31.12.08

Videados 55: My blueberry nights, Wong Kar-Wai 2007

Quería haber terminado el año con 100 post, pero al final no ha podido ser por esto de comprar los regalos, porque las fiestas han caído entresemana y que me he puesto enfermo (ya estoy mejor). De todas formas, lo termino con 99, que es un número, también, muy simbólico gracias a las rebajas.
Wong Kar-Wai tiene una peli, "Chunking express", que me encanta y por eso he visto una que otra peli suya. Me parece un gran director, pero creo que el secreto de su éxito no es ese, sino su originalidad frente al estandarizado e industrial cine jolibudiense, que cada año que pasa se carga más la biodiversidad de las pantallas occidentales (como muestra que una peli de uno de los directores más reconocidos del momento protagonizada por actores muy conocidos por el gran público haya tardado más de un año en estrenarse aquí). Esta originalidad temática y una sensibilidad artística inconmensurable comparada con la de cualquier director que se someta a Hollywood, es un oasis para el cinéfilo aburrido ya, de las gastadas propuestas del cine mainstream estadounidense. Pero en mi opinión este tipo de directores estan cayendo en lo mismo, pues al final sólo hacen la misma peli una y otra vez. En este caso, "My blueberry nights", no es más que otra versión de "Chunking express", que resulta estimable por el gran talento de Wong Kar-Wai y el estupendo trabajo de sus actores, ya que no tiene ninguna novedad o sorpresa respecto al cine de este chino.
La peli es romántica. Pero no de ese romanticismo exacerbado en el que se lleva todo al extremo y los pjs sufren mucho, no de ese en que se magnifica y distorsiona todo para poder emocionar al espectador(a). Es una peli romántica que te cuenta una historia ideal, lógicamente, sin dejar de ser verosímil y comedida, que es lo que me permite disfrutar con un género al que odio con toda mi alma (mi enemigo nº 1 son los musicales, luego las románticas). Es la típica historia de Wong en la que a un pj le cuesta mucho dar el paso de relevar al amado que lo ama.
Este tipo de cosas a mi me parece muy curiosas. Me refiero al romanticismo que esta impregnando toda la ficción oriental (japonesa, china y surcoreana) que nos llega últimamente. A mi me parece que si antes fue el Terror ahora es lo Romántico. Encuentro muchas semejanzas entre directores tan diferentes como Kim Ki Duk y Wong Kar-Wai. Ambos se dedican a hablar del amor de forma melodromática y sufrida, a sus pjs le cuesta amar. Esto tiene que responder a algo profundo pero inexplicable para nosotros al vivir en una sociedad y cultura diferentes, pero cuando te enteras de que en Japón aún se conciertan matrimonios y que muchos de estos, a pesar de resultar fallidos, no terminan en divorcios sino que los cónyuges siguen conviviendo a pesar de ser autónomos o que en Corea todavía te encarcelan por adúltero (no importa el sexo del cónyuge), empiezas a teorizar que esto debe nacer de vivir en unas sociedades hipermasificadas y donde lo tradicional colisiona con lo moderno-occidental porque aún no han conseguido conciliarlo. En mi opinión, el perdernos ese contexto hace difícil que el espectador medio occidental sepa leer estas pelis correctamente, por lo que en vez de ser tan populares como las de la Roberts (o más, ya que son mucho mejores) sean un cine marginado al circuito de los cines en v.o.s. (por ejemplo en Madrid ciudad, 9 días después de su estreno sólo quedan en cartel 2 copias dobladas frente a 5 en v.o.s., cuando la proporción de tipos de sala es exactamente al revés).
En fin, me meto ya en harina. Wong Kar-Wai hace, como es habitual, una buena dirección, sobria y tranquila dejando el efectismo a la fotografía o al metraje rodado a intervalos y proyectado luego de forma continua. Una dirección bastante convencional pero, gracias a la tremenda sensibilidad que tiene Wong, hay momentos verdaderamente hermosos y fantásticos como la escena del 1º beso. Que además es sorprendente porque a estas alturas del Cine, rodar un beso de forma diferente y novedosa es algo casi imposible y pongo el casi porque Wong me ha hecho ver que no era imposible. De esta forma esta gran escena, que casi vale la entrada del día del espectador (el cine en Madrid vale ya 7.4€, qué alguien nos rescate!), es absolutamente enternecedora y conmovedora.
Por otro lado, los actores estan todos muy bien, algo imprescindible cuando tienes un guión y una historia que hay que interpretar, no como en el cine popular, y donde todo descansa en los diálogos. No hay interpretaciones maravillosas, pero los actores, de entre los que yo destaco a Jude Law, consiguen hacerse con los pjs y lograr la empatía del espectador, porque entre otras cosas, sus pjs son bastante realistas. Que para mi es el principal valor del guión, bien escrito y que resulta original a pesar de tratar una historia ya muy gastada. El guión cuenta la historia de un viaje de introspección y de búsqueda interior. A la prota la han dejado y, antes de poder volver a amar, se va a hacer un viaje para reencontrar las cosas que esta amarga ruptura le han hecho perder (esto se ve en que las identificaciones de la prota mientras esta viajando son sólo partes de su nombre, de Elisabeth salen Lizzy y Beth), como son la confianza en el otro y el saber que su tragedia no es tan grande y tampoco única. Alrededor de este argumento tan típico como bien contado y desarrollado, tenemos reflexiones interesantísimas y habituales en el cine oriental, como que no es el nombre lo que en la era posmoderna nos identifica, pues ya somos tantos que nuestro nombre se repite por doquier, nuestra identidad descansa ahora sobre nuestros gustos particularísimos, o que el centro de la acción en las metrópolis posmodernas son los espacios públicos (en este caso calles y bares-restaurante-cafeterías), no son nuestros hogares (como aún lo son en la ficción occidental como prueba toda esa cantidad de series donde el centro es el hogar familiar) porque allí estamos solos y aislados. Es fuera, tanto de nuestra casa como de nosotros mismos, donde esta la vida.
En fin, por último destacar la típica fotografía con la que le gusta filmar a Wong. Una fotografía que pasteliza y empasta los colores, algo muy difícil de hacer, porque hacer que los colores hechos con luces casi parezcan estar hechos con pigmentos es algo chungísimo. Un fotografía muy particular donde predominan los colores cálidos (los actores parecen naranjas) que encajan muy bien con el tono de la peli, al igual que la música, como es habitual en Wong, que en España se pierde un poco ya que la similaridad esta más en la letra que en la música en sí, por lo que si uno no pilla algo de inglés esa parte de la peli se la pierde.
En fin, una buena peli, menos cómica de lo habitual en Wong, pues, a pesar de su previsibilidad, es siempre interesante y nunca aburrida y enternece, conmueve y sobre todo alegra y hace salir a uno optimista del cine. Una peli que no les va aparecer nada nuevo a los que hayan disfrutado "Chunking express", porque Wong apenas se ha movido un ápice, pero por lo menos si antes la chica necesitaba 365 días, ahora sólo necesita 300 para atraverse a dar el paso. En suma, una peli con la que ir con la novia para ganar muchos puntos sin tener que sufrir.

23.12.08

Videados 54: El Planeta de los Simios, F. J. Schaffner 1968

Esta seguramente sea la peli que más me deslumbró e impactó en mi infancia, como a todo chaval que creció en los 80 supongo. A pesar de su sobriedad y de que es más filosófica y conversacional que de acción y aventuras fue capaz de subyugar a aquella chiquillería porque todo el asunto de los simios era algo realmente impactante para un infante (no sé si lo seguirá siendo). Verlos hablar, verlos como dominan a los humanos y ver como estos han conservado tan sólo el nombre, pues la cualidad que los distingue y define, la inteligencia, no está en ellos, en suma, ver el mundo al revés, tiene algo de fascinante y terrorífico, de sublime tal y como lo formularon los románticos, que atrapa fácilmente la inocente y asustadiza alma infantil (modo Ternin off).

La volví a videar hace poco, años después de la última vez. La tenía bastante enterrada en la memoria. Salvo los momentos impactantes y archiconocidos no recordaba nada de ella. No recordaba que tenía un discurso complejo y filosófico por ejemplo. Así, el terrorífico viaje al futuro de Taylor (ser lanzado 2000 años al futuro, sin posibilidad de volver, a una Tierra dominada por simios para acabar siendo el único de tu especie) me sorprendió porque no me esperaba una película moderna que se está convirtiendo en un clásico del Cine que, con el tiempo, se codeará con "Ciudadano Kane", "Centauros del desierto" y cualquier otra de las que siempre están en la lista de 100 mejores pelis que elaboran, de cuando en cuando, los más reputados críticos cinematográficos.

El Planeta de los Simios comienza con un prólogo que, la verdad, parece de otro film, un monólogo de Charlon Heston que expone el descorazonamiento de EE.UU. a finales de los 60 desgarrado por disturbios sociales y raciales y empantanado en un conflicto (Vietnam) que no podía ganar. Después unos títulos de crédito, muy de la época, parten la peli y luego esta empieza de verdad, y termina siendo parecida a "2001", que es del mismo año, en cuanto que ambos hacen del viaje por la inmensidad oscura e infinita del Espacio un viaje lisérgico-espiritual de aprendizaje. Sólo que acaban en lugares distintos, uno finaliza en la extinción (su continuación despeja toda duda que tuviesen los optimistas) y el otro finaliza en el humano del futuro, a pesar de que ambos partieron del mismo lugar, los simios. 

Schaffner la rodó de forma bastante moderna, por lo que la dirección se acerca más a lo que se hace ahora que al estilo clásico de Hollywood que le precede. Es una dirección dinámica, enfática y con planos radicales y agresivos, ya por sus puntos de vista extremos, ya por estar encima de la acción, que narra bien el guión pero que a mí hoy me parece demasiado funcional y tímida. Me parece que Schaffner o bien no se dio cuenta de lo que tenía entre manos o bien no le daba mucha importancia a la CF y, por tanto, no explotó al máximo la tragedia y la locura de la historia. Por lo demás es una peli perfecta. La bs de Goldsmith es magnífica y poderosa. Basta oírla para evocar inmediatamente sus escenas porque da muy bien sonoridad a los sentimientos de inquietud y miedo tanto de Taylor como del público. El guión (seguramente influido por World without end y no muy fiel a la novela de Boulle; no la he leído pero tengo entendido que los simios no hablan inglés, y no es que Taylor se quede mudo, es que tarda en aprender su idioma) es certero pues desarrolló muy bien la historia y equilibró la parte trascendental con la de acción. Las actuaciones del cuarteto principal son excelentes. Charlton Heston, el impulsor de la peli, está fabuloso combinando fuerza, valentía y obstinación con abatimiento, desencanto y depresión en un papel que sólo él podía encarnar con solvencia, y los otros, la entrañable y tierna pareja de Zira y Cornelio (Aurelio en el doblaje español) y el dr. Zaius, lo hacen tan bien que superarn la distancia que impone llevar máscara. Y el maquillaje. Histórico como prueba que se llevó en los Oscars un premio a pesar de que entonces no había un Oscar de maquillaje. Sin él la peli no hubiera resultado tan creíble y, por tanto, tan perturbadora y demencial como es. De hecho es gracias a él que se filmó. Los del dinero ya entendían que el trabajo de los autores de El Planeta sería inútil sin un buen maquillaje porque la gente se reiría de ella como de las pelis de serie B de los 50. Así, gracias al maquillaje El Planeta de los Simios pudo cumplir su destino de ser un punto de no retorno para la CF cinematográfica junto a 2001 (y La noche de los muertos vivientes). Tampoco podemos olvidar el original y sobrio diseño de producción por dar la solidez que la sociedad simiesca necesitaba para respaldar al maquillaje y al guión. Así pues la peli es magnífica. Por eso va saliendo del saco de buenos films de entretenimiento para pasar al de clásicos ya que su cualidad de CF la ayuda a convertirse en algo atemporal y universal. 

También colabora en ello el debate que plantea pues sigue siendo totalmente actual a pesar de que el contexto de racismo y de Guerra Fría, que es lo que le daba su razón de ser en 1968, ya no existe. El Planeta nos habla de la colisión entre la ciencia y la religión (cristianismo), entonces bastante candente pues hasta 1962 los libros de texto estadounidenses no hablaban de la Evolución (la novela es de 1963 y se empezó a trabajar en su adaptación cinematográfica en 1964), y hoy algo pues los ultrarreligiosos del planeta (que no están muy lejos de nosotros pues el otro día una conocida de ventipocos me contó que en su colegio de monjas censuraron a Darwinsiguen plantando cara a la susodicha. Este tema lo aborda de una forma alegórica pues su acercamiento no es teórico sino narrativo, y de forma original pues no las enfrenta sino que las une, Zaius es el Ministro de Ciencia y Defensor de la Fe (la censura franquista decidió doblarlo por bien para eliminar cualquier referencia al conflicto entre Biblia y ciencia moderna), es decir conocimiento y religión son uno en el Planeta de los Simios. Así en la peli los buenos simios creen que el Simio puede venir del Hombre pero las autoridades simias lo niegan por los mismos motivos que lo hacen los ultrarreligiosos humanos: su texto sagrado se revelaría falso y su autoimagen de criatura divina y superior se enlodaría al tener parientes (algo mucho más destructivo para los simios pues aquí ninguno puede hablar y en la Tierra del futuro un humano puede hacerlo). También, los simios del film piensan de sus humanos lo mismo que los humanos de la realidad pensaban de sus simios. Pero el reconocimiento estadounidense de la Evolución no sólo fue una cuestión religiosa sino social pues también incumbía al racismo. La peli tuvo de fondo la reivindicación de los negros estadounidenses por la total igualdad con sus compatriotas blancos pues no la lograron hasta poco después del estreno de El Planeta. Por si hay dudas en su 1ª secuela (rodada al año siguiente aunque no estrenada hasta 1970) se escucha a un gorila: no digo que todos los humanos son malos simplemente porque su piel es blanca sic. Lo lógico hubiera sido decir: porque no son peludos, máxime cuando en El Planeta de Simios uno de los compañeros de Heston es negro y ningún simio lo ve raro. Esto me lleva a percatarme que todos los humanos animalizados del film son blancos, aunque fuese por ser políticamente correctos no deja de ser un toque subversivo que suma a la peli. Así, El Planeta se estrenó en el momento en que la Evolución y la igualdad de razas triunfó en EE.UU. Si los blancos descendemos del mono no cuesta reconocer que somos iguales a los negros. Por tanto el que el Planeta de los Simios sea la Tierra y sus habitantes inteligentes hablen inglés del siglo XX es porque la peli es una clara alegoría de la sociedad estadounidense de finales de los 60. Otra prueba dello es su reproducción del conflicto social de aquella década entre mujeres modernas y jóvenes y orden patriarcal (mucho más evidente en la siguiente secuela pues es pos68 y esta peli es pre68). Este es el origen de muchas de las diferencias entre ella y la novela. Mientras que en Europa se leyó como una fábula al estilo de las de Esopo al no tener problemas raciales y religiosos, en EE.UU. se leyó en clave racista y religiosa. Por eso la peli no sólo mete la religión, sino que la de los simios es muy similar a la cristianaEsto de ser un producto de su época no le pasa factura al film porque el conflicto entre creencia y conocimiento sirve para ilustrar el verdadero conflicto sobre el que trata El Planeta: el que hay entre conservación y descubrimiento. También ayuda a la atemporalidad del film el hecho de que esto se discuta entre un humano y un simio inteligente pues al ser algo fantástico no es coyuntural. Así, el conflicto de fondo es si merece la pena alterar un orden estable. La peli no se atreve a concluir claramente. Parece que piensa que es necesario que la ciencia tenga límites, o que a veces es preferible la ignorancia de algunos temas si procura bienestar que el que la ciencia dinamite las convenciones sociales y, por tanto, suma a la sociedad en un estado de incertidumbre o, incluso, de peligro. No hay que olvidar en este punto que El Planeta es un posapocalipsis nuclear.

La Evolución se refiere, más que a ciencia y religión, al Hombre. Por eso la peli también habla sobre él. Era otro tema que estaba de moda. Lo pinta mal, como alguien que todo lo fastidia (el fantasma de Adán y Eva). La conjunción de guerras mundiales y las bombas nucleares con el cristianismo resultó fatal para la autoestima humana. Así, se remarca su falibilidad, su agresividad suicida (muy de moda en aquella época porque su estudio se estaba abordando por 1ª vez de forma científica) debida según la creencia de aquel momento a una emotividad-irracionalidad que lo bestializa (el Legislador dice que hay que expulsarlo a la jungla) y su absoluta falta de solidaridad (en el prólogo Taylor pregunta a la humanidad del futuro si sigue dejando morir de hambre a los hijos de sus vecinos; le respondemos que sí). Esto no sólo es el reproche que hacen los simios a Taylor como representante de la humanidad, sino también la razón del desencanto que impulsó a este a participar en un experimento suicida. Él mismo nos dice que la humanidad del siglo XX no le gustaba y que se fue porque cree que en el Universo hay algo mejor que el Hombre (recuerden que para al menos los cristianos este es la cumbre de la Creación, idea de la que Taylor se burla en el prólogo). Aquí falla estrepitosamente la peli, se nota más ahora fuera de la Guerra Fría y sin recuerdos personales de las grandes guerras que la precedieron, ya que se contradice a sí misma en este punto al presentar una humanidad bestial que es de todo menos feroz. En fin, esta visión pesimista del Hombre de El Planeta contrasta con el optimismo de la mentada 2001 (Clarke fue una persona optimista a pesar de ser reprimido por su sociedad por su orientación sexual, quizás no hubiera sido así de haber sido prisionero de los japos imperialistas como Boulle), pero es que es más de su época que la de Kubrick, por eso la acción desta transcurre 33 años después de su estreno mientras que la suya en 1972. El planeta fue rodada en 1967 pero ya tenía el pesimismo derivado del autodesprecio de raíz cristiana que aquejó a Occidente desde 1968 durante 10 años (podemos considerar que la vitalista y retro Guerra de las Galaxias, estrenada en 1977, certifica el final de ese período depresivo). No obstante esta visión negativa no es total pues la indomabilidad de Heston-Taylor (que significa sastre, pero también adaptar; no es el nombre del prota de la novela) revindica a la humanidad y sugiere que su instinto de supervivencia le salvará de sus talones de Aquiles. En todo caso para los de cultura cristiana lo que hace la peli, igual la novela, es bajar a la humanidad del pedestal en el que la Biblia la ha puesto y encima hacerla responsable de la Tierra en vez de su señora subrayando su animalidad. Algo entonces todavía moderno pues aún no se sabía que los grandes simios son capaces de aprender lenguaje de signos y casi nadie había oído hablar de J. Goodall ni de D. Fossey. Tampoco hay que olvidar que el estudio del Hombre como animal estaba dando sus 1º frutos. De 1967 es uno de los pocos libros que se deben leer: El mono desnudo, un análisis de la humanidad exclusivamente desde una perspectiva zoológica. También fue moderno denunciar los experimentos con los cuerpos de animales vivos (en los 50 y 60 hubo quien se dedicaba a trasplantar cabezas de animales vivos a otros cuerpos de animales vivos con cabeza de la misma especie, antes de la peli las víctimas fueron perros y después monos). A pesar dello El Planeta no deja de ser conservadora pues la parte que alegoriza el conflicto de su época entre hombres y mujeres y maduros y jóvenes, asimilando este último par enfrentado a sabiduría y progreso respectivamente, se decanta sutilmente por los 1º. Al final la tiranía que ejerce contra los jóvenes Zira y Cornelio el viejo Zaiussolemne a pesar de su convencionalidad y su calidad de villano gracias a M. Evans, es bondadosa porque está protegiendo a sus congéneres de un conocimiento que resultará devastador pues la sociedad simia está basada en la separación radical entre simios y animales (tal efecto se puede ver en las humanas que se basan o basaban en religiones que no contemplan la reencarnación). Por tanto los maduros Schaffner, Heston y Wilson (el guionista, que tuvo que huir de EE.UU. por rojo, que aunque no nos suene es uno de los grandes guionistas clásicos de Hollywood y que adaptó antes la otra novela famosa de Boulle: El puente sobre el río Kwai) nos dicen que la veteranía es un grado. No están en contra del cambio pero piensan que cada cosa tiene su momento, y este lo dictan los mayores. Seguramente también que los mitos judíos asumidos por los cristianos siguen siendo válidos en lo esencial, el hombre como criatura caída, y por ello no hay que temer a la ciencia porque si es Verdad al final no puede resultar más que ser Verdad. 

Todo esto se nos cuenta a través de escenas inolvidables por su contundencia como la presentación de los simios inteligentes como jinetes armados que persiguen una, más que primitiva, animal humanidad, la escena en la que Charlton Heston, todo dientes y con la cámara encima, espeta esa gran fase: "quita de encima tus sucias zarpas mono asqueroso!", que deja tanto a los simios como al público humano de piedra, la escena del beso entre Zira y Taylor, no muy bien rodada pero realmente tierna y que lima un poco la dureza y acritud por la que ha transcurrido la peli, donde destaca K. Hunter porque, a pesar del maquillaje deformante, consigue transmitir muy bien el debate interior de la simia entre la parte a la que le repugna los humanos y la parte, muy femenina, que desea besar al héroe, o la última escena ("Maníacos!"; "Qué habéis hecho?"; "Yo os maldigo!"; "Yo os maldigo a todos!"), seguramente una de las 10 más impactantes del Cine, no muy elegantemente filmada por Schaffner pues optó por la burdedad de un zoom en vez de por la elegancia y poesía de un paneo o un travelling, maravillosa por su metalenguaje, Charlton Heston está maldiciéndonos, y sobrecogedora no por el espectáculo de nuestros restos sino porque Nova es incapaz de comprender. Un contundente final rematado con unos títulos de crédito breves y mudos que nos dejan solos, al prolongar ese aislamiento que impone el cine en el espectador, para que reflexionemos sobre nosotros mismos dado nuestro sobrecogimiento.

Así pues "El planeta de los simios" es una gran peli. Es sencilla, sobria y directa pero al contar con un inteligente y fantástico guión que nos presenta descarnadamente el mundo al revés (el viaje de Taylor es un auténtico viaje al otro lado del espejo), una música estupenda para poner en situación, unas interpretaciones que dan solidez, verosimilitud y sentimiento al guión y un maquillaje y diseño de producción espectaculares, no sólo ha resistido los estragos del tiempo, sino que ha mejorado. A verla!

P.D: veanla en v.o.s. que, aunque el doblaje español es magnífico, la traducción es más floja, y busquen el BD o algo que se le parezca pues la versión de todas las ediciones de DVD es 4 minutos más corta que el metraje original.

19.12.08

Ya lo dijo Steranko

"Ciertamente, creo que los cómics de Marvel no son perfectos, les vendría bien una mejora. A cada serie le vendría bien una mejora. Es sólo una cuestión de trabajo de adivinación, pero Gary, ¿cómo puedes estar seguro? Y ellos no quieren cambiar. Ellos solamente quieren seguir de la manera en que están; vender del modo en que lo hacen. ¡Es tan simple como eso!"
Esto lo dijo (la negrita es mía) Steranko en 1969! y también se refería a DC. Todo esto y más en una imprescindible entrevista que en Entrecomics nos han hecho el favor de traducir, donde, entre otras cosas, conocemos más sobre la industria estadounidense del cómic y entendemos mejor porque Steranko es un genio (a lo Orson Welles y por eso no hemos podido disftutar de él como merece su talento y brillantez) y, seguramente, el único que ha surgido en EE.UU. después de Kirby al que se le puede llamar artista.

17.12.08

Critiquita 260: Percevan nº 11-2, Léturgie y Luguy, Norma 2008

Por fin Norma se dignó a sacar los números inéditos de Percevan, una de mis series favoritas cuando era adolescente. Ha sido una agradable sorpresa pues, como esta editorial llevaba años asegurando que iba a sacarlos, yo había dejado de creer sus declaraciones.
Percevan es la típica serie de fantasía medieval francesa, es decir el realismo pesa más que en la anglosajona (señores de los anillos y demás), y es también el típico cómic juvenil (para adolescentes) francés, aunque con un poquito más de sexualidad. Es, pues, un cómic de género e industrial sin nada nuevo en sus páginas, tan sólo como afrontan y plasman sus autores el esquema y las exigencias de un producto estandarizado. Nos relata las aventuras de Percevan, el típico héroe galán y gallardo, y su amigo Kervin, el típico gordo simpático, gracioso y cobarde con corazón de león, en un mundo fantástico, que podría ser la Francia del siglo XIII si esta hubiese estado habitada por magos, brujas y monstruos.
Léturgie se desenvuelve bien en este mundo convencional al conseguir superar el cliché y los pjs típicos y planos con tramas sencillas pero bien desarrolladas, un mundo sólido y coherente, basado en secundarios recurrentes, diálogos eficientes, buena comicidad y cierta originalidad e imaginación, y una lectura agradable y sencilla que no se agota en posteriores lecturas. En esta última aventura Percevan intenta salvar el mundo del apocalipsis y el resultado, por desgracia, esta por debajo de la media de la serie. Da lo mínimo porque el enfoque es más convencional de lo habitual y Léturgie no puede ocultar que la historia esta estirada. Supongo que es la manifestación de la falta de interés de unos autores que han tardado 6 años en hacer la aventura completa.
Luguy es para mi la principal razón de que esta serie me guste y, a diferencia del guionista, su calidad no ha disminuido en esta última aventura. Su dibujo sencillo y caricaturesco, lo típico de este estilo de cómic, recuerda un poco a Mezieres y al manga, destaca por su eficacia (aunque nunca se complica la vida haciendo composiciones raras o adoptando extremos puntos de vista), por el diseño de pjs secundarios (más barrocos ya que no tiene que dibujarlos constantemente) y por su barroquismo y detallismo en los fondos y en los motivos fantásticos. Además, Luguy es un buen narrador de estilo clásico y sabe imprimir dinamismo y energía a sus dibujos. Así pues, su trabajo no destaca por su belleza o calidad pero, como es sólido, competente, imaginativo y currado, responde muy bien a las necesidades del guión y del género y consigue que la serie de Percevan tenga alma.
Así pues, estos últimos números han decepcionado mis expectativas conservadas durante años, pues la historia es floja, pero sigue siendo un buen cómic francés juvenil. No hay que olvidar que este es un cómic para pasar el rato, no tiene vocación de excelencia ni esta pensado para paladares exigentes.

11.12.08

Jonás &Tomás

Esto que os encontráis aquí es una historieta de una página que hice cuando a principios de años Norma buscaba autores para su Dibus. No sé nada de eso, quiero decir que lo envié y hace meses que pasó el plazo y no sé quien fue el escogido, pero doy por hecho que yo no. Al margen de cualquier otra consideración, lo que vais a ver no es exactamente lo que ellos buscaban. En fin, el caso es que el inventó a mi me gustó mucho y tengo varias ideas para historietas apuntadas que se perderán, me imagino, por falta de motivación, principalmente, para llevarlas a cabo. En fin, espero que el resultado os parezca tan simpático y divertido como a mí.









Y ahora un pasatiempo, a ver si véis estos cuadros en alguna viñeta.


9.12.08

Algunos comics buenos

Bueno, como es tradición ya, toca escribir un post sobre los comics que he leído durante el último año Critikrator (de 23-XI a 23-XI) que más me han gustado. Pero antes decir que este año me ha parecido flojo, no me refiero sólo a las novedades, ya que no sólo leo eso, aunque también es cierto que no ha salido ninguna obra nueva que sea excepcional. Así que por desgracia no he leído nada nuevo que me haya encantado. De todas formas, eso no ha hecho que esta selección sea peor que la de años anteriores, cualquiera de estos comics podrían haber estado en ellas si el orden de lectura hubiera sido distinto. En fin, al tema.
Sahrazad: cómic europeo del bueno. Toppi nos cuenta algunos cuentos de "Las 1000 y 1 noches" de forma excepcional gracias a un trabajo maravilloso como dibujante de comics. De forma que se marcó una obra genial y única por una técnica narrativa que funde las viñetas para crear un todo que las trasciende. Además, el espléndido dibujo imaginativo y poético y un dominio excelente del color y del b&n también contribuyen a que este cómic sea una delicia visual indispensable.
La Liga de los Caballeros Extraordinarios: un gran cómic de MOORE. Más que una obra menor pertenece a su grupo de obras sencillas y accesibles, por lo que no deja de ser un cómic notable. Una gran idea, un magnífico estudio de pjs y un O´Neill grotesco y singular, pero perfecto, son lo que hacen sobresalir a estas 2 miniseries.
Nick Furia agente de SHIELD: lo de Steranko por supuesto. Un clásico imperecedero gracias a que Steranko captó perfectamente su época en unos guiones rabiosamente Pop, que, son el punto y final de la época donde la imaginación, la sorpresa y la maravilla presidía los guiones del género superheroico. El canto del cisne de una forma de entender a los superhéroes que fue sustituida paulatinamente por la corriente que, desgraciadamente, nos ha llevado hasta Bendis. Pero la obra brilla sobre todo por un dibujo absolutamente revolucionario y genial, por lo que no ha sido imitado. Steranko aportó al dibujo de comics un poso estético y artístico tremendo de modo que él es otro de los grandes del Pop Art. En fin, un cómic único porque como todo lo genial, no puede ser continuado ni imitado por los demás mortales.
Ironwolf: Las llamas de la Revolución: un gran cómic de CF muy redondo gracias a un guión comprensible, ambicioso y enérgico de Chaykin, donde se combinan a la perfección la aventura y la acción con la política, y un dibujo de Mignola excelente por su creativa plasmación de un futuro que se parece mucho a nuestro pasado.
Nacido Salvaje: excelente trabajo de de Felipe y Aibar donde muestran como la Guerra de Vietnam tornó en pesadilla el sueño americano. Magníficas las breves historias por su intensidad y oscuridad gracias a lo bien que se apoyan mutuamente el guión y el dibujo. También excelente la edición que hizo en grapa Glénat.
La Edad de Bronce: excelente trabajo de Shanower porque nos brinda en él, a la par que una versión magistral de la Guerra de Troya por su ambición de totalidad y su magnífica actualización sin traicionar el original, el placer de ver como un clásico se va haciendo. Trabajo tremendo y lectura fantástica es lo que ofrecen los tomos (caros) de "La Edad de Bronce".
Asa, el ejecutor: impresionante manga por su fuerza, vigor y melodrama de forma que es una obra absolutamente sobrecogedora donde se reflexiona sobre el individuo y la sociedad. Una obra donde Keiko y Kozue hacen una genial y maravillosa pirueta, pues nos cuentan decenas de historias breves tremendamente pasionales y emocionantes a través de la típica alma japonesa, estoica, fría, introvertida y contenida.
El Conan de Thomas y BWS: comics sencillos pero llenos de fantasía y vigor gracias a la sabia adaptación que hizo Thomas de la obra de Howard y al revolucionario trabajo de BWS, que a su modo intentó una nueva revolución sterankiana. No lo consiguió porque recargó demasiado las páginas y su meticulosidad era demasiado para las limitadas y baratas técnicas de impresión del cómic popular de principios de los 70, pero de todas formas, la fantasía, la imaginación, la fuerza y el aire prerrafaelista del dibujo de BWS siguen haciendo a estos comics espectaculares y singulares. Un trabajo que llega a tocar el cielo en "Clavos rojos".
Shaolin Cowboy: absurda obra de Darrow que brilla por la excelente armonía que consigue este autor entre su hiperrealista dibujo y sus guiones surrealistas. Un cómic único y singular, ultraviolento y ácido, donde vemos cosas que nunca habíamos imaginado y nunca veremos en otro sitio.
Nexus: gran cómic de CF donde se combina perfectamente la reflexión con el entretenimiento y la diversión. Un cómic cuyo ochenterismo no le ha hecho envejecer o pasar de moda gracias a unos inteligentes, originales y cómicos guiones y a un dibujo clásico y elegante y una excelente narrativa.
Pues ale, ya esta.

4.12.08

Balda Europea II

Pues con este post doy por terminado esta serie de Mi cole. El censo de mis comics no es exhaustivo, aunque es obvio que iba ser así, yo no caí en el tema. Es obvio porque la cole de un coleccionista esta creciendo constántemente no sólo con novedades, sino también con antiguallas y gangas, además, por problemas de espacio, he tenido que reconfigurar mis estanterías y empezar a tener que poner comics en horizontal en el espacio que hay entre la parte superior de los comics y la parte inferior de la balda superior. En fin, que ahora pocas baldas estan como las describí en su momento. También el tema es que no pensé que iba a tardar poco más de 2 años! en completar la serie. En mi ingenuidad calculé que sería cosa de unos meses.
Bueno, centrándonos en el tema esta es la segunda parte de mi balda europea (es que es muy larga), compuesta por comics francobelgas.
Los héroes caballeros: un incursión de la moribunda Zinco en el mercado francés. La edición es en prestigios de la época. El cómic me parece cojonudo, tanto en guión como en dibujo. Es una versión moderna e historicista de las aventura de Perceval (el que fue a buscar el Grial según C. de Troyes). Sólo son 2 números y deja la historia colgadísima lo cual da mucha rabia ya que, como sabéis, soy un fan de la Materia Artúrica y estos comics estan muy bien (ese es mi recuerdo). Nunca he mirado si en Francia salieron más, en parte por ojos que no ven, corazón que no siente y en parte porque de poco me iba servir que haya más ya que de francés ni papa.
Arturo: serie de los 90 que aquí empezó a publicar Aleta el año pasado y de la que no sabe nada más. He preguntado a la editorial si la va a continuar pero no me contesta. En fin, es una versión historicista y centrada en los mitos galeses, no en las novelas de caballería, de la Materia Artúrica. El único número publicado, Myrddin, en mi opinión es flojo pero los autores dejaban lugar a la esperanza de que la serie mejorará.
Foc: una trilogía de Zinco en formato prestigio pero tamaño, si no me falla la memoria, más grande que el francés. Es una historia fantaciéntifica ambientada en la Edad Media. No esta mal, es muy de la época (80´s), pero yo tengo dificultad con su dibujo hosco y grotesco.
Thorgal: en un momento de mi vida no tenía mucho que comprar y decidí empezar con Thorgal, la Cole de Fantasía francesa. Naturalmente ese momento cesó rápidamente y yo me quedé sólo con el 1º nº, que es flojo y desde luego no da pistas de lo que se va a convertir la serie.
Estela: fantástica serie de comics juveniles de CF. Un trabajo espléndido de guión, muy de género, así que originalidad poca, pero si con mucho entretenimiento y diversión. El dibujo caricaturesco típico de este tipo de cómic francés y como todo lo noventero, con influencia manga, es lo mejor, muy creativo e imaginativo, excelente en cuanto anatomía y proporciones y una narrativa francesa muy moderna. Es una gran obra de género. El único pero es que es un poco irregular, la calidad interalbumes varia bastante.
Atalanta: serie que cuenta el viaje de los argonautas desde la perspectiva de la única mujer de aquel legendario grupo, Atalanta. Los guiones son flojísimos pero el trabajo de Crisse, un genial dibujante maestro en lo suyo, dibujo caricaturesco francés, creativo y original, me encanta. Hace tiempo que por aquí no se ve nada, así que igual no ha seguido en Francia, lo cual no me sorprendería porque el cómic es tan malo que su maravilloso dibujo no puede redimirlo.
La Espada de Cristal: historia de Fantasía bastante maja y original dentro de que también es muy de género. De nuevo el buen hacer de Crisse es una de sus mejores bazas gracias a su imaginación y la sensualidad con la que dibuja féminas. Lo malo es que la edición de Norma no es muy buena, hay bastantes páginas mal reproducidas, aunque ya no sé si es tema de Norma o de los originales.
La balada de las Landas Perdidas: una historia de Fantasía aunque esta más cerca de las leyendas medievales que de un relato a lo Tolkien. Tiene su puntillo de magia y brujería pero por lo demás es un relato entretenido y original porque no es un cómic de acción y aventuras. Lo mejor es el sólido mundo y la parte final, un relato de intrigas políticas, cosa que no es muy habitual en el Cómic.
Moriganes: el intento de explotar el mundo de las Landas Perdidas. Este relato, no muy allá, se sitúa en el pasado de las Landas. El tema es muy prometedor pero aquí sólo se ha publicado un nº años a, ignoro si en Francia ha continuado o si Norma va a seguirlo. A mi me gustaría seguir leyéndolo.
La búsqueda del pájaro del tiempo: una de las obras más famosas del cómic francés de los 80. Son unos comics de Fantasía, bastante originales y sorprendentes, protagonizados por una pelirroja tetona que, por desgracia, jamás se desnuda. Es un cómic que por su calidad merecía una reedición.
Los compañeros del crepúsculo: un cómic de Fantasía y como es francés, la ambientación histórica es más importante que la fantástica. Es muy bueno, de los mejores que he leído. Historia imaginativa, emocionante e intrigante, un dibujo espléndido, una recreación histórica buensíma, erótico, ya que es de los 80 ... En fin, un gran cómic que merecé la reedición.
Umpah Pah: cómic de Goscinny y Uderzo ambientado en la América colonial francesa protagonizado por una pareja genial, un indio forzudo, audaz y astuto y un noble francés débil, cobarde e ingenuo. Me molaba mucho de pequeño, cuando la volví a releer hace poco me dejó mal sabor de boca. Uderzo esta espléndido pero los guiones de Goscinny flojean mucho, alguna idea genial, pero es un cómic muy alejado en cuanto calidad de la magna opus "Astérix y Obélix".
Henry Dickson: no recuerdo mucho de este cómic. Sólo se publicaron aquí 2 números, no sé si hay más. Es un cómic bastante adulto, lo cual me sorprendió en su momento ya que su estilo es línea clara, cosa que yo por entoces lo tenía asociado a temática juvenil. Es de espías en la 2º GM creo.
Casacas azules: genial cómic juvenil sobre soldados de caballería estadounidenses en el Oeste. Un cómic principalmente cómico pero con mucho respeto a la historia y homenajeando a los mejores Western, aquí se publicaron 8 creo y hay un montón. Es un una pena que la crisis de los 90 se llevara por delante el cómic francobelga juvenil en este país, porque por ejemplo, esta serie, a pesar de tener un dibujo simple y burdo, aunque muy eficiente, es buenísima. Bueno, así lo recuerdo yo, que hace que no la leo ...
Blueberry: aunque parezca lo contrario, el Western no me va mucho. Empezé esta cole porque un amigo de mis padres aficionado a los comics, me regaló como 1/3 de esta. Con la edad he empezado a apreciarlos. De pequeño me parecían demasiado liosos y tostones. Ahora aprecio unos guiones complejísimos que huyen con éxito del esquema del género, una exquisita ambientación y un dibujo de Giraud impresionante por su hiperrealismo y el trabajo que eso llevó. Me parece un cómic duro porque su lectura no es ligera, quiero decir que no me parece un cómic adecuado para iniciarse en este forma de narración, pero eso sí, es un clásico que hay que leer sin ninguna duda. De todas formas yo no tengo todos, he pasado de las continuaciones y de los clásicos debo tener 2/3, es que como dije, el Western no es lo mío.
Percevan: cole juvenil maravillosa de fantasía medieval a la francesa. Son comics sencillos pero divertidos y dinámicos y con un dibujo modesto, pero muy eficiente y creativo que defiende muy bien el guión plasmando muy bien la fantasía y dando expresividad y emoción. Es, digamos un cómic industrial y de género pero con cierta identidad o singularidad que lo convierte en una agradable lectura que no envejece. Lo bueno es que por fin Norma ha decidido publicar los pocos nº inéditos que quedaban.
Pitufos: genial obra de Peyo que, desgraciadamente, se va deteriorando a medida que avanza. Poco hay que decir de los archiconocidos pitufos, si acaso resaltar la maestría de Peyo como dibujante de comis y los 6 primeros números, clásicos entre los clásicos.
Johan y Pirluit: otra obra de Peyo de aventuras fantásticomediavales para el público infantil, hecha con la suficiente inteligencia y habilidad como para satisfacer a todos los públicos. Es la verdadera gran obra de Peyo y un auténtico dislate que lleve como 20 años o más sin reeditarse. "La guerra de Tomoylomo" es un cómic absolutamente genial. Con comics así es imposible no aficionarse, no en vano Johan, Pirluit y los pitufos son los que me aficionaron al Cómic en mi tierna infancia.
Tintín: poco que decir de este clásico entre los clásicos. No soy tintinólogo, tampoco muy aficionado, Tintín me parecía aburrido incluso de pequeño. Pero Hergé me ha parecido siempre un dibujante espléndido e impresionante, de los mejores de todos los tiempos. Un auténtico maestro en todas las facetas de dibujante de cómic, excelente sobre todo para la comicidad, yo aún me río con Tintín. De todas formas, aunque hayan envejecido y sean un poco pesados de leer, su lectura es obligatoria porque son un gran documento de la época, decisivos en la formación artística tanto del cómic en general (el 1º Tintín es de 1928) como del francobelga en particular y porque Haddock es uno de los pjs más geniales y simpáticos de toda la historia del Cómic.
Las legiones de Hierro: cómic de CF con aire de Fantasía Heroica bastante bueno, lamentablemente no hay más que el 1º número. :(
También comentar para terminar que tengo los 3 volúmenes de "Spirit" que editó El Mundo, que he sido incapaz de leer, y todo Lobo hasta el 1º tomo de su cole regular editado por Zinco, ahí me cansé definitivamente. A pesar de que con su reciente rescate la gente se ha hinchado a poner verde a este cole, pienso que "El último czarciano", "Infanticidio" y "Paramilitary Christmas" son comics genialísimos, que marcaron época y siguen estando muy bien.

27.11.08

Conan y Belit

Continuo con mi relectura de "Conan el bárbaro", que se me esta haciendo cuesta arriba por lo poco imaginativo que es el trabajo de sus autores, en especial por los pesados guiones de Thomas, lo que me lleva a la larga etapa de Belit. Un momento histórico en la cole, pues la serie cambió tan radicalmente que pasó a estar protagonizada por una pareja (algo habitual en la Marvel setentera). También es una de las mejores etapas de la cole como prueba el que haya sido editada en España como 5 veces en diferentes formatos. Yo no le veo la genialidad por ninguna parte, no me parece gran cosa, pero sí es cierto que en su contexto sobresale porque los números, tanto inmediatamente anteriores como posteriores de esta larga etapa, son muy mediocres, los peores de la cole.
La 1º de estas ediciones es la que yo tengo, son los números 4-24 de la 1º edición de forum de "Conan el bárbaro" publicados en 1983. Esta edición comprende los nº estadounidenses 52-100 ambos inclusive menos los nº 64 y 78 porque son episodios de la Espada Salvaje de Conan (nº 11 y 13 en la edición española de esa cole).
Los nº 1-3 españoles fueron un intento por parte de Thomas de cambiar de tercio, pues debió darse cuenta de que la cole había caído en barrena por unas historias sin imaginación y repititivas. El cambió consistió en hacer de "Conan el bárbaro" una serie grupal introduciendo una compañía de mercenarios. Así, enriquecían la serie el jefe de la compañía, al dar un toque aristocrático y civilizado que realzaba más la barbarie de Conan, y una muchachuela, al dar alivio cómico por su condición juvenil y femenina y por obligar a Conan a adoptar el rol de tutor. Pero pronto Thomas desechó la idea, supongo que al darse cuenta de que ese enfoque traicionaba el espíritu de Conan, por lo que se deshizo rápido de los secundarios. Tras la breve saga de Ronnoco, donde las pocas buenas ideas de la historia fueron sepultadas por un desarrollo nada interesante y un trabajo pobrísimo de J. Buscema, y una sencilla pero original historia bien contada y con su puntillo trágico, "La extraña y alta torre en la niebla" (nº 56 EE.UU.), a cerca de una ciudad sentiente que busca habitantes desesperadamente. Historia que remite a los buenos tiempos de la serie cuando el tándem Thomas-BWS hicieron un trabajo ya clásico. Le siguió el nº donde Thomas aprovecha para finiquitar el grupo y obligar a Conan a salir al mar para que se encuentre con Belit.
A partir de aquí (nº 58 EE.UU.), se inicia una larguísima etapa muy setentera pues la black explotation y lo femenino, que son el santo y seña de la Marvel de los 70, entran a borbotones en la cole a color de Conan. Con Belit aparece en la cole un pj femenino lo suficientemente fuerte e independiente como para adoptar un rol masculino (capitán pirata) y capaz, a diferencia de Red Sonja y Valeria que ya habían aparecido, de hacerse un hueco en la serie al entablar una relación amorosa con Conan, la única relación seria de este pj hasta que se casó. Este pj, además de emparejarse con Conan, lo tarzaniza al estar relacionada con la parte negra de la Era Hibórea, la cual no es más que una evocación del África negra que se encontraron los europeos en el XIX con vudú. De esta forma, lo negro y lo femenino se convierten en coprotagonistas de la serie de Conan, aunque sin tratamiento revindicativo o revalorativo. Belit sigue siendo una mujer que precisa de un hombre, de hecho hace varias veces el papel de damisela en peligro, y es suplantada como líder por Conan además, Thomas la retrata como una persona caprichosa, celosa, vanidosa, cruel y agresiva, así que no resulta un pj demasiado positivo y carismático, y los negros son superticiosos y primitivos y estan bajo las órdenes de los blancos.

Con esto, Thomas conseguía un cambio de aires bastante radical para la serie, el cual fue reforzado por la sustitución del ambiente terrestre y aventurero, hasta ahora dominante en la serie, por uno marino y pirático. Pero, aunque conseguió revolucionar la serie sin desvirtuarla, sus guiones, a pesar de ser mejores que la media de la cole, pocas veces dieron algo más que el mínimo exigible ya que su trabajo siguió tarado por una prosa inadecuada para un cómic, por excesiva, pesada y reiterativa, y una falta de originalidad e imaginación. El esquema de Conan va viajando y se encuentra un monstruo al que ha de vencer, que había llevado la cole al aburrimiento, seguió siendo el utilizado por Thomas. Otro problema de esta etapa es que resulta coja porque Thomas no logró en ningún momento dar sensación de realidad a la relación amorosa de Conan y Belit. Por eso, estos números, a pesar de la mejora, no consiguieron llegar a los niveles de calidad que alcanzaron los primeros de la cole.
De esta larga etapa sobresale la historia "La serpiente emplumada" (nº 65 EE.UU. basado en un relato de Howard). Una buena grapa gracias a la singular y perfecta fusión entre la historia típica del tesoro pirata con la historia típica de Fantasía de Howard. El 1º crossover de Conan fue con el vol.II de "Marvel Feature", donde estaban publicándose aventuras de Red Sonja. Comprende los nº 66-8 EE.UU. de la cole de Conan y el 6 y el 7 de la susodicha "Marvel Feature" (los cuales no fueron publicados hasta 1989, números que supongo no han sido publicados por la nueva edición de PDA). Es una historia resultona cuyos mejores números son los de Red Sonja porque Thorne demuestra lo que gana una cole de Fantasía cuando el dibujante es creativo y original. Siguió a esta historia el relato en 2 partes de Kelka, basado en un relato de R. E. Howard (casi todas las mejores historias de Thomas en la cole son las que se basan en los relatos del creador de Conan, creador también de Belit) que destaca por su vigoroso toque fantástico, típico de Howard, que evoca a la mitología. Poco después llega la parte estigia de la etapa de Conan y Belit, que es la mejor con diferencia de esta, demostrando Thomas que su trabajo esta más inspirado en entornos urbanos y cuando mezcla a Conan en política. Aunque el tema empieza en el nº 74 EE.UU., el asunto no se empieza a poner interesante hasta el 85, con la aparición de Zula, un gran pj que debería haber sido más explotado. A partir de aquí Thomas consigue sorprendernos con el pj de Neftha (muy sensual gracias a J. Buscema), una de los pocas féminas interesantes de la cole y que podría haber sido una gran némesis de Conan, y entretenernos con la inestabilidad política de Asgalún y unas aventuras que recuerdan, por su fantasía y vigor, a los mejores momentos de la cole de Conan hasta entonces, la etapa Thomas-BWS. Poco después termina la etapa-relación de Conan y Belit, pues llega el previsible desenlace en el nº 100 EE.UU. que fue doble. En él, Thomas pierde, tanto su última oportunidad para dar solidez a la relación amorosa de Conan, como dejar a Belit como un pj positivo, pues muere por avariciosa y traicionera.
En esta etapa, aunque no se ocupan de todos los números, es cuando la pareja J. Buscema-Chan toma cuerpo. A mi personalmente el tándem no me gusta porque creo que Chan no le hizo un favor a los dibujos de J. Buscema. Sobre todo aquí, ya que Chan pensaba en b&n. Su trabajo venía bien para las texturas y la atmósfera, pero eso no es necesario en un cómic a color, ya que es este el que se encarga de eso, por lo que en esta cole se agudizaba lo contraproducente, para el estilo de J. Buscema, que era el entintado de Chan, porque este destruía lo elegante, ligero y dinámico del dibujo de J. Buscema convirtiéndolo en algo pesado, rudo y romo, ya que cercenaba su expresividad. Lo único bueno que tiene es que mejoraba los sosos, convencionales y simples fondos y los poco imaginativos monstruos que hacía J. Buscema. Por eso, la responsabilidad de que la cole sea pesada y vulgar no sólo es de Thomas, sino también de J. Buscema que, aunque tiene la disculpa de que muchas veces se limitaba abocetar, nunca se esforzó en crear ambientes y atmósferas. La Edad Hibórea de J. Buscema parece una peli barata del Hollywood de los 50, así que no enriquece los guiones de Thomas contribuyendo, por tanto, al resultado gris y vulgar de los episodios. Su espléndido dominio de la anatomía, su notable clasicismo y su talento para dibujar la belleza femenina, muy importante en un cómic de Conan, no compensan un trabajo ramplón y falto de imaginación. Quizás esto no sería tan evidente si antes BWS no se hubiera salido con un dibujo lleno de fantasía y originalidad.
En fin, la etapa termina en julio de 1979, desapareciendo con ella las características setenteras de la serie, para dejar paso a los 80 y sus señas de identidad, Reagan, Stallone y Schwarzenegger.

25.11.08

Vuelve por un tiempo La Edad de Bronce

Hace unos meses hice un post que repasaba lo publicado en España de la serie "La Edad de Bronce". En él me preguntaba cual era el futuro de esta fabulosa serie en nuestro país, ya que su editorial Azake, opaca entre las opacas, había parado su publicación en el 2005! Ahora tengo la respuesta, pues Azake ha sacado otra entrega más, la nº 7 .
"La Edad de Bronce" es un proyecto personal ambiciosísimo con el que Shanower, el autor, planea contar la historia de la Guerra de Troya, que es más que la "Ilíada". De momento esta haciendo la mejor versión en cómic de ese ciclo épico y una de las mejores realizadas en cualquier arte. Es un trabajo estupendo y notable que destaca por el tremendo trabajo del autor, su profesionalidad y disciplina, su amor por el tema y por su vocación de ser un relato total.
Me encanta este cómic porque Shanower ha conseguido revivir aquella época a pesar de que, seguramente, casi todo el ciclo troyano sea ficción. Shanower ha conseguido, basándose en la arqueología, quizás de forma exagerada, pues eso ha supuesto un encorsetamiento de su arte, reconstruir de forma admirable y verosímil el final de la Edad de Bronce al norte del Egeo. Ha unido los datos dispersos que tenemos y los ha juntado en una recreación histórica admirable por su fidelidad con los que nos ha llegado arqueológicamente de aquella época y por su detallismo y verosimilitud, de forma que quizás "La Edad de Bronce" sea la mejor manera para conocer el aspecto que tuvo aquella época. También me encanta por sus pjs, pues Shanower los ha humanizado y modernizado brillantemente, ya que lo ha conseguido sin desnaturalizarlos. Elemento para mi clave de la tremenda bondad de este cómic, pues Shanower consigue que conozcamos a los pjs y por tanto nos ha dado la rara oportunidad de que empaticemos con ellos, pues han dejado de ser estereotipos y podemos superar el abismo temporal que nos separa con la versión (definitiva para los griegos, pero no para la humanidad) del ciclo que nos ha llegado, que hace que sus personalidades nos sean ininteligibles.
Esto es quizás lo mejor de la obra y uno de los puntos donde se ve la entidad del autor, pues por ejemplo, en contra de lo acostumbrado, Agamenón es un pj positivo a pesar de ser un buen rey, es decir un político maquiavélico. Nos cae bien porque vemos que su realeza es una pesada carga que enturbia sus relaciones familiares, pues siempre se mueve entre la conceptualización de sus familiares como seres humanos o como piezas de ajedrez, y personales, pues como macho alfa o primus inter pares ha de soportar mucha presión y mucha competencia e intentos de derribo. Pocas veces Agamenón no ha sido envilecido y pocas veces la soledad del mando se ha reflejado tan bien. Otro ejemplo es su Aquiles, bastante fiel al de Homero pero como los tiempos han cambiado, la audiencia ya no vive en una sociedad guerrera, su valentía, agresividad y crueldad ya no parecen admirables y su honradez y ambición nos parecen intolerantes. También esta Odiseo/Ulises que aquí es despojado del carácter heroico y humano que le dio la "Odisea" para ser un pj taimado y retorcido, no lo suficiente para ser un villano, pero si para ser antipático. También ha dado entidad a Príamo, el rey de Troya, que es un pj que siempre esta desdibujado porque al ser anciano ha delegado su autoridad en su hijo Héctor, por lo que tradicionalmente es un deus otiosus. Pero Shanower se ocupa de él, lo que es una de sus ideas más geniales, pues le sirve para contrapuntear a Agamenón y para hacer una Troya más profunda. De esta forma Príamo, al ser retratado como un padrino respetado y querido por todos amable y pacífico, casi un abuelete, contrasta con un Agamenón ambicioso, estresado por estar en una posición eminente pero nada estable y con unas relaciones turbias con su familia donde es el típico pj radical, en el sentido de que despierta u odios o amores sin términos medios. En cambio, su versión de Paris no es novedosa, pues lo retrata como un joven caprichoso, egoísta, cobarde y vanidoso por lo que como la mayoría de los autores, es incapaz de explicar o de hacer creíble su relación amorosa, tan intensa y fuerte como para provocar una guerra mundial, con una Helena, como de costumbre, madura, melancólica y angustiada por el papel que le ha tocado vivir, de forma que esta relación de tipo edípico no tiene mucho sentido dentro del contexto del ciclo troyano.
En suma, Shanower hace magia con sus guiones, ya que ha insuflado vida a unos tiempos tan remotos que estan muertos y casi olvidados, por lo que los ha recreado de forma magnífica completando muy bien los poemas homéricos al tratar los aspectos más prosaicos y los detalles y aspectos que, por ser poco o nada poéticos y épicos, fueron obviados por el aedo ciego. Así retrata estupendamente la política de los sistemas sociales en donde esta se mezcla con las relaciones familiares y es un proyecto personal en vez de común o estatal y otra cantidad de aspectos de una sociedad pretérita y bastante incomprensible ya para nosotros. Lo que no comparto con Shanower es que haya tomado la decisión (muy actual) de prescindir de los dioses. Sin estos es evidente que el ciclo troyano queda cojo, pues ellos son el motor de la historia, muchas cosas de las que pasan ocurren porque los dioses las provocan. De momento no queda mal, pero todavía no ha venido lo difícil, a ver que hace cuando se meta de lleno con la "Ilíada", porque ha sabido captar muy bien la religiosidad típica de la época, bastante supersticiosa a nuestros ojos y que explicaba las pulsiones y el instinto como posesiones divinas. Lo único malo, en mi opinión, de esto, es que hace que la historia progrese lentamente y se embrolle, de lo cual es un magnífico ejemplo este tomo, donde se dedica mucho espacio a acontecimientos de poca importancia.
A los dibujos, Shanower se revela más humano, pero no por ello deja de hacer un trabajo estupendo muy por encima de la media (2 premios Eisner nada menos), aunque brilla más por profesionalidad, enorme si la comparamos con los autores estadounidenses más mediáticos (lo cual me imagino debe de ser bastante frustrante), que por talento. Sus referentes, diría, son los grandes dibujantes de prensa estadounidenses de la primera mitad del siglo XX y dibujantes europeos del mismo palo entre los que destaca Hergé (la secuencia final de la página 26 de este tomo es puro Hergé) que es de donde Shanower saca su comicidad y su vena de dibujo infantil (que me parece mejor que su vena realista). Así pues practica un estilo realista ideal sobrio y muy clásico con un entintamiento en b&n portentoso, y sobre todo muy currado, cuyo objetivo es dar al cómic el mayor aspecto realista posible ocupándose de todos los detalles. Un realismo que es reforzado por un tremendo trabajo en los fondos, sea muchedumbre, sea un edificio, sea un paisaje, sea un interior, y con la luz. Es quizás un trabajo demasiado serio y contenido por lo que aunque resulta espectacular, en parte porque ya no se hacen comics así y en parte por el curro que hay detrás, en cierta forma resulta soso y anodino. Esto lo compensa por lo bien que plasma la gestualidad y por una narración clásica y cinematográfica impresionante. Es sobria y realista, ya que nunca utiliza planos imposibles o perspectivas radicales, pero no resulta aburrida por la variedad de planos que utiliza (el no conoce el copypaste salvo cuando es la mejor forma de expresar lo que tiene que contar), un dominio del ritmo portentoso y una elección del punto de vista brillante, de forma que la lectura es ágil y dinámica y cuando toca, vibrante y emocionante (en este tomo el ataque nocturno de Paris es un buen ejemplo). Por tanto, el dibujo defiende muy bien el guión apoyándole excelentemente para que el cómic entretenga, interese y emocione. El único pero que se le puede poner, a parte de una disciplina académica que ralla en la locura, pero eso es gusto personal, es que es mucho mejor en las conversaciones y las escenas íntimas que en las de acción, de la misma forma que su narración es más adecuada para la tranquilidad que para la violencia, por eso, en las escenas de combate no da lo suficiente y eso es un aspecto no muy importante salvo cuando estas relatando el ciclo troyano. Pero bueno, también hay que reconocer que "La Edad de Bronce" es más un relato intimista, aunque coral, que un relato bélico.
La edición de Azake es espléndida pero yo le pongo peros, primero que es demasiado lujosa. En mi opinión no es preciso que el cómic tenga solapas y el papel sea tan, tan bueno, ya que encarece la obra (9 € por 4 grapas en b&n). Otro pero es que, aunque desde el anterior tomo incluyen las portadas, que son maravillosas desde el nº 10 por su prodigioso minimalismo, son en pequeño y en b&n. El último es para la editorial. Es demasiado opaca, por ejemplo, tras una ausencia de 3 años no hay ningún articulillo en el cómic o en la web, alguna pista de cual es su intención con este cómic. También se deduce que pronto habrá otro nº (con lo que lamentablemente alcanzamos la edición estadounidense, o sea que lo mismo nos toca otros 3 años de espera), pero no se sabe cuando. Una serie así, publicada a salto de mata, precisa de mayor comunicación entre la editorial y su cliente vamos, digoyo.
En fin, este tomo da aún más peso a la sensación de que "La Edad de Bronce" va a ser un clásico y una POM. Es una pena que una obra así y la ejemplar y admirable profesionalidad de Shanower no tenga la recompensa que se merece. Que esta obra no le de a Shanower para alimentarse y tenga que compaginarla con otros proyectos (en 7 años sólo ha podido hacer 27 grapas) me parece muy triste y agrio.

23.11.08

Habrá 4º año?

El blog acaba de cumplir su 3º año a la chita callando. Cuando comencé el blog no tenía mucha idea de como iba el tema ni tampoco de a donde iba ir con esto, así que hacer 3 años me sorprende por más que mantener el blog sea algo rutinario y semanal.
Lo más importante que ha ocurrido este año bloguero es que casi lo dejo en febrero. Como podéis ver hay un bajón significativo de post. Todo se debió a que perdí la motivación. Sentí que había dejado de suscitar el escaso interés que despertaba y se me hacía difícil continuar con la rutina y el esfuerzo que me supone escribir muchos post. Estaba cansado de la constancia que exige un blog y aburrido de una situación que apenas había cambiado a lo largo de poco más de 2 años.
Al final conseguí superarlo poniendo el énfasis en las recompensas personales que un blog proporciona. Cuando uno se pone a escribir (luego a pensar) se le ocurren más cosas y empieza a ver conexiones, en fin, profundiza más en la obra pudiéndola descubrir mejor y por tanto apreciar más. Así, post como el del Escuadrón Supremo, el de "El ángel exterminador", "Belle de jour", el de "Apocalipsis now" o el de "Clavos rojos", que son los que ahora me vienen a la memoria, me han posibilitado mejorar mucho la compresión de esas obras, lo cual me hace feliz pues aumenta mi disfrute de las mismas y recompensa el esfuerzo invertido. Eso compensa que, justo los post que más esfuerzo y tiempo me llevan sean los que menos comentarios reciben (la mayoría de estos ninguno). Otra forma de superarlo ha sido bajar la frecuencia de los post. He pasado de hacer 3 a la semana a 2, siempre que "el tiempo y la autoridad lo permite" como se dice en los toros. Rebajar el trabajo y relajar mi relación con el blog ha sido clave para llegar hasta aquí. Otro tema que me ha ayudado es percibir una mejora literaria más o menos a partir de marzo lo cual me ha producido cierto subidón. Creo que a partir de ahí se puede apreciar una mejora cualitativa en mi prosa que casi la acerca a la de una persona normal. Creo que ahora mis post son más inteligibles y menos farragosos, que ahora soy capaz de expresarme mejor escribiendo y eso me enorgullece porque mucho esfuerzo y constancia me ha costado y no pensaba que eso pudiera darse y además, ha hecho que me lleve menos tiempo hacer un post.
Pero todo esto no ha impedido el título, y es que viendo los post anuales se aprecia un descenso significativo y constante desde el primer año. En el 2007 hice 49 post menos que en el 2006 y este año, lo más seguro, es que haga 60 menos que en el 2007, por lo que puede que este año que comienza, impulsado más por inercia que por ganas, se acabe el blog, porque una reducción proporcional a la de estos años reduciría el nº de post casi a cero. Naturalmente no es mi intención porque si no pararía ya pero, si cada vez más las satisfacciones son personales, para qué publicar? El blog proporciona una disciplina que facilita el escribir, sin él, los post que he citado seguramente nunca los habría escrito y me habría perdido cantidad de matices de obras que me gustan mucho y que seguiré visitando, pero eso no puede ser la base. En fin, que hay emoción e intriga este año.
Termino ya esta efeméride-obtuario para agradecer como siempre el interés de todos los que os pasáis regularmente para leer "El critiKrator", en especial a Fer1980, que es lo más cerca que tengo de un fan, a Hellpop y guevillos que se han incorporado este año con fuerza y que son gente con las ideas muy claras y sin miedo a expresarlas a pesar de que son contracorriente y eso les hace admirables, y a mis lectoras femeninas, que parece (yo es que no termino de creérmelo) que tengo. Muchas gracias porque me hacéis pensar que este no es un blog excesivamente friki (mundo eminentemente masculino, marginal y oscuro), que tiene algo de, digamos, interés general y que tengo la capacidad de decir cosas que no sólo interesan a un grupúsculo de fanáticos.
En fin, que otro año más del que no me arrepiento pero que si me pesa. Espero que todos estéis hasta el último día llegue cuando llegue.

20.11.08

Videados 53: Belle de Jour, L. Buñuel 1967


Tienen a su disposición una versión mejor aquí.

Ya he dicho que Buñuel es mi director favorito. Su surrealismo me encanta y fascina, su maestría como director me parece brillante y su cine me parece originalísimo. De entre todas las pelis que he visto de él (me faltan 6) "Belle de Jour" es una de mis 3 favoritas.
Esta peli, hasta que hace poco leí que trata de una perversión sexual, la consideraba una peli surrealista porque, haciendo gala de una ingenuidad que me avergüenza por sus proporciones bíblicas, no la había entendido. Ahora, sabiendo de que va y aprovechando la serendipia de que la Filmoteca de Madrid la proyectase, he ido para verla en pantalla grande y v.o.s.
La peli esta protagon
izada por una joven esposa de la alta burguesía cuya sexualidad no puede desarrollarse dentro del típico matrimonio, por ser eso, típico. Aunque la verdad es que nunca lo intenta, en parte porque si lo hiciese y tuviese éxito, no habría peli.
La mujer en cuestión es una masoquista, lo que le va es ser dominada y humillada porque quiere que le hagan sentir una depravada y así poder escapar de su rol angelical. Esto no lo intenta hacer con su marido porque es un santo y ella no quiere que este descubra que es una guarra (recuerden que estamos hablando de la sociedad occidental antes de la revolución sexual de finales de los 60) porque piensa, se presume, que dejará de amarla. Esta santidad tiene 2 efectos, impide que se dé cuenta de lo que realmente le va a su esposa, que no reaccione con violencia cuando su esposa le mantiene a 2 velas durante más de un año y que todos coincidamos con la prota, Severin, que no va a poder darle lo que quiere, y le convierte en un ser temible para Severin, pues puede descubrirla.
Ese temor que le provoca su marido, como podemos deducir, si la satisface, y mucho además, pero no es sexo y como todo ser humano, no le basta sólo con lo mental, ha de buscar el folleteo en otro sitio y es aquí donde empieza la peli. Para solucionarlo decide convertirse en prostituta, naturalmente compaginándolo con su papel de virginal esposa porque si no, no hay satisfacción. No sólo ha de ser vejada, sino que también es imprescindible experimentar la culpa y el temor que le produce el que su marido se pueda enterar para tener una satisfacción sexual completa (metáfora de los remordimientos por esta transgresión es que sea coser la afición de Severin, pues en el universo buñueliano el coser esta asociado a intentar arreglar lo roto).
En este prostíbulo acaba descubriendo exactamente cual es su tendencia sexual por lo que acaba desarrollándose como persona y alcanzando la felicidad al poder realizarse. También acaba enamorando a un delincuente peligroso, alocado, posesivo y dominante. Al ser descubierta por un amigo de su marido decide dejar su otra vida, esto hace que el delincuente se lo tome como que prefiere al marido y decida, entonces, matarlo para recuperar a Severin. Los acontecimientos se precipitan pero el marido no muere, sino que queda en un estado cuasivegetal bajo el atento y amoroso cuidado de Severin. A quien vemos satisfecha porque ha superado sus problemas sexuales, ya no necesita su otra vida ni teme a su marido, ya que en el estado en que esta este, ni siente que le insatisface ni se preocupa de que pueda descubrirla. La vemos casi totalmente libre. Pero su aspecto, Piccoli le dice que parece una "monja libertina" o algo así, con un moño (que recuerda al de "Vértigo" Hitchcock 1958) y un traje negro sobrio y casto pero aún así coqueto, delata que su conflicto interior aún no se ha dirimido. Por eso, justo al final, el marido se acaba enterando, con lo que llega el momento trascendental del film, pues Severin ha de decidir qué hacer entonces.
Al final se queda junto a su marido, pero realmente no sabemos el por qué de esa decisión. Buñuel dijo que no sabía como terminar la peli así que dejó un final interpretativo. Mi opinión es que al fin se siente totalmente libre y feliz, ya que se libera del temor a que su marido le descubra ganando la seguridad de que su marido, pobre, no la va a dejar. Así es como interpreto yo que el final sea la fantasía sexual recurrente de Severin, pero esta vez sin su presencia y la de su marido. La cara de Deneuve alegre y satisfecha del final creo que me refrenda, pues parece que ha trascendido el sexo o por lo menos ha resuelto todos sus problemas, ha conseguido desarrollarse personalmente, cerrar traumas y heridas (la peli insinúa que abusaron de ella sexualmente cuando era niña) por lo que por fin se siente fuerte, segura y feliz, sin culpas, temores y pensamientos traumáticos, ahora no recuerdo si deja de coser.
La peli es magistral. Esta rodada muy bien de forma clásica, esto es, funcional, sobria y competente pero sin renunciar a la estética y a la armonía. Así la peli fluye con ritmo, normalidad y soltura por lo que la historia toma un aspecto de normalidad y sencillez que quita todo dramatismo y escabrosidad al tema y lo convierte en una especie de cuento. Este último aspecto es reforzado por lo bien que Buñuel entremezcla la fantasía con la realidad, pues no hay nada que distinga una fantasía sexual de Severin de su realidad. De esta forma Buñuel consigue fílmicamente reproducir la mente pues ambos aspectos, sueños y fantasías y lo real, estan unidos dentro de nosotros. Revelándose así como uno de los mejores directores de todos los tiempos y como uno de los mejores para rodar temas psicológicos y fantasiosos.
Deneuve es la que realmente hace funcionar a "Belle de jour". Su belleza hierática y su bello cuerpo, más de adolescente que de mujer por la ausencia de curvas rotundas o grandes volúmenes, son cruciales, pues con otro físico no podría ser creíble el papel de joven doncella tímida e ingenua cosa que además, es reforzado por el look infantiloide con el que visten al pj y esos complejos peinados que recogen bien el pelo que dan la sensación, a la vez, de represión y de inmadurez sexual. Pero Denueve no sólo se limita a poner el físico sino que lo realza demostrando una valentía loable, ya que en 1967 hacer de pervertida y desnudarse podía resultar perjudicial, y realizando una interpretación magistral donde la clave esta en que fue capaz de decir con la cara/mirada una cosa y con el cuerpo otra en una situación fingida. Por eso hace aquí seguramente su mejor papel y es aquí donde se gana su lugar en el Olimpo interpretando a una mujer que se busca a sí misma a través de la realización de sus fantasías atreviéndose a trascender la moral y las costumbres sociales. Piccoli, que aparece a lo largo de la peli en episodios breves, esta también magistral en su papel de rico decadente y pervertidor sumamente correcto y educado.
La clave de las interpretaciones es que son sutiles y sobrias (parece ser que así lo quiso Buñuel) como la dirección, porque refuerzan el lado realista de la peli, que es el importante y la clave de todo, y se basan en la mirada, subrayadas por el punto de vista escogido por la cámara, y en la disociación entre el cuerpo y la cara, símbolo de los mundos entre los que vive Deneuve y de la antítesis entre el interior-deseo con el exterior-sociedad.

La existencia de 2 mundos antitéticos y complementarios, realidad/matrimonio/normalidad y fantasía/prostitución/anormalidad, en "Belle de Jour" revela su cualidad mítica y de cuento, pues es un viaje personal de madurez donde las pruebas son los clientes, que a la vez son los mentores, hay un monstruo, el trauma o las razones de la insatisfacción sexual de Severin, encarnado por el pj de Piccoli, que es el que detecta su perversión, quien le induce la idea de prostituirse y el prota de sus fantasías porque el rechazo que siente por él (sin duda porque a diferencia de su marido, él si sabe de que pie cojea y porque ella se ve como él, un ser pervertido) las hace más satisfactorias, y después de pasar su particular odisea, obtiene el elixir o la solución a todos sus problemas superando sus taras, que al final parece que eran el ser una "guarra" sin querer serlo, al pasar con éxito la prueba final, que el marido lo sepa. De forma que demuestra su heroísmo al triunfar totalmente, pues ya no necesita el mundo mágico-fantasioso-prostituto. Ha superado sus problema y ahora esta completa, ahora es una persona adulta, madura, libre y feliz.
Así pues nos encontramos con que, a pesar de no ser una peli surrealista en el sentido de que no es ininteligible por ocurrir en ella sucesos a o supranormales, sí es una peli típicamente buñueliana porque también son temas surrealistas la crítica a la burguesía, la búsqueda de la libertad (recuerden que ya hablamos de eso a cuenta de "El ángel exterminador"), la reivindicación de la fantasía, la importancia del inconsciente, el fetichismo, la sexualidad y la individualidad. Lo que dudo es que Buñuel, siendo tan machista como era, pillase que la peli también es bastante feminista. También es típico buñelianp la bella rubia protagonista y su sometimiento y humillación, la idea de mujer, la plasmación fílmica de perversiones y fantasías sexuales irrealizadas, la representación de lo burgués como algo re y opresivo, la atención a la psicología y al mundo interior y la utilización de la angustia como mecanismo catártico. Todo lo cual, si lo piensan bien, también se puede aplicar a Hitchcock.
En fin, una gran peli que, aunque ya no es como antes, pues no es tan transgresora y revolucionaria, sigue siendo una peli muy válida, interesante, entretenida, singular y fascinante porque su interior no ha envejecido nada.

19.11.08

Los Thunderbolts de Ellis

Ya ha terminado la breve incursión de Ellis en los Thunderbolts, la colección que era el máximo exponente de la forma tradicional marvelita de hacer las cosas. Después de Ellis, eso esta más que finiquitado.
Eso y otras cosas es lo que ha traído la revolución de la cole planificada por la editorial y llevada a cabo, de forma muy mercenaria, por Ellis. Una revolución que en mi opinión ha traído tantas cosas buenas como malas, lo que hace que no pueda decir de esta mini etapa que ha sido buena o mala.
Ya en su momento cuestioné la validez de contratar a Ellis. Es una cuestión de mentalidad por supuesto. Yo jamás contrataría a nadie para hacer un trabajo que no le gusta e incluso odia por muy bueno que sea en eso. No le veo el sentido a traer a un tipo que si pudiera acabaría con los superhéroes, para encargarse de una cole regular, es decir, con vocación de perpetuarse en el tiempo, de estos. El resultado de esta maniobra era, por tanto, previsible.
Primero tengo que decir que la cole me ha entretenido y divertido mucho. Que tenía ciertas ganas de que empezase el mes para poder leer la nueva entrega, cosa que cada vez me ocurre menos a menudo con este género. Pero era más porque Ellis es un gran guionista, sabe dialogar, desarrollar una historia y darle espectacularidad como pocos hoy en día, que por como estaba cumpliendo las órdenes de como debían ser los Thunderbolts postCW.
Para cumplir estas órdenes (los Thunderbolts debían ser el típico, y gastado ya, cliché de psicosociópatas al servicio del gobierno) y hacer las cosas a su gusto, Ellis acabó con todos los santos y señas de la cole, con su espíritu. Lo primero y principal es que acabó con el mirar y respetar la continuidad. Vale que en la serie han aparecido un montón de pjs que no eran más que extras con frase, pero eso ha sido más porque con CW casi todo el mundo esta en la ZN que por emular a Busiek y Nicieza rescatando a gente olvidada de los 70 y 80. Pero lo más grave de esta línea de actuación ha sido cargarse la propia continuidad de la serie. La serie desde el principio fue un esfuerzo por parte de Busiek y Nicieza de dotar de profundidad y singularidad a unos villanos que eran meros clichés o simples piñatas con uniforme. Con Ellis todo ese esfuerzo, las personalidades de los pjs que costó números edificar, ha sido arrojado a la basura. Con Ellis los pjs pasaron a ser estereotipos de lo más típicos y planos, y eso para mi ha sido lo más grave. Ver como los pjs perdían sus ideosincrasia, sobre todo los que eran Thunderbolts (Pájaro Cantor, Piedra Lunar y Espadachín) ha sido triste. Pero además de esta desnaturalización, esta que los Thunderbolts han sido eclipsados por Osborn en su propia serie! Por todo esto, la revolución ordenada por la editorial me ha parecido que se ha pasado y que ha de ser ajustada o la cole dejará de ser interesante o acabará cambiando de título y los Thunderbolts pasaran a ser unos secundarios de esta.
Además de esta desnaturalización, el trabajo de Ellis se ha caracterizado por ser insustancial. Sus 9 números han sido un ejemplar descompresive storytelling. Lo que nos ha contado Ellis ha sido muy poco y además, exceptuando a Penitencia y Osborn, los pjs han aparecido bastante poco. Por eso, aunque la lectura ha sido divertida, interesante y espectacular y Ellis ha cumplido muy bien su misión de revolucionar la serie, el resultado es bastante insatisfactorio porque esos números prácticamente sólo tienen el valor de una primera lectura, ya que nadie se esperaba un cambio tan radical ni se podía deducir a donde iba la serie. Ahora sólo queda un cómic palomitero de esos que ya no se disfrutan mucho en siguientes lecturas porque los fuegos de artificio sólo funcionan una sola vez.
Acompañando a Ellis ha estado Deodato, un dibujante tan inteligente como malo. Deodato es un dibujante pésimo, no domina nada, ni la anatomía, ni la perspectiva, ni la composición, ni la narrativa, ni las proporciones, ni nada. Es difícil encontrar a un tipo tan malo hoy en día, quizás Finch. Pero todo esto casi lo compensa por completo con su inteligencia. Se ha dado cuenta de que lo importante hoy en Marvel es la apariencia, resultar espectacular o molón a simple vista, lo demás, ni para la editorial ni para el aficionado medio (parece ser), tiene importancia Así que para conseguir eso, teniendo en cuenta su nulidad como dibujante, ha dado con el Tenebrismo. Me ha parecido una maniobra muy inteligente porque con el Tenebrismo (uno de los estilos del Barroco que consistió en pintar los cuadros con un gran contraste de luz) mataba 2 pájaros de un tiro y además obtenía extras. Llenando de sombras sus viñetas ocultaba su falta de capacidad dibujística y resultaba espectacular y como extras conseguía ese efecto realista hoy tan de moda (algo que también estaba detrás del barroco tenebrista) y conseguía tener un estilo muy singular, lo cual siempre viene muy bien para medrar en un mercado competitivo e industrial. El resultado de su trabajo es un poco como el de Ellis, tan malo como bueno. Su dibujo es horrible e ilegible porque al no saber de anatomía y perspectiva nunca sabes como leer las viñetas, quién esta detrás de quién? a x le han dado una paliza de muerte o simplemente es que Deodato no sabe dibujar? pero consigue siempre hacer visualmente espectacular lo ideado por Ellis y de vez en cuando se monta una brillante narrativa. De todas formas, realmente a Deodato lo que le pasa es que tiene mucha suerte, porque realmente es el colorista, Beredo, el artífice de que el aspecto visual de la cole sea tan bueno, realista y espectacular. Él es el que con el color ha maquillado las figuras rotas y hecho funcionar el tenebrismo de Deodato.
Así pues, para mí, aunque la revolución era necesaria, se ha pasado por ser tan expeditiva destruyendo todo lo anterior y opacando lo poco que decidió conservar y, aunque Ellis y Deodato-Beredo hacen un trabajo estimable haciendo que los Thunderbolts sean por primera vez espectaculares y, desde hace años, interesantes de leer, han estupidizado la cole y nos han dejado unas páginas horribles. Así pues, aunque yo he disfrutado (y en esto ha sido muy importante que sólo hayan sido 9 números) no me ha parecido bien el trabajo de estos autores y pienso que los mimbres que dejan para el futuro no sólo no son sólidos, sino que estan envenenados. Aunque también deja las cosas bastante fáciles para continuar la serie, ya que en estos 9 números los Thunderbolts han vuelto a la casilla de salida, porque lo que realmente ha sido la etapa Ellis es un reboot en toda regla.
Paperblog : Los mejores artículos de los blogs Paperblog