja y se esfuerza mucho y le gusta lo que hace. Por eso, el resultado de este cómic es superior al nivel que tiene su autor. El guión es bueno. Sencillo y funcional pero los personajes tienen profundidad y todo está muy bien explicado. Lo cual es de un mérito increíble porque maneja mucha cantidad de información y de personajes y en esas situaciones siempre es difícil explicar la historia bien y de forma coherente. Así, hay que reconocer que Shanower ha sabido convertir el complejísimo Ciclo Troyano, que tiene cientos de personajes, un montón de hechos secundarios y está íntimamente ligado a una época y una cultura misteriosas, en una historia sencilla de seguir, fluida e interesante. Cosa que hay que valorar porque el hacer una versión coherente, comprensible e interesante para el lector actual, muy alejado de los valores guerreros de una sociedad aristocrática antiquísima, es una hazaña que no está al alcance de todos.
Para mi donde mejor funciona Shanower es en la parte gráfica. Su estilo es realista y sus referentes son europeos. El dibujo es gris, en el sentido de que ni chicha ni limoná, ni es feo o malo, ni atractivo o bueno. Shanower tiene un dominio suficiente de todas las facetas del dibujo (anatomía, composición, perspectiva, gestualidad, etc.), lo que que resulta en un estilo sólido y funcional. Entintando me parece mejor que dibujando. Domina bastantes técnicas, maneja bastante bien la luz y tiene mucha paciencia y ganas de trabajar. El resultado son unas páginas demasiado pesadas y abigarradas por su alto nivel de detalle que, sin embargo, se complementan muy bien con el resto del trabajo de Shanower ya que consiguen dar verosimilitud y veracidad al cómic, que es justo lo que, como he dicho, este autor buscaba. Aún mejor me parece su narrativa. Es clásica y bastante cinematográfica, lo cual le viene muy bien al cómic pues le da ligereza, fluidez y ritmo a unas páginas que, como ya he dicho, están saturadas y tienen un aspecto poco atractivo y llamativo. Así, Shanower consigue dar emoción e interés a lo que esta contando de modo que anula tanto la aridez y como la pesadez de su estilo gráfico. En esta faceta para mi está muy notable, tanto, que podría dar lecciones a muchos. Por ejemplo, la escena en que Helena nos cuenta porque se va con Paris y el sacrificio de Clitemnestra son excelentes, incluso diría que espectaculares, por lo bien que con la narrativa consigue dar emoción y tensión. Junto a este estilo de realismo gris Shanower utiliza otro para contar historias del pasado. Es caricaturesco y sintético, de nuevo con ecos europeos, sencillo, ligero y limpio, casi infantil, pero elegante, muy atractivo y expresivo gracias, en parte, a que lo entinta con manchas en vez de con rayas. Este dibujo es más interesante y más atractivo que el "oficial", aunque la historia de Troya tal y como la quiere contar no resultaría tan redonda con un estilo que, por su desenfado, se contradice con el tono y el objetivo de la obra. En fin, sea como sea, el contraste entre el estilo del pasado y del presente funciona muy bien, así que favorece a la obra.
Así pues "La Edad de Bronce" es un gran cómic, muy interesante y, a la vez, original y familiar. En él, Shanower consigue superar sus limitaciones para hacer un cómic hasta ahora, porque aún no ha acabado y le queda lo más difícil, excelente. Un cómic con un aspecto muy serio y profesional. Aunque en mi opinión el apostar por el historicismo y la verosimilitud desvirtúa la historia pues en esta los dioses olímpicos están tan implicados e integrados que resulta muy difícil contarla de forma que se entienda y quede bien (sólo hay que ver la peli de "Troya" para ver como cojea esta historia sin su parte divina). Pero a pesar de que Shanower haya decidido eliminar lo que hoy en día nos parece increíble de esa historia (los dioses, que la única causa bélica fue el rapto de Helena, etc.), cosa que considero tonta porque sólo hay que leer Historia para darse cuenta de que lo de Troya no es tan marciano, muchas guerras se han hecho por motivos tan aparentemente frívolos como aquella, no es la única guerra que se ha hecho por un matrimonio (la Edad Media y Moderna están repletas de guerras cuyo objetivo era obtener la mano de alguien o que terminaban con un matrimonio), aún no se ha probado que los micénicos tuviesen intereses en el Mar Negro, con lo que la tan utilizada hoy teoría de la guerra comercial no tiene base, y sigue habiendo políticos que se creen que hablan con los dioses como por ejemplo, Bush jr. (aunque aquí entraría la cuestión de que, para muchos, los olímpicos no existen y el dios cristiano si), el resultado es sobresaliente y muy interesante. Por tanto La Edad de Bronce es una de las mejores versiones modernas de este ciclo épico.
Pero qué pasa con su edición? Alguien sabe algo de Azake? En su página no veo como contactar con ellos. Alguien sabe si han abandonado o perdido los derechos sobre esta obra? Porque ya estamos en el 2008 y, aunque "La Edad de Bronce" no ha terminado, ya hay material para 2 tomitos. Contadme lo que sepáis.

7.5.08

Hay un skrull detrás de "Puño de Hierro"?

A Viturtia le preguntan por las razones del formato de "Puño de Hierro" en la entrevista que concede a Fantsaymundo, y responde:
Ovidio: ¿Esa publicación en tomo de lujo es por los autores españoles?
Viturtia: Sin duda. Digo que tenemos que quitarnos los complejos, especialmente con los autores españoles. Cuando un autor español hace una obra excepcional, creo que debería tener un formato a la altura.
Lo curioso es que unos días antes en una entrevista en Nada Comercial le preguntaron lo mismo y su respuesta fue (las negritas son mías):
Pregunta: En relación con la anterior pregunta... si la grapa es lo que más vende... ¿por qué se publica a los autores españoles en álbum? No es una recompensa, es un castigo ya que disminuyen las ventas y hacen que su obra sea menos conocida, ¿no sería mejor grapa? ¿O se hace por llevarlos a firmar a librerías y salones?
Viturtia: La pregunta es tramposa, porque lo que te está diciendo es: todo lo que se publica en EEUU, se publica en España en grapa, salvo los autores españoles que se publican en tomo, y eso es falso. Es decir, de todo lo que se publica en EEUU lo que es más comercial sale en grapa, luego, algunas cosas que son especiales salen en formato 100% Marvel y otras cosas que creemos que van a ser un poquito menos comerciales, pero que también tienen que estar ahí salen en formato tomito. Con lo cual NO hay una diferencia si el autor es español o no lo es.
Entonces, siguiendo con la trampa de la pregunta, cuando hay un autor español en X-men, sale en grapa. Vamos a tomar dos ejemplos muy recientes: Marcos Martín con Doctor Extraño y David Aja, con Puño de Hierro. ¿Alguien se imagina Puño de Hierro en grapa? El concepto que hay detrás de esa colección ya nos implica que en grapa no va a funcionar, sea español o no. Vamos ahora a la pregunta: llega un momento en que dicho todo esto, hay autor español, vamos a hacer un poquito de patria.
Los dos ejemplos que he puesto podían haber salido en un 100% y ser una edición muy digna y que se vendiera perfectamente, pero nos ha parecido que merecía la pena adornar un poquito la edición. Una de las maneras de romper estas barreras del mercado del cómic, es la tapa dura. Si el producto no tiene tapa dura, hay canales que no lo aceptan, por lo que una manera de promocionar bien a los autores españoles es ponerlos en tapa dura para poder llevarlos a una serie de tiendas y eventos.
De todas formas no me ha gustado la pregunta, es una pregunta tramposa.

HERNANDO; la JLA de Morrison en tochal NO!

Ayer en Telecomicdiario publicaron una entrevista a Hernando (ya no se habla con los de ZN?). Una entrevista descafeinada y un poco monotemática, como es lo habitual en las entrevistas de editores. En ella habla del fomato tochal (que graciosos los de PDA, aunque no me parece un nombre acertado porque evoca a otoñal). Tochal es la forma coloquial con la que el departamento del UDC de PDA conoce al formato de "La muerte de Superman". Es decir, un tomo bien gordo que me imagino que será incomodo de leer, no dejará disfrutar al 100% los dibujos y le quitará gracia a unos contenidos pensados para ser leídos episódicamente. En fin, para gustos colores. Lo que me preocupa es que deja caer que la JLA de Morrison se editará en ese formato.
Sentaos que os voy a contar un cuento.
El cuento del seguidor español de la JLA de Morrison.
Todo empieza en los estertores del siglo XX. Zinco ha desaparecido, así que vid intenta cubrir el hueco que ha dejado. Entre su escaso catálogo está esta serie. La cole comienza muy bien y la edición me parece simpática aunque la traducción no sea buena, también es cierto que los mejicanismos no me importan. Tampoco os imaginéis que el cómic estaba plagado de gringos, chingadas, cuates, etc.
Bien, esta edición normalita para los estándares actuales (cara y torpemente packageada) se terminó a pocos números del final aún no sé porque. Entonces, el hueco que dejó vid vino a llenarlo Norma. Esta tardó en sacar esta etapa y cuando lo hizo, comenzó por el principio en una alucinante edición, pues cada número era más caro que el anterior no sólo porque aumentaban las páginas, sino porque la proporción entre estas y el precio final subía en cada número. Al final, Norma perdió el derecho de publicar el UDC, pero le dio tiempo para sacar algunos números inéditos de esta etapa, no todos. Este tomo no lo tengo, era carísimo y ya tenía parte de su contenido y menos mal. Porque luego me enteré de que su traducción es tan nefasta que lo convierte en ilegible.
Tiempo después descubrí que una amiga mía era amiga de la que lo tradujo. No recuerdo bien los detalles, pero el caso es que era una becaria recién llegada a esa empresa (que estaba especializada en mangas) a la que le cayó el marrón de traducir el tomo. El problema mayor no estaba en su capacidad traductora-interpretadora, sino en que jamás había leído un cómic de superhéroes y que nadie en esa empresa (y en Norma) la apoyó, ayudó o revisó lo que hizo.
Continuo. Cuando ya estaba pensando en comprar por 1º vez comics estadounidenses para tener, por fin, el final de esa etapa. PDA decide sacar un tomo con los últimos números inéditos además de asegurar que tarde o temprano reeditará esa etapa, que como digo esta bastante bien, aunque va de más a menos. Todo parecía que iba a ir bien. Pero sólo hasta que descubrimos que ese tomo emulaba el último tomo de Norma. Venía también con una nefasta traducción que lo convertía en ilegible. Es el famoso tomo "Gonder Coman".
En fin, que las editoriales que han publicado la etapa de Morrison en la JLA han hecho todo lo posible para fastidiar a su comprador. Así que por eso creo que por decendencia, PDA debería publicarla no en un tochal, sino en partes, para que los que llevamos casi 10 años intentándola tenerla en español, no tengamos que haberla comprado por triplicado. Así que por eso escribo este post, para pedir a DH que se lo piense, que tenga clemencia. Que sólo edite la JLA de Morrison en tochal si Y SÓLO SI a todo aquel que presente su tomo "Gonder Coman" en la tienda, esta se lo cambie gratis por el tochal.

6.5.08

Fuentes de inspiración de la Silver Age: Ultimátum a la Tierra

Revideando "Ultimátum a la Tierra" (buena, interesante y original película de 1951, que ha soportado muy bien el paso del Tiempo) me encontré con que sea la posible fuente de inspiración para 2 pjs Marvel, Cíclope y el Destructor.
Cíclope es de sobras conocido. Uno de los mutis más importantes, el tipo serio y torturado porque si abre los ojos, dispara un rayo letal. Para poder hacer una vida normal, lleva un visor que permite neutralizarlo a voluntad. Un pj casi calcado es el Destructor. Creación de Odín, un autómata de poder incomensurable que se libera totalmente en forma de rayo de terrible poder destructor, el Rayo Desintegrador, que surge a la altura de sus ojos a través de un visor. En resumen, 2 pjs con un parecido visual más que razonable.

Pues bien, en "Ultimátum a la Tierra" esta el robot Gork quien, además de su gran fuerza y resistencia y su impenetrable armadura, dispara un rayo letal desde su zona ocular cuando Gork levanta el visor que la cubre. Aquí en la imagen lo podéis ver muy bien.

Así pues creo que es evidente de donde salen los poderes y el diseño de Cíclope, aunque su humanidad marca una gran diferencia con Gork. En cambio, Gork y el Destructor son casi gemelos. Ambos son construcciones, son seres artificiales al servicio de seres vivos, Klaatu en la peli, Odín en el UM. No tienen conciencia, son herramientas al servicio de sus amos (aunque el Destructor, al estar animado por un ser vivo, a veces ha llegado a tener conciencia). Ambos poseen un poder capaz de destruir planetas. Ambos, en cierto sentido en el caso de Gork pues esta al servico de una civilización más avanzada que la de la Tierra, estan al servicio de un poder superior. Ambos sólo pueden ser activados por sus amos. Y por último, ambos activan su mayor arma accionando su visor.

Así pues, aunque la idea de un ser que lanza rayos por los ojos es muy antigua. En la mitología hay muchos seres, ahora me viene a la cabeza Balor, que son generalmente como una metáfora del sol. Creo que Grok ha jugado un papel importante en el subconsciente de los autores de Marvel, pues en el caso de Cíclope, el mecanismo que dispara los rayos es muy parecido, y en el caso de el Destructor ambos son máquinas de inmenso poder al servicio de un poder extraterrestre.

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